Wenn Musik mehrsprachig ist: 10 Künstler, die in anderen Sprachen auftreten

Mehrsprachige Sänger wissen, dass Musik eine der wenigen wirklich universellen Sprachen ist . Es kommuniziert mit Menschen unabhängig von ihrer Fähigkeit, die Texte zu verstehen, und es hat die Fähigkeit, bei Babys und Tieren gleichermaßen eine Reaktion hervorzurufen.

Wie sich herausstellt, kommt dieses Konzept von „Musik als Sprache“ nicht aus dem linken Feld. In einem Artikel in Psychology Today wurde der Zusammenhang zwischen Musik und Sprachenlernen untersucht. Obwohl festgestellt wurde, dass Musik und Sprache von verschiedenen Bereichen des Gehirns verarbeitet werden, wurde ein interessanter Fall dafür angeführt, warum musikalische Fähigkeiten die Fähigkeit verbessern können, eine zweite Sprache zu lernen. Beide basieren auf der Fähigkeit, Unterschiede in Tonhöhe, Takt, Rhythmus, Phrasierung, Interpretation, Tongedächtnis und mehr zu erkennen.

Die Forscherin Anita Bowles und ihre Kollegen stellten 160 englische Muttersprachler auf die Probe, indem sie eine Reihe von Mandarin-Pseudowörtern lernten – Mandarin ist eine Sprache, die stark von tonalen Nuancen abhängt. Kurz gesagt, diejenigen, die zuvor Musik studiert hatten, hatten einen kleinen Vorteil, wenn es darum ging, Töne zu unterscheiden.

In einer anderen Studie unter der Leitung von Diana Deutsch konnten Muttersprachler von Vietnamesisch und Mandarin die Tonhöhen besser identifizieren als Sprecher von Englisch oder Französisch und hatten mit größerer Wahrscheinlichkeit eine absolute Tonhöhe.

Obwohl es keine schlüssigen Beweise dafür gibt, dass Musiker notwendigerweise besser darin sind, neue Sprachen zu lernen, ist es nicht ungewöhnlich, berühmte Musiker zu finden, die mit einer zweiten, dritten, vierten oder sogar fünften Sprache vertraut sind.

Hier sind 10 bekannte mehrsprachige Sänger, Künstler oder Bands, die es sich zum Ziel gesetzt haben, in mehreren Sprachen aufzutreten (und erfolgreicher als Justin Bieber ). Wenn Sie fertig sind, nehmen Sie an unserer Umfrage am Ende dieser Seite teil, um uns mitzuteilen, wer Ihrer Meinung nach für seine mehrsprachigen Methoden am meisten Anerkennung verdient.
Shakira
Unter den mehrsprachigen Sängern der Welt hat diese kolumbianische Chanteuse eine wirklich globale Disposition (und die Fähigkeit, ziemlich fließend Spanisch, Portugiesisch, Englisch, Französisch und Italienisch zu kommunizieren). 2011 überlegte sie kurz , ein ganzes Album auf Arabisch aufzunehmen , um ihren libanesischen Wurzeln zu huldigen, obwohl sie zugab, die Sprache nicht sehr gut zu kennen.

Sie sorgt auch dafür, dass ihr Sohn Milan ähnlich rund aufwächst. Sie setzt ihn Spanisch, Katalanisch, Englisch, Französisch, Deutsch, Russisch und Chinesisch aus .

Im obigen Video können Sie sie im Alter von 12 Jahren auf Spanisch und Arabisch auftreten hören.

Wyclef Jean
Die Hauptstütze der ehemaligen Flüchtlinge hat seine haitianischen Wurzeln (und seine Erfahrung als Einwanderer) zu einem Eckpfeiler seiner Erzählung gemacht.

Es ist bekannt, dass er Französisch, Kreolisch und Englisch in seine Musik einfließen lässt, aber in diesem Video, in dem er bei SXSW auftrat, wurde er in Französisch, Deutsch, Englisch, Japanisch und Spanisch freestyled .

Während seines Auftritts sagte er: “Um ein Künstler zu sein, muss man 360 sein.”

Andrea Bocelli
Der weltberühmte Tenor Andrea Bocelli beschränkt sich nicht nur auf seine italienische Muttersprache. Er singt auch in Französisch, Spanisch, Englisch, Latein und Portugiesisch.

Hier ist er beim Gedenkkonzert für Lady Diana im Londoner Wembley-Stadion 2007 und spielt „Die Musik der Nacht“ auf Englisch.

Celine Dion
Celine Dion ist nicht nur eine der bestverdienenden Musikerinnen der Geschichte, sondern verfügt auch über eine Fülle von Sprachen. Neben Englisch und Französisch – zwei Sprachen, für die sie bekannt ist – hat sie auch auf Spanisch, Deutsch und Japanisch sowie auf Neapolitanisch, Latein und Mandarin gesungen .

Hier tritt sie bei der chinesischen Neujahrsgala 2013 in Peking auf.

Gloria Estefan
Die kubanisch-amerikanische Sängerin erwarb während ihres Studiums an der Universität von Miami einen französischen Minderjährigen. Bevor sie als Sängerin erfolgreich wurde, arbeitete sie als Übersetzerin für die Zollabteilung des Miami International Airport. Sie wurde sogar von der CIA als potenzielle Rekrutin angesprochen.

In ihrem 2013er Album The Standards webt sie in fünf verschiedenen Sprachen und ist damit eine der beliebtesten und vielseitigsten mehrsprachigen Sängerinnen: Englisch, Spanisch, Französisch, Italienisch und Portugiesisch.

„Ich hatte das Glück, dass meine Musik Menschen auf globaler Ebene erreicht hat. Als wir zum ersten Mal über dieses Album sprachen, wusste ich, dass ich„ Standards “aus der ganzen Welt einbeziehen wollte. Ich habe mich an die romanischen Sprachen gehalten – Spanisch, Französisch, Italienisch, Portugiesisch – die alle ein Teil von mir sind “, sagte sie Hollywood Reporter in einem Interview.

Im obigen Video spielt sie ein Medley in Portugiesisch, Spanisch und Englisch.

Lady Gaga
Obwohl sie nicht unbedingt eine der produktivsten mehrsprachigen Sängerinnen ist, hat Lady Gaga eine offensichtliche stilistische Entscheidung getroffen, Fremdsprachen in ihre Arbeit aufzunehmen. In „Bad Romance“ ist ein bisschen Französisch zu hören, und sie spricht Italienisch in „Born This Way“ – ganz zu schweigen von Schwedisch in den Eröffnungsszenen des Videos zu „Paparazzi“ und ein bisschen Deutsch, als sie dort auf Tour war.

“Für Gaga ist das Sprechen einer Fremdsprache oft ein Kunstgriff”, schreibt Amber L. Davisson in Lady Gaga und dem Remaking of Celebrity Culture . „Man könnte argumentieren, dass sie es benutzt, um ihre Arbeit als künstlerisch zu signalisieren, und dass es auch ein Appell an ihre globale Fangemeinde ist. Genau wie die Wahl der Kleidung und des Musikstils signalisiert auch die Einbeziehung der Fremdsprache, wer Gaga als Berühmtheit ist. Es kommuniziert ihren Wunsch, als internationaler Superstar verstanden zu werden. Durch das Sprechen mehrerer Sprachen wird Gaga in mehrere Communities eingeteilt. “

Hier singt sie „La Vie en Rose“ in A Star Is Born .

ABBA
Die schwedische Popgruppe war mit mehr als ein paar Sprachen vertraut.

Abgesehen von ihrer Muttersprache Schwedisch und Englisch, der Sprache, in der die meisten amerikanischen Zuschauer mit ihrer Musik vertraut waren, nahmen sie auch auf Französisch und Deutsch auf, um ihre Fans auf diesen Märkten effektiver zu erreichen.

Um das Ganze abzurunden, hier ein Video, in dem sie auf Spanisch singen.

Gogol Bordello
Die gefeierte Gypsy-Punk-Band wird von Eugene Hütz geleitet, einem in der Ukraine geborenen Sänger, Komponisten, Discjockey und Schauspieler.

Hütz spricht nicht nur Ukrainisch, Russisch und Englisch, sondern singt auch häufig auf Rumänisch. Es ist bekannt, dass er spanische und portugiesische Texte in seine Songs einfließen lässt.

Hier singt er in verschiedenen Sprachen im treffend betitelten „Trans-Continental Hustle“.

Regina Spektor
Spektor wurde in Moskau geboren, machte sich jedoch in den USA einen Namen, nachdem sich ihre klassische Klavierausbildung in einen eigenständigen und zeitgenössischen Klang verwandelt hatte.

In einem Interview mit Mutter Jones spricht sie über die globalen Einflüsse, die sie geprägt haben: „Ich weiß nicht, ob es nur sehr früh im Leben durch Einwanderung geht, aber wir haben drei Orte durchlaufen… Ich denke, es hat mich irgendwie zu allem gemacht herum fühlen sich wie Sprache ist so willkürlich. Es ist so willkürlich wie Grenzen und alles von Menschen gemacht. Und wenn Sie es dekonstruieren, sind es nur coole Sounds. Und bestimmte Gefühle werden durch diese Geräusche ausgelöst. Es fühlt sich also wie eine Farbe an. Oder eine Probe. Ich denke manchmal fühlt sich Englisch nicht genug an. Aber weißt du, ich erfinde auch Wörter und Töne, also denke ich, nichts fühlt sich genug an! “

Ihr Lied „Aprés Moi“ ist ein Gemisch aus Englisch, Französisch und Russisch.

Sigur Rós
Zählen erfundene Sprachen?

Die Eingeborenen von Reykjavík haben ein betörendes Werk geschaffen, das hauptsächlich auf Isländisch und gelegentlich auf Englisch gesungen wird. Aber sie haben es sich auch zur Aufgabe gemacht, den Grenzen der bekannten Sprache durch eine erfundene Sprache namens Vonlenska zu entkommen, die im Wesentlichen „Hopelandisch“ bedeutet. Die impressionistische, sogenannte „Unsinn“ -Sprache vermittelt alle Arten von emotionalen Qualitäten, ohne irgendeine konkrete Bedeutung zu vermitteln.

Auf der FAQ-Seite der Band erklären sie, dass Frontmann Jónsi sie als „eine Form von Kauderwelsch-Gesang gewählt hat, die zur Musik passt und als weiteres Instrument fungiert. Jónsi vergleicht es mit dem, was Sänger manchmal tun, wenn sie sich für die Melodie entschieden haben, aber die Texte noch nicht geschrieben haben. “

Die Philly Band bringt internationale Besetzung zum Live-Musikfestival in Minecraft

We All Want To Be There” ist die erste Single aus Courier Clubs Debüt-EP “Drive Like Your Kids Live Here”. Es ist gerade am 17. April gefallen. Die Philadelphia-Band war bereit, eine 10-Städte-Tour zu machen, ihre erste, um es zu unterstützen.

In der grausamsten Ironie wird niemand da sein. Die energiegeladene Pop-Rock-Tanzband musste wegen der COVID-19-Pandemie alle Aufführungstermine absagen.

Also wandten sie sich dem zu, was sie am besten wissen: Videospielen.

“Videospiele spielen eine große Rolle in unserem Ethos als Band”, sagte Sänger Tim Waldron. “Wir nehmen den größten Teil unserer Einflüsse von Videospielen, ob Soundtracks oder Grafikdesign, und sogar von Mode.”

Courier Club, eine in Philadelphia ansässige Band, organisierte Block by Blockwest, ein virtuelles Musikfestival in der Welt von Minecraft. (Zur Verfügung gestellt vom Courier Club)
Der Courier Club hat Block by Blockwest im Rahmen des Online-Spiels Minecraft erstellt, das sich an dem jetzt abgesagten Musikfestival South by Southwest in Austin, Texas, orientiert. Es ist ein imaginärer Konzertort, der auf einem Minecraft-Server erstellt wurde, auf dem echte Bands als ihre eigenen Avatare auftreten. Derzeit stehen mehr als 35 Bands auf der Rechnung, die vom russischen Punk-Protest-Kunstprojekt Pussy Riot angeführt werden.

Es wird am Samstag den ganzen Tag in Minecraft live geschaltet. Diejenigen, die nicht am Spiel teilnehmen oder nicht teilnehmen können, können es auf YouTube oder Twitch streamen.

Es gibt mindestens zwei Bühnen sowie eine VIP-Lounge, ein Warenzelt, einen Chatraum mit Bandmitgliedern und Spiele zum Erkunden. Die Band hat einen Verwandten – den Bruder des Bassisten Michael Silverglade, Steven, einen Spieledesigner – angesprochen, um die virtuelle Welt zu planen.

“Wir wollten, dass es etwas ist, wo man den ganzen Tag verbringen kann, wie ein echtes Festival”, sagte er. “Machen Sie es zu einem umfassenden Erlebnis.”

