Raves, Roboter und sich windende Körper: wie elektronische Musik die Welt neu verdrahtet hat.

In der Philharmonie de Paris fragt sich Jean-Yves Leloup an einem bedeckten Dienstagnachmittag, warum in der französischen Hauptstadt die vielleicht umfangreichste Ausstellung zur Geschichte der elektronischen Musik stattfindet, die je stattgefunden hat. “Ich verstehe nicht, warum die Deutschen oder die Briten es nicht schon einmal getan haben”, zuckt er mit den Schultern. “Aber wir haben eine Geschichte der elektronischen Musik in Frankreich, von musique concrète über Jean-Michel Jarre bis hin zu Cerrone und kosmischer Disco, der französische Touch mit Daft Punk, jetzt einige EDM-Popstars.

“Vielleicht ziehen wir die elektronische Musik an, weil sie nicht zu rock’n’roll-orientiert ist, was Eigentum der Angelsachsen ist. Den Franzosen wurde immer gesagt, dass sie nicht sehr gut auf Englisch singen können oder dass Französisch nicht gut zum Rock’n’Roll passt, also schätze ich, dass es so ist. Es ist ein kleines Rätsel für mich – ich bin Franzose, also ist es schwer, eine Außenperspektive zu haben.”

Es ist nicht nur schwer, seine Gedanken über die langjährige Liebesaffäre Frankreichs mit dem Synthesizer zu sammeln, es ist auch ziemlich schwer, sie über den Sound der Electro-Ausstellung selbst zu hören: Der gesamte Raum wackelt mit vier zu Boden gehenden Beats und pulsierendem Subbass. Es ist auch hier drin ziemlich dunkel, der Saal ist gefüllt mit Projektionen und UV-Licht. Das ist der Punkt, nickt Leloup, der Kurator der Ausstellung und ein selbst bekennender alter Raver. “Raves waren jenseits eines soziologischen Phänomens. Ästhetisch gesehen geschah etwas – Licht, Rauch, ein Meer von Körpern. Ich wollte es nicht imitieren, aber ich wollte das sensorische Gefühl, wenn du mich besuchst. Wir wollten keine langweilige historische Ausstellung machen, in der man bestimmte Objekte und Erinnerungsstücke sammeln muss. Wir versuchen nicht, Menschen zu erziehen.”

Zwei Jahre in der Entwicklung, Electro ist eine ziemlich überwältigende audiovisuelle Erfahrung. Es gibt Installationen mit freundlicher Genehmigung von Daft Punk (die lebensgroßen Modelle des Duos, begleitet von einem quäkenden Roboterbaby, wurden am Nachmittag, den ich besuchte, von erregten Schulkindern gemoppt); 3D-Filme von Kraftwerk; einen fünfstündigen Soundtrack von DJ Laurent Garnier, der über die Kopfhörer der Besucher pumpt; Skulpturen aus Vinylplatten, die so arrangiert sind, dass sie die SoundCloud-Wellenform von Benga’s 2012er Track I Will Never Change nachahmen; Statuen von Giorgio Moroder und Brian Eno (letzterer lag auf dem Boden, vermutlich in den Zeiten, in denen er sich Ambientmusik ausdenkt); und ein paar fantastische Stücke Pariser “Architektur- und Digitaldesigner” 1024. Die eine ist eine riesige audiovisuelle Lichtinstallation namens Core, auf der 20.000 LEDs im Takt von Garniers Soundtrack pulsieren, die andere ein “tanzender Würfel”, der aussieht, als ob er aus Gerüstpfosten besteht und mit einer Reihe von alarmierenden Klirren immer wieder ins Leben tritt. “Es ist eine Art Tanzroboter, eine geometrische Form, die etwas menschlicher geworden ist”, sagt Leloup. “Es ist eines der Themen der Ausstellung – die poetische Beziehung zwischen Mann oder Frau und Maschine.”

Doch bei aller Überlastung von son et lumière befindet sich im Zentrum der Ausstellung eine wirklich bemerkenswerte Sammlung von Objekten, die eine Geschichte deutlich länger erzählt, als der Untertitel der Ausstellung – “Kraftwerk to Daft Punk” – vermuten lässt. Es gibt alte Synthesizer, die an Telefonzentralen oder riesige Holzmöbel erinnern, die aus einer Zeit stammen, in der die elektronische Musik fast ausschließlich der Avantgarde der klassischen Musik gehörte, einer intellektuellen Verfolgung, die in “Forschungsstudios” durchgeführt wurde, die an Labors erinnerten.

Faszinierend stellt sich heraus, dass die ersten Experimente in der so genannten musique concrète während des Zweiten Weltkriegs vom Komponisten Pierre Schaeffer in einem auch vom französischen Widerstand genutzten Radiostudio durchgeführt wurden: Er gründete später die Pariser Groupe de Recherches Musicales, wo Jean-Michel Jarre kurzzeitig studierte.

Inmitten einer Vielzahl von Studio-Equipment, das von Jarre gespendet wurde, wird der Moog-Synth gezeigt. Wie Leloup betont, bedeutete sein Erscheinen auf dem Markt mehr oder weniger das Ende für die Forschungsstudios. “Die Studios haben alles erfunden – wie man einen Sound bearbeitet, transformiert, synthetisiert. Aber um 1967-68 beginnt der Moog von Rock- und Popmusikern genutzt zu werden, und die meisten Forschungsstudios waren völlig veraltet, sehr schnell. Popmusiker schufen progressivere Musik als sie es waren.”

Aber mit der Ankunft der Disco, dann der House-Musik, kommt die Ausstellung richtig in Fahrt. Es bietet alles aus einer riesigen Sammlung von Flyern aus Chicagos Early House Clubs und dem Second Summer of Love von 1988, als der unwiderstehliche Cocktail aus Acid House und Ecstasy auf Großbritannien losgelassen wurde (Adleräugige britische Besucher könnten unter ihnen eine seltene Werbekarte für den Hug Club bemerken), die mythische Londoner Nacht vor dem Säurehaus, in der die Zuhörer Ekstase nahmen und sich dann auf dem Boden herumtobten und alte Soul Records hörten), zu einem Raum, der dem Detroiter Techno gewidmet war, wo Cartoonstreifen, die das Underground Resistance-Kollektiv der Stadt darstellen, als rachsüchtige Roboter, die der Rückkehr von Technik gewidmet sind.