Minecraft ist eine weitläufige, amorphe Landschaft aus blockpixeligen Charakteren, die ihre eigenen Welten bauen können. Es gibt kein festgelegtes Ziel für das Spiel, außer dem, was Sie tun können, indem Sie Blöcke stapeln und online mit anderen Menschen interagieren. Das Spiel erfindet sich je nach Spieler neu.

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Das Herunterfahren des Coronavirus zeigte Künstlern, was sie nicht können. Jetzt erforschen einige, was sie können.

vor 4 Tagen

Das Konzept eines virtuellen Musikfestivals auf Minecraft geht der Pandemie voraus. Im September 2018 spielten fast 40 Bands Coalchella , eine pixelige Nachahmung des Coachella-Festivals in Kalifornien. Es gab eine Bühne, die auf dem Red Rocks Mountain Veranstaltungsort in Colorado basiert und in Red Blocks umbenannt wurde (verstanden?).

Seit das Coronavirus Live-Musik abgeschaltet hat, haben einige Veranstaltungsorte in Brooklyn digitale Versionen von sich selbst neu erstellt, um virtuelle Konzerte in Minecraft zu veranstalten.

Der Veranstaltungsort bietet auch eine Kunstgalerie und Minispiele. (Zur Verfügung gestellt vom Courier Club) eine Kunstgalerie und Minispiele. (Zur Verfügung gestellt vom Courier Club)
Der Veranstaltungsort Block by Blockwest basiert nicht auf irgendetwas, das in der realen Welt existiert. Die Band ließ ihre Fantasien mit sich laufen: Die Bühnen befinden sich in einer mittelalterlichen Burg, die sich in einem ausgehöhlten Berg befindet.

„Es begann mit‚ Lass uns eine Festivalbühne machen. ‘ Als die Zeit verging und wir anfingen, Dinge hinzuzufügen, dachten wir: “Machen wir eine Bühne in einem Berg, und es sieht aus wie eine Burg”, sagte Michael Silverglade. “Es ist total verrückt.”

„Sobald wir festgestellt haben, dass es keine Einschränkungen für die strukturelle Integrität gibt, machen wir, was wir wollen“, fügte Waldron hinzu.

Block by Blockwest ist ein Musikfestival mit mehreren Veranstaltungsorten, das in einer Bergburg in der virtuellen Welt von Minecraft spielt. (Zur Verfügung gestellt vom Courier Club)
Die Szene mag gefälscht sein, aber die Musik wird echt sein. Alle Bands streamen zuvor aufgenommene Live-Musik, die noch nie veröffentlicht wurde. Viele von ihnen haben speziell für dieses Festival neue Live-Aufnahmen gemacht.

Der Courier Club begann klein, indem er sich an Freunde wandte, die in Bands sind, und an Bands, die sie mochten. Diese Bands haben sich dann an ihre Freunde gewandt und so weiter und so fort. Das Lineup enthält die Acts Hunny, Grandson und Nothing, Nowhere.

Diejenigen Musiker, die Minecraft-versiert sind, werden ihre Avatare in Echtzeit auf der Bühne manipulieren. Diejenigen, die sich mit Videospielen weniger auskennen, lassen den Courier Club das Puppenspiel machen.

Jede Band wird einen benutzerdefinierten Hintergrund verwenden und während der Show mit benutzerdefinierten Avataren mit der Menge interagieren. (Zur Verfügung gestellt vom Courier Club)
Natürlich streamen derzeit viele Musiker selbst – ihr wahres Selbst, nicht Avatare – während des globalen Shutdowns für Fans über das Internet. Waldron sagte, Minecraft mache etwas, was IRL (im wirklichen Leben) nicht kann: Menschen zusammenbringen.

“Es ist von großem Wert, eine Community auf Shows zu haben”, sagte er. „Du gehst nicht nur zum Künstler. Du gehst mit anderen Leuten zusammen, die den Künstler mögen und dir ähnlich sind. “

Wenn alles gut geht, wird der Courier Club möglicherweise endlich dem Titel dieses ersten Tracks auf seiner EP gerecht.

“Heiliger Strohsack! Ich bin in einem Raum mit Menschen aus der ganzen Welt und sie stehen auf die gleichen Dinge, und wir sind alle auf diese Blockform komprimiert “, sagte Waldron. “Es ist ein wirklich cooles Gefühl.”

Hat das Rauchverbot die Musiklokale verbessert?

Musikveranstaltungsorte nehmen einen besonderen Platz im kulturellen Kernland Großbritanniens ein und erheben Anspruch auf einige der historisch kultigsten Aufführungen und Momente aller Zeiten. Anerkannte Veranstaltungsorte wie The Cavern Club, The Hacienda, The 100 Club, Barrowlands und viele mehr haben weltweit anerkannte nationale Anerkennung und Vermächtnis als legendäre Orte erlangt, in denen die größten Musiker ihren Beruf ausgeübt haben.
Ein Teil der Fixierung auf das britische Live-Musik-Erlebnis war die völlige Akzeptanz rauchgefüllter Räume, die die Arterien von Zuschauern mit sternenklaren Augen verstopften, bis das Rauchverbot von 2007 in Kraft trat. Seitdem wird sich die Mehrheit der Konzertbesucher wahrscheinlich nicht einmal mehr daran erinnern, wie es war, eine Kippe in einem geschlossenen öffentlichen Raum ohne Konsequenzen anzuzünden.
Obwohl das Rauchverbot als Schlüsselmoment für die Veränderung der öffentlichen Gesundheitsmeinung angekündigt wurde, gab es immer ein Argument dafür, Vaporizer im Test dass es einen Teil der archetypischen Showerfahrung wegnimmt. Raucher müssen ihre Gewohnheit erfüllen, indem sie in ausgewiesene Raucherunterkünfte gehen, die einen ganz neuen Status erhalten haben. Mit dem kometenhaften Aufstieg der Menschen, die sich auch als Grauzone für Musikveranstaltungsorte erweisen, kann es eine allzu vertraute schwierige Situation sein, nikotinsüchtig zu sein und Ihre Lieblingskünstler sehen zu wollen. Hat sich das Rauchverbot tatsächlich verschlechtert?
Die Flagge hissen
Das britische Rauchverbot trat vor 12 Jahren in Kraft und signalisierte ein positives Kapitel zur Einstellung zur öffentlichen Gesundheit. Seitdem ist Großbritannien in den am weitesten verbreiteten Rauchernationen drastisch gesunken und hat die zweitniedrigste Raucherquote in Europa. Dies hat die Regierung weiter veranlasst, vorzuschlagen, dass Großbritannien bis 2030 rauchfrei sein soll , ein etwas hoffnungsvolles Ziel, aber dennoch ein Symbol dafür, wie weit Großbritannien seit den Tagen bewölkter Pubs und überfüllter Aschenbecher gekommen ist.
Infolge des Rauchverbots installierten die meisten öffentlichen Einrichtungen Raucherunterkünfte in ihren Räumlichkeiten, um den Rauchern eine Lösung zu bieten. Dies bedeutet effektiv, dass Börsenspekulanten, die eine Zigarette wollen, die Aufführung verlassen müssen und letztendlich Momente der Kunst verpassen müssen. Vaping wurde als Spielwechsler in dem Sinne angesehen, dass die Teilnehmer drinnen bleiben und ihr Nikotin reparieren konnten, ohne die Öffentlichkeit durch Rauch aus zweiter Hand zu schädigen. Neben diesen positiven Aspekten gibt es laut Vape Club auch eine ganze Reihe von Vorteilen in Bezug auf Gesundheit und soziale Etikette, wenn man sich gegen das Rauchen wehrt .
Mit dem Wachstum der Vaping-Industrie und ihrer Infrastruktur nahm auch die Befürwortung von Organisationen des öffentlichen Gesundheitswesens wie PHE (Public Health England) , NHS und Cancer Research zu . Eher intuitiv entschied sich jedoch eine wachsende Anzahl von Musikveranstaltungsorten dafür, Vaping genauso zu behandeln wie Rauchen, und schob Vaper in die Raucherunterstände. Justin Turford, DJ, Eventproduzent und die Hälfte der internationalen Musik- und Kulturmeister Truth & Liesbehauptet: „Ich vape und mache es beim DJing, aber die meisten Veranstaltungsorte behandeln Vaping genauso wie Rauchen, was sehr unglücklich ist. Wenn die Vaper, die stark wolken (Wolken blasen), aufhören könnten, würden vielleicht mehr Veranstaltungsorte dies zulassen. Ich denke, jetzt gibt es weniger junge Leute, die mit dem Rauchen anfangen, so dass Veranstaltungen, die auf sie zugeschnitten sind, das Publikum mehr am Veranstaltungsort zu halten scheinen. ‘
Da die meisten Veranstaltungsorte eine Anti-Vaping-Haltung einnehmen, sind die Vaper gezwungen, dieselben geschlossenen und oft engen Schutzräume mit Rauchern zu teilen, was sie leider dazu verleitet, wieder auf die Zigaretten zu steigen. Jeder, der erfolgreich auf Tabak verzichtet hat, wird Ihnen sagen, dass eine physische und psychische Trennung von Zigaretten unerlässlich ist. Wenn Sie sich also in unmittelbarer Nähe befinden, erhöht sich nur die Wahrscheinlichkeit, dass Sie wieder süchtig werden. Seit Beginn des Rauchverbots ist in Großbritannien ein stetiger Rückgang des Rauchens zu verzeichnen, was letztendlich zu einem geringeren Druck auf den NHS führt. Das Rauchen kostet den NHS jedes Jahr unglaubliche 30,1 Millionen Pfund .
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Während die Raucherquoten erheblich gesunken sind, haben die Musikveranstaltungsorte in Großbritannien tatsächlich einen Rückgang der Besucherzahlen verzeichnet , wobei mehr als ein Drittel der kleinen Veranstaltungsorte außerhalb Londons ums Überleben kämpfen. In Verbindung mit hohen Miet- und Geschäftsraten ist es kein Wunder, dass die Zahl der großen Franchise-Musiklokale im ganzen Land gestiegen ist und in den letzten zehn Jahren in den meisten Städten O2-Akademien aufgetaucht sind. Auf der anderen Seite haben berühmte Veranstaltungsorte wie das Londoner Astoria und das Manchesterer The Roadhouse in den letzten Jahren ihre Geschäfte geschlossen, da sie leider nicht in der Lage sind, über Wasser zu bleiben, und damit der britischen Kulturlandschaft eine enorme Beeinträchtigung zufügen.
Natürlich kann nicht nur das Rauchverbot für diesen Rückgang der Besucherzahlen und die Schließung von Veranstaltungsorten verantwortlich gemacht werden, wie Justin weiter sagt: „Ich denke, die meisten Gig-Going-Leute sind ärmer geworden, die Steuer auf Alkohol ist hoch und es gibt auch eine Berühmtheit. fokussierte Kultur, in der wir jetzt leben, wo aufstrebende Bands einfach kein Publikum bekommen können. Angesichts der weiter steigenden Inflation und der entmutigenden Aussicht auf eine weitere Rezession am Horizont aufgrund des Brexit ist es wahrscheinlich, dass die weitere Zunahme der Schließungen in ganz Großbritannien fast sicher ist.
Die Forderung nach Aufhebung des Rauchverbots gibt es kaum. 83% der Befragten geben an, https://www.e-rauchen-wahrheiten.de/geekvape-aegis-test/ dass sie die Rauchverbotsgesetzgebung im öffentlichen Raum nachdrücklich unterstützen . Darüber hinaus hat ASH (Aktion gegen Rauchen und Gesundheit) kürzlich Statistiken veröffentlicht, aus denen hervorgeht, dass es inzwischen halb so viele Vaper wie Raucher gibt , was ein großer Schritt in die richtige Richtung ist.
Es muss jedoch noch mehr getan werden, um E-Zigaretten-Benutzer unterzubringen, die keinen Veranstaltungsort verlassen möchten, um sich zu verbessern, geschweige denn gezwungen zu sein, sich die gleiche Umgebung wie Raucher zu teilen, um dies zu tun. Wenn dies erreicht werden kann, ist das landesweite rauchfreie Ziel für 2030 möglicherweise doch nicht so hoffnungsvoll.

Jack Garofalo ist ein freiberuflicher Schriftsteller, der Musik, Kunst und Kultur für eine Vielzahl von Filialen dokumentiert, darunter Red Bull, TRENCH, Dazed und The Source. Er spielt gerne Sport, kocht dunkles Essen und wirft Stöcke für seinen Hund Squash.

Musiker im Lockdown: Wie britische Bands für ihre Fans kreativ bleiben

Marcus Mumford sagt, er wolle während der Coronavirus-Sperrung in Großbritannien “so viel wie möglich schaffen” und hofft, dass andere Musiker dasselbe tun.

“Ich habe das Bedürfnis, mich ein bisschen mehr mit unserem Publikum zu beschäftigen als in der Vergangenheit”, sagt er gegenüber BBC Radio 1 Newsbeat.

“Wir können Menschen helfen, sich mit sich selbst und ihren Gemeinschaften auseinanderzusetzen.”

Da große Teile der Welt aufgrund der Pandemie begonnen haben, sich selbst zu isolieren, hat Marcus bereits zwei Singles veröffentlicht.

Das eine ist eine “Curveball” -Kollaboration mit Major Lazer, das andere ein Cover von “Du wirst niemals alleine gehen”, das Geld für die Grenfell Foundation und War Child UK sammelt.

Marcus sagt, dass beide Organisationen “Dinge tun, die sie normalerweise nicht tun müssen” in “außergewöhnlichen Zeiten”.Obwohl er vorsichtig ist, dass sich Charity-Singles “ziemlich selbstfördernd oder opportunistisch” fühlen können, hält er es für den richtigen Zeitpunkt, den Track zu veröffentlichen.

“Ich hatte dieses Cover in meiner Gesäßtasche für eine TV-Show, an der ich arbeite. Jetzt ist es an der Zeit, es herauszubringen, um die Leute wirklich zu begleiten”, sagt er.

Trotzdem gibt Marcus zu, dass es für ihn etwas schwieriger ist, an Kreativität zu kommen als normal.

Und er ist nicht der einzige britische Musiker, der versucht, die Isolation zu überwinden, um in schwierigen Zeiten Musik für Fans zu schaffen.

“Jetzt ist die Zeit, sich zu zeigen”
Matt Thomson von The Amazons sagt, er habe in den letzten zwei Wochen mehr neue Musik geschrieben als jemals zuvor und schlägt vor, dass es nie einen besseren Zeitpunkt gegeben habe, “sich auszudrücken und der Welt etwas hinzuzufügen”.

“Niemand weiß, was los ist. Die Leute suchen nach Führung und Flucht”, sagt er.

Das heißt aber nicht, dass er seinen fairen Anteil an Binge-Viewing nicht überstanden hat.

“Wir haben alle Tiger King fertiggestellt. Es gibt nur sieben Folgen”, sagt Matt.

Matt sagt, dass er jetzt Musik schreibt und sich nicht darum kümmert, eine neue Serie zum Anschauen zu finden.
Die Sängerin sagt, Musik könne helfen, den “Geist des Zweiten Weltkriegs” widerzuspiegeln, auf den sich die Königin in ihrer jüngsten Ansprache an die Nation bezog.

In der Rede wiederholte sie den Titel eines Kriegsliedes von Vera Lynn, als sie sagte: “Wir werden uns wiedersehen”.

“Was zeigt dir das darüber, wie wichtig Musik in Zeiten wie diesen ist?” fragt Matt.

“Es geht darum aufzutauchen. Ich möchte sehen, wie Künstler die Kamera einschalten und Musik spielen.

“Die Künstler, die in normalen Zeiten wirklich lautstark sind, sind jetzt an der Zeit aufzutauchen – wenn alles den Fan trifft.”
Vor der Sperrung gingen die Amazonen auf die “größte und längste Tour”, die sie jemals in Amerika gemacht haben.

“Wir fühlen uns sehr, sehr glücklich, das geschafft zu haben”, fügt Matt hinzu.

“Es hat uns alle individuell und als Gruppe für immer verändert. Es ist wirklich seltsam, von diesem zu einem Raum zu gelangen.”

Seine Gedanken sind jetzt bei der Tourcrew, die mit ihnen durch die USA gereist ist und nicht weiß, wann ihr nächster Job sein wird.

“Zumindest habe ich eine Steckdose. Ich kann Musik schreiben und aufnehmen, was sie nicht tun werden.”

“Wunderbar”, um Flucht zu bieten
Das war auch ein Anliegen für Juliette Jackson von The Big Moon, die anfing, Gitarrenunterricht über Zoom anzubieten, um Geld für ihr Team zu sammeln, während sie nicht touren können.

“Nun, das war die Idee”, erzählt sie Newsbeat.

“Aber mir wurde klar, dass es niemals ausreichen würde, eine vierköpfige Band und Crew zu unterstützen.”

Sie gibt weiterhin Unterricht – und andere Bandkollegen schreiben Noten für ihre Songs für Fans als Gegenleistung für Spenden – und der Erlös geht jetzt an eine Wohltätigkeitsorganisation der Food Bank.

Juliette wollte weiterhin “etwas Konstruktives” für die Isolierten tun und sagt, ihr Unterricht sei “vollkommen wunderbar” gewesen, um den Menschen ein Gefühl der Flucht zu vermitteln.

“Es war so schön, nur mit Leuten zu reden”, sagt sie.

“Wenn alle Dinge auseinanderfallen, fühlt es sich wirklich gut an, zu sagen: ‘Ja, eine menschliche Erfahrung, wir fühlen uns in dieser Hinsicht genauso.'”

Bildunterschrift
Die Band ist eine von vielen, die Shows während des Ausbruchs verschieben mussten
Juilette sagt, dass sie es genießt, als Musikerin Komfort bieten zu können – obwohl sie sich manchmal “massiv überfordert” fühlt.

“Das sind winzige Dinge, die ich mache, aber im Moment versuchen es alle.

“Die Leute fragen mich immer wieder, was mit der Band passieren wird. Aber wir werden in Ordnung sein. Wir sind vielleicht ein bisschen pleite, aber es wird wieder Auftritte geben, es wird wieder Festivals geben.”

“Viele Menschen haben nichts zu tun, viele Menschen haben ihre Arbeit verloren. Ich fand es richtig, etwas Nützliches zu tun.”

Sie waren Mitbewohner: Treffen Sie die Band, die Songs aus ihrer unter Quarantäne gestellten Wohnung schreibt

In Spanien werden die Bürger wie im Rest der Welt aufgefordert, drinnen zu bleiben. Es ist eine harte Zeit für Musiker weltweit, aber eine Gruppe von Mitbewohnern in Barcelona hat ihre Sperre in eine Jam-Session verwandelt.

Die Gruppe heißt Stay Homas und ihre Mitglieder sind Klaus Stroink, Guillem Boltó und Rai Benet, drei professionelle Musiker, die zusammen in einer Wohnung in Barcelona leben. Sie planen, jeden Tag, an dem sie sich selbst isolieren, ein neues Quarantänelied zu veröffentlichen – das sind fast drei Wochen.

Sie haben es genossen, mit verschiedenen Genres herumzuspielen, während sie sich auf ihre Wohnung beschränkten.

“Zuerst ist es eine Bossa Nova; dann ist es Reggae; dann ist es spanische Rumba; dann ist es irisches Volk”, sagt Stroink, “und Falle.”Stroink, Boltó und Benet komponieren ihre Songs am Morgen und nehmen sie dann am Abend auf ihrem Balkon auf. Gelegentlich machen Musikerfreunde außerhalb des Trios mit aufgezeichneten Videos mit. Seit sie neue Musik produzieren, hat der YouTube-Kanal von Stay Homas Zehntausende von Menschen erreicht.

Laut Boltó ist der Kommentarbereich weitgehend positiv, da “viele Nachrichten lauten:” Ich habe einen Freund oder Menschen, die krank sind, und Sie haben mich zum Lächeln gebracht. ” Einfach eine Nachricht, dass [wir] jemanden zum Lächeln bringen? Es ist verrückt. ”

Stroink, Boltó und Benet sagen, sie hätten nie erwartet, von anderen Menschen zu hören. Sie sind einfach froh, von Freunden umgeben zu sein, Musik zu machen, die sie lieben, und das einzigartige Songwriting zu genießen, das möglich ist, wenn Sie mit Ihren kreativen Partnern in einer Wohnung festsitzen.

“Ich mag den sechsten wirklich, der wie ein 60er Soul [Song] ist”, sagt Stroink. “Diese Lyrik kam mit der Melodie – das war Boltó, der allein mit seinen Gedanken unter der Dusche war, und dann kam er heraus und sang ‘Ich will meine Freunde sehen.’ “”

“Ich kam aus der Dusche und ging – mit noch feuchtem Handtuch – und [sagte] ‘Leute, Leute! Ich habe die Texte. Hör dir das an!’ “Boltó erklärt.

Da Spanien auf absehbare Zeit unter Quarantäne steht, wird der stetige Strom neuer täglicher Musik vom YouTube-Kanal von Stay Homas voraussichtlich fortgesetzt.

Gibt es einen Zusammenhang zwischen Musik und Finanzen?

Im Laufe der Jahre habe ich in meiner Rolle als Zulassungsbeauftragter, der mit vielen Tausenden von Lebensläufen gearbeitet und Tausende von Kandidaten für die Finance Master-Programme an der IE Business School interviewt hat, eine sehr interessante Tatsache bemerkt: Eine beträchtliche Anzahl von ihnen sind Musiker vor allem Pianisten. Dies hat meine Neugier sehr geweckt, daher habe ich während der Zulassungsinterviews (offensichtlich diejenigen, die offensichtlich Musikinstrumente spielen) viele Finanzkandidaten danach gefragt. Ich habe auch die Beziehung zwischen Musik und Finanzen untersucht und im Folgenden sind meine Ergebnisse aufgeführt.
An der IE Business School spielen 10-15% unserer Master-in-Finance-Studenten Klavier, und die Rate der Musiker ist viel höher, wenn wir alle Musikinstrumente einbeziehen.
Gibt es also eine Beziehung zwischen Musik und Finanzen? Warum gibt es eine beträchtliche Anzahl von Finanzfachleuten, die auch professionelle Musiker sind (ich spreche von denen, die auf professioneller Ebene auftreten, wie diejenigen, die am Nationalorchester oder an Wettbewerben auf Stadt- und nationaler Ebene teilnehmen). Nachdem ich diese Frage vielen Finanzkandidaten gestellt hatte, gelang es mir, die verschiedenen Meinungen zusammenzufassen und einige interessante Schlussfolgerungen zurückzuziehen, die ich am Ende dieses Artikels teilen werde.
Eric Kohlmann Kupper (26, Brasilien / Deutsch), 2014/2015 Master in Finance Alumnus, derzeit Gründungspartner und CEO bei Trinnacle Capital Management (New York) , sagt: “Ein Instrument gut zu spielen ist das Ergebnis oyla2 jahrelanger Praxis und Erfahrung Engagement. Es ist nichts, was einfach ist, sondern muss in sehr kleinen Schritten erworben werden, manchmal so inkrementell, dass es schwierig ist, echte Fortschritte zu erkennen, und viele geben auf dem Weg auf. Das Ergebnis davon in einer Aufführung zu sehen, ist zum Beispiel daher Zeuge eines Ausdrucks harter Arbeit und Geschmack. Eric fügte hinzu: “Als kleine Anekdote dazu war Einstein ein hervorragender Geiger. Seine Kronenleistung, die spezielle Relativitätstheorie, war eindeutig das Ergebnis harter Arbeit (seine Frau Elsa brachte ihm Essen in sein Arbeitszimmer, das er zeitweise tagelang nicht abgereist), aber er suchte auch eine elegante Theorie und dies dürfte ihn ebenso zu seinen bahnbrechenden Ergebnissen geführt haben wie die erste. Beide Eigenschaften machten ihn ebenfalls zu einem guten Musiker und einem guten Wissenschaftler und Das Gleiche gilt für viele Finanzfachleute. ”
Eric war ein echtes Beispiel für diese unermüdliche Anstrengung und das Streben nach Perfektion. Vor seinem Master in Finance an der IE Business School begann er seine akademische Laufbahn am Eton College in Großbritannien und studierte Physik an der ETH Zürich und der TU München (TUM München), wo er seine Bachelorarbeit über die elektrochemischen Eigenschaften von erfolgreich abschloss Titan-Oxycarbid-Nanoröhren im Jahr 2011. Eric half bei der Gründung des in São-Paulo ansässigen VC-Unternehmens Bolt Ventures, das als Inkubator für die Entwicklung und Finanzierung vielversprechender brasilianischer Startups fungierte. Er war stark in den Fundraising-Prozess und die Investor Relations involviert und war auch aktiv am Wachstumsmanagement von Startups aus São Paulo beteiligt.
Von Zürich aus investierte Eric unter der neu gegründeten und in Familienbesitz befindlichen Kohlmann & Co AG in erfolgreiche Startups, die Folgeinvestitionen von renommierten internationalen Investoren erhalten haben. Nach dem Master in Finance am IE gründete er zusammen mit einem IE-Klassenkameraden und einem anderen Freund einen in New York ansässigen Hedgefonds, der auf neuartigen Strategien basiert und während seiner Zeit am IE entwickelt wurde.
Dennis Lin (32, Taiwan / Kanada), Absolvent des IE Master in Advanced Finance 2014, Director of China Desk bei Santander UK Corporate & Commercial (London) , hat einen Bachelor in Musik in klassischer Klavierperformance von der University of British Columbia in Kanada. Dennis teilte seine Meinung über die Auswirkungen eines Pianisten auf sein Berufsleben als Banker:
„Musiker sind ergebnisorientiert. Im Gegensatz zu vielen Berufen, in denen geringfügige Anpassungen oder Korrekturen während oder nach der Lieferung des Produkts oder der Dienstleistung vorgenommen werden können,
Ein Pianist produziert ein Produkt – die Musik – und wird sofort konsumiert – vom Publikum gesehen und angehört. In geschäftlicher Hinsicht gibt es nur einen minimalen Spielraum für Fehler und Anpassungen.
Daher achten Musiker akribisch auf Details für ihr Handwerk, um die beste Leistung zu erzielen.
Dennis Lin spielt Un Sospiro von Franz Liszt
Musiker halten durch. https://oyla2.de/risikolebensversicherung/ Im Gegensatz zu den meisten Geschäftsberufen, in denen Fähigkeiten ausschließlich mit dem menschlichen Gehirn und mit minimalem Muskelreflex erlernt und reproduziert werden, ist Musik eine komplexe Kombination aus mechanischem Muskelgedächtnis und intellektueller Berechnung. Wie man sich vorstellen kann, hat die Neuroplastizität eine viel kürzere Lernkurve als das Muskelgedächtnis. Mit anderen Worten, unser Gehirn lernt schneller als unsere Muskeln. Daher kann das Spielen eines Instruments eine der schwierigsten Aktivitäten sein. Um ein Musikstück zu perfektionieren, kann es Monate, wenn nicht Jahre dauern. Musiker neigen dazu, Ausdauer, Geduld, Fleiß und eine starke Arbeitsmoral zu zeigen.
Dennis Lin spielt I’isle Joyeuse von Claude Debussy
Musiker sind Verkäufer. Musik ist ein Bereich, in dem die Eintrittsbarriere niedrig ist – so gut wie keine; Jeder kann Musik entweder mit einem Instrument oder mit seinen eigenen Stimmbändern produzieren. Musik ist auch ein extrem fragmentierter Markt, da der menschlichen Schöpfung keine Grenzen gesetzt sind. Diese beiden Aspekte der Musik machen sie aufgrund der schieren Anzahl von Wettbewerbern und undefinierten Regeln zu einem der wettbewerbsfähigsten Bereiche.
Um in der Musikwelt erfolgreich zu sein, braucht es mehr als Talent, Training, Können und Technik. Letztendlich braucht es die Fähigkeit, sich selbst und seine Musik zu verkaufen. Obwohl es schwierig ist, die Verkaufsqualität in finanzieller Hinsicht zu quantifizieren, liegt es im Charakter eines jeden erfolgreichen Musikers, sein Publikum – den Kunden – charismatisch zu erfassen. “ (Dennis Lin)
Nach fünf Jahren in der Geschäftswelt hat Dennis festgestellt, dass seine Karriereentwicklung aufgrund seiner ergebnisorientierten Natur, seines Rufs als fleißiger Geschäftsmann aufgrund seiner starken Arbeitsmoral und der wichtigsten Merkmale der Verkaufsführung beschleunigt wurde. Um ein Produkt und eine Dienstleistung überzeugend darstellen zu können, ist ein Geschäftsentwickler und Finanzier wie ein Konzertpianist, der mit Finesse und Selbstvertrauen ausführen und alle Aspekte mit Charisma und Showmanier orchestrieren muss.
Was steckt hinter dem Mythos? Im Folgenden sind einige Merkmale aufgeführt, die meiner Meinung nach sowohl Musiker als auch Banker / Finanziers gemeinsam haben.
– Geduld: Sehr lange Arbeitszeiten sind für Musiker und Banker keine Überraschung. Es ist üblich, dass Alumni, die bei Goldman Sachs oder JP Morgan arbeiten, 17 Stunden am Tag arbeiten.
– Konzentration: Ohne ein hohes Maß an Engagement und maximaler Konzentration wird niemals ein großartiges Ergebnis erzielt. Auf der Bühne gibt es keinen Platz, um auch nur die kleinsten Fehler während der Aufführung zu machen, und das Gleiche gilt für die Erfüllung von Aufgaben als Händler, Bankier oder Finanzier: Fehler mit Zahlen zu machen, ist keine Option.
– Algorithmischer Rhythmus: Viele Kandidaten haben mir erklärt, dass sie Noten und Zahlen auf die gleiche Weise lesen.
– Leidenschaft: Sehr lange Stunden zu sitzen und dasselbe zu üben, sei es für eine Klavieraufführung oder für die Arbeit an Zahlen, erfordert viel Leidenschaft für das, was Sie tun.
– Ehrgeiz, sich zu übertreffen und die Besten zu sein: Musiker oder Banker zu sein bedeutet, dass Sie sich bemühen, die Besten zu sein und das, was Sie tun, bis ins kleinste Detail zu beherrschen.
Aus technischer Sicht haben wir folgende Beobachtungen:
– Musiktheoretiker verwenden manchmal Mathematik, um Musik zu verstehen, da die Regelmäßigkeit in der Musik auch in der Mathematik zum Ausdruck kommt.
– Altgriechische Wissenschaftler untersuchten den Ausdruck musikalischer Skalen in numerischen Verhältnissen, insbesondere in Verhältnissen kleiner Ganzzahlen. Demnach werden Töne mit Frequenzen in rationalem Verhältnis als harmonisch für das Ohr wahrgenommen. Deshalb haben unsere Skalen 7 Noten (Rückgriff auf die 8., daher “Oktaven” genannt). Eine Note und ihre Oktave haben ein Frequenzverhältnis von 2: 1. Addiert man die 5 Halbtöne, so ergeben sich 12 Noten pro Oktave, was die Verhältnisse 3: 2 und 4: 3 nahezu erfüllt. Eigentlich kommt eine 19-Note näher. Einige moderne Autoren wie Mandelbaum verwenden es, aber die Griechen wussten es vorher nicht. Tatsächlich ist jede Zahl in der Fibonacci-Reihe eine gute Lösung … 2 5 7 12 19 31 … die Grenze hier ist die Finesse unseres Ohrs.Die Pythagoräer glaubten, dass es eine direkte Entsprechung zwischen Musik und Physik gibt, die gleichen Verhältnisse von 2: 1, 3: 4, 4: 3 ereigneten sich in den Umlaufbahnen der beobachtbaren Sterne. Als sie über den Ausdruck “Musik der Sterne” sprachen, dachten sie buchstäblich, die Planeten produzierten Musik, als sie sich durch den Himmel entwickelten. Mit genaueren Messungen im Jahr 1760 entdeckte Daniel Titius jedoch das sogenannte Bode-Gesetz: Planeten sind in Umlaufverhältnissen verteilt, die mathematisch mit den in der Musiktheorie üblichen Intervallen identisch sind. Sie sind in erster Linie Variationen dessen, was wir den 7. Akkord nennen: C, E, G, Bb. Daher mögen wir Musik, weil sie Mathematik ist: Sie enthält Muster, und Mustererkennung macht uns menschlich und schafft Ordnung in einem Meer des Chaos.
– Folglich zielt Musik auf einen bestimmten Bereich des Gehirns ab, um die Verwendung von räumlich-zeitlichem Denken anzuregen, was im mathematischen Denken nützlich ist. Kinder, die Klavierunterricht im Vorschulalter erhielten, erzielten bei Tests zur Messung der räumlich-zeitlichen Fähigkeiten eine um 34% höhere Leistung als andere Kinder im Vorschulalter.
– Musik hilft eindeutig dabei, eine Fähigkeit in Musik zu entwickeln, die die mathematischen Fähigkeiten verbessert und Kindern einen Vorteil in Naturwissenschaften, Ingenieurwissenschaften und anderen mathematikbezogenen Fächern verschafft.

Wie Wirtschaft, Finanzen und Industrie Musikmacher beeinflussen können

Wie Wirtschaft, Finanzen und Industrie Musikmacher beeinflussen können

Wie sich Wirtschaft, Finanzen und Industrie auf Musikhersteller und -nutzer auswirken können
Die Notwendigkeit für Verlage
Musikverlage übernehmen die Kontrolle über die Erteilung von Lizenzen für die Verwendung eines Songs, das Sammeln der Lizenzgebühren und die Buchhaltung.
Plattenfirmen, Verlage und Studios verdienen https://oyla12.de/ Geld, um in neue Technologien und aufstrebende Talente zu investieren. Dies ist für die Musikindustrie von wesentlicher Bedeutung, um die Qualität der Musik zu verbessern und sie zugänglicher zu machen.
Die Notwendigkeit für Plattenlabels
Freiheit, Unternehmenszensur und Unternehmensmacht.
Mode, Jugendkultur und Prominentenstatus
Sobald ein Künstler bei einem Plattenlabel unterschrieben ist, ist seine musikalische und soziale Freiheit begrenzt. Zum Beispiel Beyonce, deren öffentliches Image für ihre Popularität und Glaubwürdigkeit von entscheidender Bedeutung ist. Es ist daher erforderlich, dass das Plattenlabel das Verhalten, die Kleidung (usw.) von Beyonce überwacht, damit es den sozialen Standards entspricht.
Konjunkturschwankungen bedeuten, dass es für Plattenfirmen schwierig ist, langfristige Pläne zu schmieden, da Großbritannien instabil ist.
Zum Beispiel die 1972 von Lucian Grainge und Boyd Muir gegründete Universal Music Publishing Group. Dies ist ein weltweiter Verlag, der viele bekannte Künstler wie Mariah Carey, Kanye West und Adelle unter Vertrag genommen hat. Universal hat ihnen dabei geholfen, sicherzustellen, dass ihre Musik lizenziert ist, um das Kopieren zu vermeiden.
Prominente Werbung ist eine enorme Investition, mit der Unternehmen ein bestimmtes Publikum anziehen. Wenn das Unternehmen beispielsweise versucht, städtische Jugendliche anzusprechen, könnten sie jemanden wie Paigey Cakey dazu bringen, sie anzuziehen. Sie könnten auch mit Mode ein ähnliches Ergebnis erzielen, was möglich ist helfen Sie auch dabei, Ihre Identität auszudrücken – dies kann dazu beitragen, eine treue Fangemeinde aufzubauen.
Lizenzgebühren werden an den Songwriter und nicht an die Künstler oder Interpreten gezahlt. Verlage können durch die Lizenzierung der Songs und Texte Gewinne erzielen.
Ein Großteil der jüngeren Generation CFD nutzt täglich Technologie, daher ist Musik über das Internet mit Plattformen wie Soundcloud, Itunes und YouTube zugänglicher geworden.
Ein Plattenlabel ist bekannt für die Verwaltung von Marken, Produktion, Vertrieb, Marketing und Werbung. Dies könnte eine große Hilfe für Musiker sein, die nicht besonders stark in der Geschäftswelt der Musikindustrie sind. Plattenlabels drängen Musiker auch dazu, Gewinne zu erzielen, um Kunst zu einer Ware zu machen. Das Label macht auch Gewinne von den Musikern. Dies kann verwendet werden, um in neue Technologien zu investieren, um das Wachstum des Unternehmens zu unterstützen. Plattenlabels verdienen Geld durch Investitionen
Trends
Die Notwendigkeit für Studios
Musik als Ware
Ein Studio ist ein Ort zum Aufnehmen und Mischen von Musik. Dies ist wichtig für Künstler, die nicht über die erforderliche Ausrüstung verfügen oder nicht über die Fähigkeiten verfügen, ihre eigene Musik zu beherrschen. Die Studios sind normalerweise mit der besten Software und der neuesten Ausrüstung ausgestattet.
Damit Musikunternehmen Gewinne erzielen können, investieren sie Geld in Waren und erleichtern den Kauf und Verkauf von Musik (über CDs, digitale Downloads usw.). Diese Dinge werden hauptsächlich von Verlagen überwacht, um Gewinne und Verluste im Auge zu behalten.
Aufnahmestudios machen Gewinn, indem sie für stündliche Aufnahmesitzungen Gebühren erheben, Studios vermieten, für das Mischen, Mastern und Erstellen von Instrumenten Gebühren erheben.
Im Laufe der Jahre hat die Musik mehrere Trends ausgelöst. Das amerikanische Idol wurde 2002 von Simon Cowell ins Leben gerufen. Dies löste einen großen Trend aus, zu dem das nigerianische Idol X Factor und das Talent des Briten gehörten. Das Einkommen von Simon Cowell hat 95 Millionen USD pro Jahr deutlich überschritten. Weil Musikmacher und Interpreten einen solchen Einfluss haben, haben wir jetzt Prominente. Dies bedeutet, dass der Status und die Plattform von Prominenten dazu beitragen können, eine Marke oder Organisation voranzutreiben.

Wie Blockchain die Musikindustrie revolutionieren kann

Die Musikindustrie, die seit langem mit Piraterie und illegalem Download zu kämpfen hat, kann von der Anwendung der Blockchain-Technologie immens profitieren. Selbst die Herausforderung, der Künstler in Bezug auf unfaire Zahlungen und die Nichtkontrolle der Musikrechte gegenüberstehen, kann mit der Open-Ledger-Innovation angegangen werden.

Blockchain-Anwendungsfälle in der Musikindustrie

Wir erleben eine Reihe von bitcoin-news.one Anwendungsfällen von Blockchain in der Musikindustrie, und viele Unternehmen leisten hervorragende Arbeit bei der Integration von Blockchain-Anwendungen zum Nutzen von Künstlern und Erstellern von Inhalten. Wir erwähnen hier einige der prominenten Namen, die hervorragende Arbeit leisten, um die Vorteile der Blockchain für die Musikindustrie zu nutzen.

Mediachain ist eine bekannte dezentrale Datenbank, mit der Musikunternehmen, Künstler und Benutzer auf die Informationen zugreifen und diese austauschen können. Im Gegensatz zu dem zentralisierten System, in dem die Daten zentral von einer leistungsstarken Agentur gesteuert werden, bietet Mediachain die Möglichkeit, Künstler, Schöpfer und Organisationen im Musikbereich miteinander zu verbinden.

Ujo Music ist eine auf Ethereum basierende Musiksoftware, mit der die Künstler eine angemessene Vergütung für ihre Werke zum Erstellen, Veröffentlichen und Lizenzieren erhalten. Musicoin ist eine weitere Blockchain-basierte Musik-Streaming-Plattform, die ähnlich funktioniert und dem Künstler hilft, seinen rechtmäßigen Anteil an den Musikeinnahmen zu erzielen. BitSong verwendete die Ethereum-Blockchain und bietet eine Plattform, auf der Künstler und Hörer interagieren und die Musik verkaufen / kaufen können. Die mit der Plattform erzielten Werbeeinnahmen werden unter den Stakeholdern verteilt und das Geschäftsmodell wird sowohl bei Musikern als auch bei Zuhörern immer beliebter.

eMusic ist ein mutiger Versuch, Kunden vor den hässlichen Übergriffen zwischen Künstlern und Streaming-Unternehmen Bittrex zu bewahren. Die Plattform bietet offenen Zugang zu Musik und künstlerischen Kreationen, ohne den wichtigen Aspekt des geistigen Eigentums zu beeinträchtigen. Choon hingegen ist eine der größten Blockchain-Musik- Streaming-Plattformen. Das Unternehmen treibt die gleiche Sache voran und hat die Bedenken hinsichtlich Musikfälschungen und illegalem Herunterladen recht erfolgreich ausgeräumt.

Smackathon stört die Musikindustrie durch die Anwendung intelligenter Verträge für die Erstellung, Lizenzierung und Verbreitung von Musik. Ebenso können Sie die Musik auf der von Musiclife angebotenen Blockchain-Plattform handeln und teilen. Die Benutzeroberfläche ist zeitgemäß und einfach zu bedienen, was für Anfänger ein zusätzlicher Vorteil ist.

Wenn Sie ein Fan eines bestimmten Künstlers sind, finden Sie die INMUSIK-Plattform sehr interessant, da Sie mit dem Open-Ledger-Ökosystem in den Künstler Ihrer Wahl investieren und mit der Investition einen Gewinn erzielen können. In ähnlicher Weise kippt Audius das Kräfteverhältnis in der Musikindustrie und legt es in die Hände von Content-Erstellern.

Wie kann Blockchain der Musikindustrie helfen ?

Der Nutzen von Blockchain für die Musikindustrie ist immens. Der Vorteil liegt in der inhärenten Eigenschaft der Blockchain, dh den Zugriff auf die Informationen über die Knoten hinweg ohne zentrale Steuerung. Die Informationen, die in der Blockchain geteilt werden, sind unveränderlich und können ohne Zustimmung aller anderen teilnehmenden Knoten kaum geändert werden.

Im Fall der Musikindustrie kann sich dieses Merkmal als sehr nützlich erweisen, um die ursprüngliche Quelle eines Inhaltserstellers zu identifizieren. Man kann die Musik in der Blockchain veröffentlichen und einmal veröffentlicht; Der Inhalt erhält eine eindeutige ID und einen Zeitstempel. Dies wird dazu beitragen, das Problem des illegalen Herunterladens, der Änderung oder anderer Änderungen zu lösen, die ansonsten leicht am Inhalt vorgenommen werden können. Dies bedeutet auch, dass die richtige Person für den Inhalt belohnt wird.

Mit der Blockchain kann man auch Musik und Inhalte monetarisieren. Intelligente Verträge können zum Aufbau der Infrastruktur verwendet werden, und die Zahlung für das On-Demand-Streaming kann in Kryptowährungen problemlos realisiert werden. Es ist für den Benutzer sehr bequem, die Musik seiner Wahl auszuwählen und dementsprechend ohne Einmischung Dritter eine Zahlung an den Ersteller des Inhalts zu leisten.

Ein weiterer wesentlicher Vorteil der Anwendung von Blockchain in der Musikbranche ist die Bereitstellung einer Plattform, auf der Inhaltsersteller und -käufer ohne Vermittlung eines Musikunternehmens oder von Streaming-Diensten direkt miteinander interagieren können. Dies wird eine Win-Win-Situation für beide Stakeholder schaffen.

Fazit

Das Potenzial der Blockchain-Nutzung in der Musikindustrie ist enorm und einige der inhärenten Merkmale der Open-Ledger-Technologie sind für die Musikindustrie äußerst vorteilhaft. Blockchain wird Künstler aus den Klauen der großen Musikfirmen und Streaming-Dienste befreien, die den Erstellern und Nutzern von Inhalten seit langem im Alleingang die Bedingungen diktieren. Die Akzeptanz von Blockchain in der Musikindustrie nimmt exponentiell zu und es ist nur eine Frage der Zeit, bis die Akzeptanz von Open Ledger bei Künstlern und Content-Erstellern weiter zunimmt.

5 Dinge über das Penang Island Jazz Festival 2014

Vom 4. bis 7. Dezember 2014 verwandelt sich Batu Ferringhi mit dem Penang Island Jazz Festival in der Stadt in eine Jazz-Oase! Das mit Spannung erwartete Penang Island Jazz Festival zieht Künstler und Publikum aus aller Welt an. Lassen Sie sich von renommierten Musikern serenadieren oder entdecken Sie während dieser viertägigen Veranstaltung die erfrischenden Klänge aufstrebender Jazzstars!

1. Sie haben klein angefangen.
Das Penang Island Jazz Festival hat indische Wurzeln, die bis ins Jahr 2004 zurückreichen. Was als zweitägige Veranstaltung begann, die von The Capricorn Connection mit 12 Gruppen aus nur 6 Ländern organisiert wurde, ist inzwischen zu einem vollwertigen internationalen Festival mit 100 Talenten aus gewachsen über 25 länder! Dieses Musikfestival, das bereits zum 11. Mal stattfindet, zieht eine bunte Mischung aus Menschen aus ganz Asien an. Diese Veranstaltung verdient definitiv einen Platz auf Ihrer Must-Watch-Liste der Gigs für das Jahr!

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2. Die internationale Aufstellung wird Sie umhauen.
Erwarten Sie ein volles Programm an Aufführungen, die Ihren Aufenthalt in Penang noch lohnenswerter machen. Es erwartet Sie auf jeden Fall eine abwechslungsreiche Besetzung! Sway zur Musik der malaysischen Homeboys JazzHats & Ray mit Gitarrenguru Man Kidal; Crystal Bowersox und der Grammy-nominierte Seth Glier aus den USA; Jo Yeong Duk Trio aus Korea; preisgekrönte Laila Biali aus Kanada; Carmen Souza aus Kapverden, Westafrika; CNIRBS aus Deutschland, die niederländische Swing College Band und viele mehr!

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3. Es ist ein Rückschlag für American Idol Fans.
Das letztjährige Festival brachte Casey Abrams – Finalist und verrückter Publikumsliebling der zehnten Staffel von American Idol 2011 – auf die Bühne. In diesem Jahr können Sie sich mit einem weiteren Kraftpaket aus der Reality-Talentserie messen. Die Zweitplatzierte des Jahres 2010, Crystal Bowersox, wird das Haus mit einer erstaunlichen Stimmbandbreite und ihrer reichen Mischung aus Blues, Country, Folk und Rock erobern. Kommen Sie und sehen Sie, was dieser dynamische, junge Singer-Songwriter zu bieten hat!

4. Sie lernen mehr über Jazz von den Besten der Branche.
Es ist eine Sache, die Musik zu mögen, aber eine andere, den Jazz als Kunstform zu schätzen! Verpassen Sie nicht die unterstützenden Workshops, Ausstellungen und anderen Aktivitäten im Zusammenhang mit Musik, die während des Festivals stattfinden, wie Sunrise @ TSG, After Hours Jazz Jam, Creative Malaysia Fringe Stages und die „Island Music Forum Sessions“. Einige bemerkenswerte Redner für die diesjährigen „Island Forum Sessions“ sind Professor Tony Whyton (Direktor des Salford Music Research Research Centre an der Universität Salford, Großbritannien), Victor Kye (stellvertretender künstlerischer Leiter des Jarasum International Jazz Festival, des Gwangju World Music Festival und des Jarasum Rhythm & BBQ Festival) und Lars Mossefinn (Independent Consultant bei 4 & more und Jazzkritiker bei Dag & Lid). Sie werden vielleicht ein paar beeindruckende Fakten und Erkenntnisse mitnehmen, die sich bei diesen Dinnerpartys als nützlich erweisen.

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5. Batu Ferringhi ist ein wunderbarer Kurztrip.
Stellen Sie sich einen langen, gewundenen Abschnitt aus weichem, weißem Sand vor, der von zahlreichen Unterkünften und Restaurants gesäumt ist. Dies ist Batu Feringghi – Penangs zweitbeliebtestes Reiseziel nach Georgetown. Egal, ob Sie Wassersportarten wie Parasailing oder Windsurfen betreiben oder einfach nur die lokale Kultur genießen möchten, Batu Feringghi ist ein ruhiges und freundliches Reiseziel. Penangs Ruf als malaysisches Lebensmittelparadies gilt mit Sicherheit auch für Batu Ferringhi, wo es überall eine Reihe von Gerichten gibt, von Food-Courts bis hin zu funky Pubs. Die Bars entlang dieser Strecke eignen sich perfekt für Live-Musik oder zum Entspannen bei Getränken und Snacks. Verpassen Sie auch nicht die Gelegenheit, andere Attraktionen wie den geschäftigen Nachtmarkt, die Batikfabrik, den Schmetterlingspark und vieles mehr zu besuchen!

Erfahren Sie mehr über Batu Ferringhi von seiner offiziellen Tourismus-Website .

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In den Bayview Beach Resort Gardens findet vom 4. bis 7. Dezember 2014 die musikalische Extravaganz statt. Bestellen Sie hier Ihre Tickets .

Wo: Die Bayview Beach Resort Gärten, Batu Ferringhi, Penang
Wann: 4. bis 7. Dezember 2014
Tickets: RM 80 (inklusive RM 3 Ticketgebühr)

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Das deutsche Jazz-Trio wird Nairobians begeistern

Ein internationales Jazz-Flair kommt an diesem Wochenende nach Nairobi mit einem Auftritt von CNIRBS, einem Ensemble aus der Stadt Hamburg in Deutschland.

Das Trio aus Keyboarder und Komponist Matthäus Winnitzki, Schlagzeuger Konrad Ullrich und Trompeter Stephan Meinberg gibt morgen ein einmaliges Konzert im Goethe-Institut in Nairobi.

Die Gruppe war auf einer vierwöchigen Tournee durch afrikanische Städte und hat bereits in Mosambik, Madagaskar, Südafrika, Ruanda und Uganda gespielt.

Nairobi ist der vorletzte Stopp auf einer Tour, die nächste Woche in Äthiopien enden wird.

In Deutschland gibt es eine Jazzbewegung, die mit einer Reihe von Stilen, Traditionen und Techniken, kombiniert mit Pop, Volksmusik, Weltmusik, Rock und Hip-Hop, zu den lebhaftesten in Europa zählt.
Eine Reihe von Jazzfestivals in verschiedenen Städten sorgen für den Austausch zwischen deutschen Jazzkünstlern und internationalen Acts.

Nicht weniger als 18 Musikhochschulen und Konservatorien bieten deutschlandweit Jazzkurse an, an denen junge Musiker ihre Fähigkeiten auf der großen Bühne unter Beweis stellen möchten.

Während jede Stadt ihren eigenen Stil hervorbringt, hat sich Berlin in den letzten Jahren zu einer wichtigen internationalen Basis für Jazz entwickelt, während der Hamburger Handelshafen als Zentrum des modernen Mainstream-Stils gilt.

CNIRBS ist ein Produkt der Hamburger Jazz-Explosion, aber der experimentelle Stil der Band passt nicht in eine Zwangsjacke.

Stil, der Grenzen überschreitet

Das Trio hat einen Stil entwickelt, der die Grenzen des Jazz überschreitet, indem es sich in alternativen Rock und Elemente afrikanischer und karibischer Rhythmen wagt.

Ihr Sound lebt von wilder Improvisation und komplizierten globalen Rhythmen, die auf Keyboard, Blas- und Schlaginstrumenten sowie einer Vielzahl von Blinklichtern und Fußpedalen basieren. Kein Wunder also, dass diese Künstler alle gut in Jazz und klassischer Musik ausgebildet sind.

Der Komponist der Band, Matthäus Winnitzki, wurde 1977 in Polen geboren, zog aber mit seinen Eltern nach Deutschland, wo er das Klavierspielen lernte.

Er studierte Klassik und Jazzpiano an der Hamburger Hochschule für Musik und Theater und gründete 2002 die Gruppe Laugut 76. Neben seiner Rolle in CNIRBS spielt Winnitzki noch immer als Sideman in anderen Bands wie Septeto Miramar und Sonora 51.

Er versteht sich nicht nur als Jazzmusiker, sondern vielmehr als „Weltmusiker mit einer starken Vorliebe für afro-kubanische Musik.

Ullrich hingegen entdeckte bereits im Alter von 10 Jahren seine Leidenschaft für Schlagzeug und begann dann mit dem Unterricht in der Big Band der Musikschule.

Nach dem Abitur schrieb er sich am Konservatorium in Hamburg ein und spielte nebenbei für das Deutsche Jugendorchester. 2006 erhielt er ein Stipendium, um an einer der angesehensten Jazz-Musikinstitutionen in New York zu studieren.

Heute ist Ullrich ein gefragter Musiker in den Jazzkreisen der beiden deutschen Großstädte Berlin und Hamburg. Das dritte Mitglied der Gruppe Stephen Meinberg spielt Euphonium, ein Blasinstrument mit einer tieferen Stimmlage als die Trompete, das häufig in Blasorchestern und Orchestern verwendet wird.

Meinberg studierte zunächst europäische klassische Musik, dann Jazz in Köln, und genau wie Ullrich erhielt auch er ein Stipendium für ein Musikstudium in New York.

Bei seiner Rückkehr nach Deutschland spielte er mit vielen Bands, darunter der Big Band des Norddeutschen Rundfunks.

Meinberg hat mit seinem Vitamin E-Quintett und anderen deutschen Jazz-Acts wie Arnie Bolden, Mould und Heelium gespielt und aufgenommen. Während der aktuellen Tour spielen die CNIRBS Songs aus ihrem Album „Hey Kollege“, das im Oktober 2012 in Prag aufgenommen und auf Brennt Records, einem unabhängigen Label, veröffentlicht wurde, das von Bandmitglied Winnitzki ins Leben gerufen wurde.

Das herausragende Werk des Pianisten ist im Song „Segou“ zu hören, während die Trompete im funkigen „Palinka Polkapops“ zum Leben erweckt wird.

Holen Sie sich einen Vorgeschmack auf Musik

Es gibt weitere aufregende Stücke in der Sammlung, darunter “Don Calypso”, “Disco Girl” und der Titelsong des Albums “Hey Kollege”.

Wenn Sie einen Vorgeschmack auf die Musik erhalten möchten, bevor sie morgen aufgeführt wird, können Sie alle 12 Songs des Albums auf der Website der Band probieren, die Sie finden, indem Sie den Namen CNIRBS in eine Suchmaschine eingeben.

CNIRBS haben mit ihrem Keyboard, ihren Blechbläsern und Schlaginstrumenten, einer Vielzahl von Drähten und blinkenden Lichtern viele Fans gewonnen, die bei Jazzfestivals und -clubs in Europa spielen. Sie hoffen, auf dieser Jungfernreise durch Afrika neue Einflüsse und Anhänger zu gewinnen.

Ihr Konzert unter dem Motto „Playing outside the Box“ beginnt morgen, 18. Oktober, um 19.00 Uhr im Auditorium des Goethe-Instituts in Nairobi. Der Eintritt zur Aufführung ist frei.

Die Deutschen treffen auf Sebunjo, Okello

Das deutsche experimentelle Jazz-Trio Cnirbs machte letzten Mittwoch im Rahmen seiner Afrika-Tournee südlich der Sahara mit freundlicher Genehmigung des Goethe-Instituts einen Zwischenstopp in Kampala.

Die Band ist auf einer Tournee durch sieben Länder: Mosambik, Madagaskar, Südafrika, Ruanda, Uganda, Kenia und Äthiopien. Laut Matthäus Winnitzki, dem Komponisten und Keyboarder der Band, ist Musik eine universelle Sprache und die Band teilt ihre Erfahrungen gerne mit anderen Musikern weltweit.

“Wir wollen zur musikalischen Unterhaltung der Menschheit beitragen”, erklärte er, warum sie sich entschieden, mit dem Schlagzeuger Lawrence Okello und dem Kora-Spieler Joel Sebunjo zusammenzuarbeiten, um ein paar Songs für die Aufführung zu komponieren.

Das war der Höhepunkt der Show. Okello brachte neben Sebunjos Kora seinen vielseitigen Instrumentalismus auf die Adungu, Flöte und Westafrikas Djembe. Zusammen mit dem experimentellen Jazz von Cnirbs entstand so ein noch nie da gewesener organischer und authentischer Sound.

Okello (C) spielt die Flöte, während Sebunjo (R) zum Mikrofon geht

Okellos Flöte und Stephan Meinburgs Töne aus der Trompete vervollständigten das Lied Disco Girl, eine altägyptische Melodie, ergänzt durch den Echo-Effekt in Sebunjos Gesang, bevor es mit rockiger / elektronischer Energie seinen Höhepunkt erreichte. Okello sprach auch Kyandi aus, ein Lied, das in seiner Muttersprache Dhopadhola geschrieben wurde. Es ermutigt Junggesellen, hart zu arbeiten, um zu heiraten, anstatt zusammen zu leben.

Die Verschmelzung ihres experimentellen Jazz mit afrikanischen Instrumenten gab den Leuten, die die Show besuchten, etwas völlig anderes, als sie am Ende jedes Songs zufrieden klatschten. Zuvor hatte die Band die Show mit einigen Songs wie Segou und Murray Bozinsky begonnen, die von den TV-Serien Pioselinka Dla, Multiple Pain und Palinka Polkapop inspiriert sind, die von ihrem ersten und bislang einzigen Album stammen.

Die Tour war gut besucht

Die Band liebt es, die Grenzen des Jazz mit ihren wilden Rhythmen zu überschreiten und dabei alternative Rockmusik und elektronische Elemente sowie Einflüsse der afrikanischen und karibischen Musik zu kombinieren.

Was ist Binance Coin (BNB)?

Binance, Binance Coin (BNB), wurde zunächst als Token auf der Ethereum-Blockkette eingeführt, anschließend aber auf die proprietäre Blockkette Binance Chain1 migriert.

Binance Chain wurde mit der Absicht gegründet, einen nativen Krypto-Asset namens BNB zu betreiben, der eine alternative Möglichkeit bietet, Gebühren zu bezahlen, die Händlern über die Börse berechnet werden. Binance hat seitdem eine dezentrale Börse (DEX) auf Basis der Binance Chain2 entwickelt.

Heute kann BNB verwendet werden, um Binance’s 0,1 Prozent pro Handelsgebühr zusätzlich zu seiner Auszahlungsgebühr zu zahlen, die erhoben wird, wenn Benutzer ihre Kryptowährungen von der Börse in eine private Brieftasche verschieben. BNB kann auch gegen andere Kryptowährungen eingetauscht werden.

Beim Handel mit BNB3 erhalten die Nutzer einen Rabatt auf jede Handelsgebühr nach folgendem Schema: Sie erhalten 50 Prozent Rabatt für das erste Jahr, 25 Prozent Rabatt für das zweite Jahr, 12,5 Prozent Rabatt für das dritte Jahr, 6,75 Prozent Rabatt für das vierte Jahr und keinen Rabatt für die Folgejahre.

Da der Diskontsatz im Laufe der Zeit sinkt, wird auch der Wert der BNB voraussichtlich sinken. Um dieser Abschreibung entgegenzuwirken, nutzt Binance einen Prozess namens “The Burn”. Laut ihrem Whitepaper wird Binance jedes Quartal BNB-Token basierend auf dem Handelsvolumen ihrer Krypto-to-Crypto-Plattform vernichten, bis 50% des gesamten Angebots an BNB-Token vernichtet sind – 100 Millionen BNB-Token.

Das Endziel von “The Burn” ist es, den Preis der BNB im Laufe der Zeit zu stabilisieren.

Wie funktioniert Binance Coin?

Vision

Binance Coin (BNB) ist ein ethereumbasierter (ERC-20) Token, der für den Handel mit Kryptowährungen und die Zahlung von Gebühren innerhalb der Binance-Börse verwendet werden kann. BNB-Token können zur Zahlung von Gebühren an der Börse verwendet werden, mit dem Anreiz, dass Binance einen Rabatt als Anreiz für bis zu fünf Jahre Mitgliedschaft anbietet5.

Binance unterscheidet sich von anderen Krypto-Börsen dadurch, dass es rein in Krypto-Währungen handelt (im Gegensatz zu Börsen, die in Fiat-Währungen handeln)6. Zhaos Vision für Binance Erfahrungen war es, mit den anderen Börsen zu konkurrieren, indem er Lösungen für die zahlreichen Probleme bot, die er mit der Kryptowährungshandelsinfrastruktur sah.

Markteinführung & Ausgabe

Binance hat sein erstes Münzangebot (ICO) von 100 Millionen BNB am 21. Juli 2017 abgeschlossen.

Alle BNB-Token wurden vor dem ICO erstellt und innerhalb von 20 Tagen verkauft, was etwa 15 Millionen Dollar einbrachte.

Die eingeworbenen Mittel wurden auf drei verschiedene Arten verwendet: 35 Prozent der Mittel wurden für den Aufbau der Binance-Plattform und die Durchführung von System-Upgrades verwendet, 50 Prozent wurden für das Branding und Marketing von Binance verwendet und 15 Prozent wurden als Notfallfonds reserviert5.

Netzwerkdesign & Sicherheitsmodell

BNB begann als ein ethereumbasiertes (ERC20) Token, das sich schließlich in Richtung seiner eigenen, benutzerdefinierten Blockchain, der Binance Chain7, entwickelte. Im Gegensatz zu Ethereum unterstützt Binance Chain jedoch keine Smart Contracts8.

Binance Chain nutzt den Tendermint byzantinisch fehlertoleranten (BFT) Konsensmechanismus. Das System umfasst mehrere verschiedene Arten von Knoten: Validierungsknoten, ausgewählte Community-Mitglieder, die für die Validierung von Transaktionen stimmen; Zeugenknoten, die den Konsensprozess verfolgen und Transaktionen an andere Knoten übertragen; und Beschleunigerknoten, die sich im Besitz von Unternehmen befinden und den Transaktionsvalidierungsprozess beschleunigen9.

Sobald die Blöcke produziert sind, werden die eingenommenen Gebühren auf alle Prüfer verteilt10.

Geldpolitik/ Token-Politik

Binance hat das BNB-Angebot auf 200 Millionen Token begrenzt. 100 Millionen Token wurden während des ICO an die Öffentlichkeit freigegeben, während 80 Millionen für das Gründungsteam und 20 Millionen für die Angel-Investoren5 bereitgestellt wurden.

Um die Wertminderung zu bekämpfen, die mit dem jährlich sinkenden Rabatt einhergeht, plant Binance, die Hälfte seines gesamten Tokenangebots (100 Millionen Token) im Laufe der Zeit zu verbrennen. Das Endziel von “The Burn” ist es, den Preis der BNB im Zeitablauf zu stabilisieren11.

Transaktionsverarbeitung

Validierungsknoten stimmen für die Verarbeitung von Transaktionen im Netzwerk als Teil des byzantinisch fehlertoleranten (BFT) Konsensmechanismus von Binance Chain Tendermint.

Benutzer können die Transaktionsverarbeitung beschleunigen, indem sie einen Accelerator Node wählen, der ein Knoten ist, der mit Validierungsknoten zusammenarbeitet und sich im Besitz eines Unternehmens befindet.

Leitfaden für verschiedene Arten von Bändern und erforderlichen Instrumenten

Es gibt vier Haupttypen von Bands in Schulen: Orchester, Symphonieorchester oder Konzertorchester, Jazz und Marschmusik. Orchestra ist eine große Gruppe von Musikern, die zusammen auf verschiedenen Instrumenten spielen, darunter Streicher, Holzbläser, Blechbläser und Schlagzeug. Symphonic Band ist eine Gruppe von Musikern, die Blech-, Holz- und Schlaginstrumente spielen. Marching Band ist eine Band, die marschiert und Musik spielt, die normalerweise bei Sportveranstaltungen oder Gemeinschaftsaktivitäten auftritt. Jazzband ist ein musikalisches Ensemble, das Jazzmusik spielt.
Orchester

Viele Schulen bieten Unterrichtsstunden für Orchester an. Es kann sich um eine tatsächliche Klasse oder in einigen Fällen um eine außerschulische Aktivität handeln. Das Repertoire für Orchester ist in der Regel klassische Musik mit einigen Pop-Arrangements. Die Aufführung findet auf der Bühne statt. Ein Orchester besteht aus vier Abschnitten von Musikinstrumenten mit einer Reihe von Instrumenten: Streicher, Holzbläser, Blechbläser und Schlagzeug.

Streicher-Bereich …
Cello

Kontrabass

Gitarre

Viola

Violine

Holzblasabteilung …
Fagott

Klarinette

Flöte

Oboe

Recorder

Saxophon

Blechbläserabteilung …
Kornett

Waldhorn

Posaune

Trompete

Tuba

Percussion- Bereich …
Becken

Schlagzeug

Klavier

Tambourin

Dreieck

Blasorchester
Blasorchester ist die typische Schulband. Es kann auch als Blasorchester, Symphonieorchester, Symphonieorchester, Blasorchester oder Bläserensemble bezeichnet werden . Die Gruppe ist normalerweise ziemlich groß und sie treten sitzend auf der Bühne auf. Das Repertoire ist in der Regel klassische Musik mit einigen populären Musik oder Märsche enthalten. Eine Blasorchester besteht aus drei Abschnitten von Musikinstrumenten mit einer Reihe von Instrumenten: Holzbläser, Blechbläser, Schlagzeug.
Holzblasabteilung …
Flöte
Klarinette
Fagotte
Oboen
Blechbläserabteilung …
Kornett

Waldhorn

Posaune

Trompete

Tuba

Baritonhörner

Euphonien

Percussion-Bereich …
Crash-Becken

Schlagzeug

Kleine Trommel

Tambourin

Tympani

Pitched Percussion

Unpitched Percussion

Es gibt Instrumente, die nicht in jedem Stück eine Stimme haben, so dass sie normalerweise von Schülern gespielt werden, die normalerweise ein anderes verwandtes Instrument spielen. Dazu gehören ungewöhnliche Klarinetten, Englischhorn, Kontrafagott, Sopransaxophon oder Piccolo. Nicht-Band-Instrumente, wie Klavier oder Streicher, werden ebenfalls selten in Bands verwendet, werden jedoch häufig von einem Bandmitglied abgedeckt, das bei Bedarf von seinem normalen Instrument wechselt.

Spielmannszug

Blaskapellen treten in der Pause bei Fußballspielen, Paraden, Gemeinschaftsaktivitäten oder anderen Schulveranstaltungen und Sportveranstaltungen auf. Das Repertoire besteht aus Märschen, Schulfreuden und Liedern, Nationalhymnen und populären Werken.
Die Saison für die Marching Band ist Spätsommer bis Frühwinter mit einem Sommer-Übungsplan. Es ist eine große Verpflichtung, Teil der Blaskapellen zu sein, da Sie verpflichtet sind, an allen Fußballspielen sowie an vielen Wettbewerben teilzunehmen. In einigen Fällen kann für Bandschüler eine Blaskapelle erforderlich sein, und in anderen Schulen handelt es sich um ein außerschulisches Programm.
Viele Instrumente in der Blaskapelle sind die gleichen wie für die Blasorchester. Dazu gehören folgende Instrumente: Flöte, Klarinette, Saxophon, Posaune, Trompete oder Kornett, Bariton oder Euphonium. Percussions spielen in der Blaskapelle eine zusätzliche Rolle. Die Percussion-Instrumente umfassen: Snare-Drums, Bass-Drums, Tom-Toms, Becken oder in einigen Fällen ein weniger mobiles Instrument in einer stationären “Pit” -Trommel-Sektion. Sie können feststellen, dass Ihr Kind, wenn es ein Schlagzeuger ist, aufgrund zusätzlicher Aufführungspflichten zusätzliche Übungszeit hat. Darüber hinaus spielen einige Instrumentalisten möglicherweise Versionen ihres Instruments, wenn es zu schwierig ist, mit ihnen zu marschieren.
Jazz-Band
Die Jazzband ist in einigen Schulen eine Klasse oder kann eine außerschulische Aktivität sein. In der Schule meines Sohnes ist die Sinfonie-Band drei Tage die Woche und die Jazz-Band die anderen zwei Tage pro Woche während derselben Unterrichtsstunde. Die Größe einer Jazzband kann von einer kleinen “Combo” bis zu einer großen “Big Band” variieren. Das Repertoire dieser Band besteht hauptsächlich aus Jazzmusik.

Jazzbands umfassen die folgenden Instrumente: Trompete, Saxophon, Posaune, Klavier, Schlagzeug, Bass und Gitarre. Die Schüler decken oft ein anderes Instrument wie Klarinette, Flöte oder Tuba ab, das dem bei Bedarf ähnlichen Instrument entspricht. Zum Beispiel kann der Saxophonist die Klarinette spielen . Die Teilnahme an einer Jazzband setzt ein gewisses Wochenendengagement für Jazzfestivals voraus.

VISA vs MasterCard Kreditkarten – Was ist besser?

Quelle: https://www.atkearney361grad.de/kreditkarten/visa-oder-mastercard/
Wenn Sie nach einer neuen Kreditkarte für Ihre Brieftasche suchen, haben Sie sich wahrscheinlich mindestens einmal gefragt, ob VISA oder MasterCard für Sie besser geeignet sind. Kommt einer mit einer besseren Reihe von Vorteilen und Privilegien als der andere? Um Ihnen bei der Beantwortung dieser Frage zu helfen, haben wir eine eingehende Analyse der beiden Zahlungsgiganten durchgeführt, um zu sehen, wie sie sich vergleichen. Während die meisten Funktionen ähnlich sind, haben MasterCard World und World Elite etwas bessere Vergünstigungen für High-Spender im Vergleich zu Visa Signature und Infinite.

Was sind Zahlungsnetzwerke?

Erstens ist es wichtig zu verstehen, dass weder VISA noch MasterCard von Ihnen verwendete Kreditkarten ausstellen. Sie sind lediglich das Backend-Technologie-System, das dafür sorgt, dass Geld korrekt und sicher ausgetauscht wird. VISA und MasterCard arbeiten mit Banken zusammen, die Kunden abholen und die Karten für sie verteilen. Dies bedeutet, dass viele der Belohnungen, die Sie auf Kreditkartenanzeigen sehen, manchmal von der ausstellenden Bank und manchmal von diesen Zahlungsnetzwerken angeboten werden.
In Bezug auf das, was Visa und MasterCard den Verbrauchern bieten, gibt es zwischen den beiden Unternehmen eigentlich keinen großen Unterschied. Sie sind gleichermaßen gut darin, Ihre Informationen zu schützen und Ihre Zahlungen schnell und sicher abzuwickeln. Der Unterschied besteht also tatsächlich darin, welche Belohnungen sie den Karteninhabern bieten, die wir unten diskutieren.

Vergleich der Vorteile: VISA vs MasterCard

Bei Einstiegskreditkarten gibt es kaum einen Unterschied zwischen VISA und MasterCard. Beide bieten ähnliche Grundfunktionen. Es gibt jedoch bedeutende Unterschiede zwischen den Sonderangeboten von VISA und MasterCard für ihre Treueprogramme. Diese Programme bieten einige Luxusvorteile, die große Ausgaben belohnen sollen. Die wichtigsten Vorteile der einzelnen Kartennetze haben wir in der folgenden Tabelle zusammengefasst. Anschließend werden im folgenden Abschnitt die Vor- und Nachteile der einzelnen Emittenten besprochen, in denen wir ihre Funktionen vertiefen.

Vorteile von VISA by Tiers

VISA-Kreditkarten gibt es in drei Varianten: Standard (einschließlich Classic, Gold und Platin), Signature und Infinite. Die Standardstufe bietet eine Reihe grundlegender Funktionen wie Sicherheit, Concierge und ATM-Zugang. VISA verleiht seinen oberen Ebenen mehr Würze wie Signature, das mit verschiedenen Rabattangeboten und VIP-Vergünstigungen in Hotels, Restaurants und Geschäften aufwartet. Infinite ist die beste Stufe von VISA und bietet einige erstaunliche Vergünstigungen wie den Hilston HHonors Gold Status und Rabatte auf Privatjets. VISA-Infinite-Karten sind eindeutig für High-Spender gedacht, die Wert auf Luxus legen und sich diesen leisten können. Weitere Informationen zu Signature und Infinite finden Sie auf der VISA-Website.

Vorteile von MasterCard by Tiers

MasterCard wird auch mit 3 Stufen geliefert: Standard, World und World Elite. Die Standardstufe von MasterCard ähnelt mehr oder weniger der von Visa und bietet grundlegende Funktionen wie Sicherheit, Concierge und Zugang zu Geldautomaten. In Bezug auf VIP-Vergünstigungen für höhere Stufen bietet MasterCard jedoch definitiv bessere Angebote. Die Vergünstigungen von MasterCard World und World Elite sind im Vergleich zu Visa günstig, da sie einen SPG Gold-Zugang (der in Bezug auf Anzahl und Qualität der Hotels besser ist als das Hilton-Programm), einen Schutz für Brieftaschen von bis zu 100 US-Dollar bieten, falls Sie jemals Ihre Brieftasche verlieren, und einen weiteren Online-Schutz Abschluss einer Versicherung von bis zu 200 US-Dollar, wenn Ihr Online-Einkauf verloren geht oder beschädigt wird. Nicht nur das, MasterCard World Elite Darüber hinaus profitieren Sie vom kostenfreien Zutritt zur Lounge an über 600 Flughäfen in der Welt sowie von Ermäßigungen für einige besonders luxuriöse Services wie Privatjets.
Fazit
Für die meisten Menschen spielt es keine Rolle, ob sie eine VISA-Karte oder eine MasterCard-Kreditkarte erhalten. Beide sind gleichermaßen sicher und bieten ähnliche Vorteile. Während VISA einen etwas höheren Marktanteil und weltweit mehr Transaktionen hat, werden sowohl VISA als auch MasterCard von Händlern gleichermaßen gut angenommen. Obwohl die oberen Stufen von MasterCard eine Reihe von Vorteilen bieten, bieten die ausstellenden Banken so viel mehr Vergünstigungen, dass Sie wirklich jede Karte einzeln prüfen müssen, bevor Sie eine neue Karte beantragen. Beispielsweise gewähren Banken häufig Vergünstigungen wie jährliche Gebührenbefreiungen, Cashback-Aktionen und Anmeldebonusse , Bargeldrabatte , Flugmeilen und sogar Reiseversicherungen. Letztendlich sollte jede echte Wahl zwischen den beiden Netzen immer darauf ankommen, wie die tatsächlichen Konditionen, Vorteile und Gebühren einer Karte zu Ihrem Budget passen. Lesen Sie unseren Leitfaden zu den besten Kreditkarten in Singapur , um die perfekte Lösung für Sie zu finden.

Die Wissenschaft vom Dampf: Ein Blick auf die Funktionsweise von Dampfbacköfen

Die Kraft des Dampfes wurde genutzt, um alles zu tun, von Lokomotiven bis hin zum Garen von Gemüse. Und während Dampf sicherlich eine vielseitige Form der Wärme ist, reicht er möglicherweise nicht aus, um alles zu erreichen, was Sie in Ihrer Küche tun müssen. Ein Dampfgarer ist zwar nach wie vor eine der gesündesten Möglichkeiten, eine Mahlzeit zuzubereiten, die Methode ist jedoch aufgrund ihres Temperaturbereichs eingeschränkt und kann Fleisch nicht anbräunen. Ein Konvektionsdampfofen hingegen bietet die gleichen gesundheitlichen Vorteile wie ein Dampfofen, bringt jedoch ein wenig zusätzliche Wärme in Ihre Küche. So funktioniert das.

Wie es funktioniert
Ein Konvektionsdampfofen kombiniert die einzigartigen Fähigkeiten eines Dampfofens: https://kathys-kuechenkampf.de/kuechenausstattung/dampfbackofen-test/ mit der Kochleistung eines Konvektionsofens. Diese Modi können einzeln oder zusammen verwendet werden.
In einem Dampfgarer befindet sich ein Vorratsbehälter, der gefüllt werden muss, bevor Sie mit dem Garen beginnen. Bei einigen Öfen muss dieser Vorratsbehälter manuell befüllt werden, während andere an die Rohrleitungen Ihres Hauses angeschlossen werden können, damit Sie immer Wasser zum Dämpfen bereit haben.
“Dampfgarer sind beliebt bei Köchen, die ein besonderes Interesse an der Zubereitung gesunder Mahlzeiten haben”, so Atherton Appliances . „Hitze aus dem Ofen verwandelt das Wasser in Dampf. In Dampf gekochte Speisen halten die Feuchtigkeit besser als in einem Heißluftofen gekochte Speisen. Gedämpfte Lebensmittel behalten in der Regel mehr Vitamine und Mineralien als gekochte Lebensmittel. “
Ein Konvektionsofen verwendet Ventilatoren, um die Wärme im Inneren des Ofens anzutreiben. So ist sichergestellt, dass Ihre Mahlzeit schnell und gleichmäßig zubereitet wird.
“Für einen echten Konvektionsmodus wird ein Heizstab verwendet, der um einen Ventilator gewickelt ist … und natürlich um den Ventilator selbst”, sagte Küchenchef Nicole Parmenter von Yale Appliance and Lighting gegenüber Digital Trends. „Das Heizelement heizt sich auf und der Ventilator drückt die heiße Luft um den Garraum, um Hot Spots zu vermeiden. Der Grund, warum die Konvektion effektiver ist, liegt darin, dass sich die erzwungene heiße Luft intensiver anfühlt. Bei höheren Temperaturen erhalten Sie in kürzerer Zeit einen besseren Anbrenner. Der Lüfter sorgt dafür, dass überschüssige Feuchtigkeit verdunstet. “
Ein Konvektionsdampfofen verwendet beide Methoden. Dampf gibt Ihnen eine gesunde Kochoption, während der Konvektionsmodus Ihnen erlaubt, höhere Temperaturen und braunes Fleisch zu treffen. Einige Öfen, wie der Wolf- Heißluftdampfofen, verwenden digitale Sensoren, um den Dampf- oder Trockenwärmebedarf zu bestimmen, und schalten dann nahtlos zwischen diesen beiden Methoden um, um Ihnen einen perfekten Koch zu bieten.
Leistungen
Dampfgarer gelten seit langem als die gesündeste Art, eine Mahlzeit zuzubereiten, aber diese kalorienbewussten Herde haben auch einige Nachteile. Sie können einfach nicht die gleiche Auswahl an Gerichten zubereiten, die Sie in einem traditionellen Ofen zubereiten können. Wasser kocht bei 212 Grad Fahrenheit (100 Grad Celsius), was den Temperaturbereich dieser Geräte beeinträchtigt.
Ein Konvektionsdampfofen hingegen kann sowohl Dampf als auch trockene Wärme nutzen. Dies bedeutet, dass Sie in diesen Öfen neben den einzigartigen Kocheigenschaften eines Dampfofens auch backen und braten können, da sie bis zu 450 Grad Fahrenheit (232 Grad Celsius) heiß werden können.
“(Ein Konvektionsdampfofen) hat die Fähigkeit, zu dämpfen, zu backen und zu braten”, sagte Parmenter. „Weil es einen Dampfmodus (mit 100 Prozent Dampf), einen Konvektionsmodus (ohne Feuchtigkeit) und einen Kombidampfmodus (eine Kombination aus Dampf und Wärme, die etwa 50-60 Prozent Dampf verbraucht) bietet. Das Dampfgaren wird wegen seiner ernährungsphysiologischen Vorteile in hohem Maße angepriesen und ist beim Aufwärmen von Speiseresten äußerst vorteilhaft. Das Kochen mit Dampf ermöglicht es, alle Vitamine und Mineralien in Gemüse zu speichern und benötigt beim Kochen von Proteinen weniger Fette oder Öle. Es eignet sich auch hervorragend für die Herstellung von Getreide, Reis, Brot und Pudding, für die ein „Wasserbad“ erforderlich ist.
„Da der Dampfgarer die Fähigkeit hat, bei Konvektion zu dämpfen und zu backen / braten, denken viele, dass man Fleisch in einem Dampfgarer nicht bräunen / braten kann. Wenn Sie nur den Dampfmodus verwenden, können Sie nicht erwarten, dass das Fleisch braun wird. Die Feuchtigkeit und die Temperatur verhindern jegliches Bräunen, da der Dampf auf 212 Grad begrenzt ist. Sie müssten den Backofen in den Konvektionsmodus schalten, um Fleisch zu braten. Die Verwendung des Konvektionsmodus impliziert, dass nur trockene Hitze zum Garen der Speisen verwendet wird und dieser Modus es Ihnen ermöglicht, bis zu 450 Grad zu erreichen. “
Ein Heißluftdampfofen bietet Ihnen das Beste aus beiden Welten. Das Kochen mit Dampf sorgt dafür, dass Ihre Mahlzeiten saftig und vitaminreich sind, während die zirkulierende Hitze die Ofenzeit beschleunigt und eine gleichmäßig zubereitete Mahlzeit liefert.
Ein Küchenhelfer oder ein schickes Accessoire?

Ein Heißluftdampfofen kann Ihnen alles bieten, was Sie in einem Küchengerät suchen, aber es gibt einen Hauptnachteil: den Preis.
Während Öfen eine ziemlich breite Preisspanne haben , ist es nicht allzu schwer, einen Qualitätsherd für unter 1.000 US-Dollar zu finden. Ein Konvektionsdampfofen in voller Größe lässt Sie dagegen problemlos das Dreifache laufen. Chef Parmenter sagte, dass der Preis ein wenig fallen könnte, wenn diese Öfen immer beliebter werden, aber es ist unwahrscheinlich, dass Konvektionsdampföfen zu Haushaltsklammern werden.
“Dampfgarer und Kombidampfgarer gibt es in der kulinarischen Industrie seit langem, wahrscheinlich seit den 1960er Jahren”, sagte Parmenter. „Mit zunehmendem Bewusstsein in Bezug auf die Lebensmittelproduktion und den Erhalt von Nährstoffen begann man, Luxusmarken zu sehen, die kleinere Versionen für den privaten Gebrauch herstellten. Anfangs waren sie teuer in der Herstellung, aber ich glaube, je mehr der Markt für diesen Artikel wächst, desto mehr sinkt der Preis. Aber nicht zu weit unten. Bosch ist ein Luxus-Basisgerät und verkauft seinen Dampfofen für rund 3.000 US-Dollar. Ich bin nicht sicher, ob dieser Ofen jemals bei Target oder Walmart ankommen wird, aber Best Buy hat jetzt einen Pac-Sales-Bereich, der Thermador, Viking und andere High-End-Marken anbietet. “
Wenn Sie von der Idee, mit Dampf zu kochen, fasziniert sind, können Sie jederzeit eine Dampfmikrowelle ausprobieren. Whirlpool verkauft eine für 569 Dollar.

Unterschied zwischen Blasorchester und Symphonieorchester

Blasorchester vs Sinfonieorchester

Blasorchester und Symphonieorchester sind zwei Namen, die sich auf eine Gruppe von Musikern beziehen, die in der westlichen Musik zusammen auftreten. Diese beiden Namen haben jedoch im allgemeinen Sprachgebrauch die gleiche Bedeutung, dh es gibt keinen Unterschied zwischen Blasorchester und Sinfonieorchester. Beide beziehen sich auf ein Ensemble, das Holzblas-, Schlagzeug- und Blechblasinstrumente spielt. Neben diesen beiden Namen ist dies auch als Blasorchester, Blasorchester oder Blasorchester bekannt.

Was ist eine Blasorchester / Sinfonieorchester?
Wie oben erwähnt, gibt es keinen Unterschied zwischen Blasorchester und Sinfonieorchester. In einigen Institutionen wie Schulen und Universitäten wird der Begriff Symphonic jedoch für eine fortgeschrittenere Band verwendet, während Concert für die normale Band verwendet wird.

Als Blasorchester oder Sinfonieorchester wird in der Regel ein Ensemble bezeichnet, das Holzblasinstrumente, Schlaginstrumente und Blechblasinstrumente spielt. Das Hauptelement dieser Ensembles ist die Holzblasabteilung. Aus diesem Grund wird es auch als Blasorchester, Bläsersinfonie, Blasorchester und Bläserensemble bezeichnet. Diese Bands spielen normalerweise Blasmusik, Unterhaltungsmusik, Transkriptionen von Orchesterkompositionen und populäre Melodien.

Instrumente für Blasorchester / Sinfonieorchester
Holzblasinstrumente
Ein Blasinstrument ist ein Instrument, das Schall durch die Vibration von Stimmzungen im Mundstück oder durch den Luftstrom über das Mundstück erzeugt. Klarinette, Oboe , Fagott, Flöte und Saxophon sind Beispiele für Holzblasinstrumente.

Schlaginstrumente
Ein Schlaginstrument ist ein Instrument, bei dem der Klang durch Schlagen oder Schaben eines Schlägers oder einer Hand oder durch Schlagen gegen ein anderes ähnliches Instrument erzeugt wird. Verschiedene Arten von Trommeln, Xylophonen usw. sind Beispiele für Schlaginstrumente.

Blechbläser
Ein Blechblasinstrument ist ein Instrument, das durch Schwingung der Luft in einem rohrförmigen Resonator einen Klang erzeugt, der der Schwingung der Lippen des Spielers entspricht. Diese Instrumente bestehen typischerweise aus Messing. Trompete, Posaune, Kornett , Tuba und Euphonium sind einige Beispiele für Blechblasinstrumente.

Was ist der Unterschied zwischen Blasorchester und Sinfonieorchester?
Blasorchester und Sinfonieorchester sind zwei Namen, die sich auf Holzblas-, Schlagzeug- und Blechblasinstrumente beziehen.
Obwohl diese beiden Synonyme sind, verwenden einige Schulen diese beiden Begriffe, um sich auf zwei Arten von Bands zu beziehen. In solchen Fällen bezieht sich die Blasorchester auf die normale Schulorchester, während sich die Sinfonieorchester auf eine fortgeschrittenere Band bezieht.
Zusammenfassung – Blasorchester vs Blasorchester
Es gibt keinen Unterschied zwischen Blasorchester und Sinfonieorchester. Beide Begriffe beziehen sich auf ein Ensemble, das Holzblas-, Schlagzeug- und Blechblasinstrumente spielt. Dies ist auch als Blasorchester, Bläsersinfonie, Blasorchester und Bläserensemble bekannt. Der Hauptbestandteil dieser Band sind die Holzblasinstrumente.

Bild mit freundlicher Genehmigung:
1. „Blasorchester“ von Mark Kimpel – von SreeBot von en.wikipedia auf Commons übertragen. (CC BY 2.0) über Commons Wikimedia

Lernen Sie Jazz ganz bequem – werden Sie ein besserer Jazzmusiker

Ein erstes Instrument auswählen
Das Erlernen eines Musikinstruments lohnt sich in vielerlei Hinsicht. Durch Musik können Kinder und Erwachsene Disziplin lernen, Kreativität ausdrücken und einen gesunden Weg finden, um mit Stress umzugehen. Für Leute, die daran festhalten und gut darin werden, könnte Musik sogar eine Karriere werden. Aber selbst unter denen, die nur zum Spaß spielen, gibt es nur sehr wenige, die es bereuen, Musik in ihr Leben gebracht zu haben.

Jeder Möchtegernmusiker muss irgendwo anfangen, und das ist nicht immer so einfach herauszufinden. Es gibt so viele verschiedene Instrumente, jedes mit starken Vor- und Nachteilen. Wenn Sie nicht viel über Musik wissen, wie sollen Sie sich entscheiden?

Dieser Artikel kann helfen. Ich habe über dreißig Jahre lang Gitarre und Bass gespielt, aber im Laufe meiner Karriere als Musiker habe ich mich mit vielen der in diesem Artikel aufgeführten Instrumente beschäftigt. Natürlich habe ich meine Wahl getroffen, aber ich erkenne auch, dass es viele andere Optionen für alle Arten von Menschen gibt.

Es gibt hier auch ein paar Instrumente, die ich auf meiner Eimerliste mit Dingen habe, die ich in dieser Welt machen möchte, bevor ich mich abmische. Damit komme ich zu dem ersten von zwei wichtigen Punkten, die Sie hoffentlich aus diesem Artikel entfernen: Sie sind nie zu alt, um ein neues Musikinstrument zu lernen!

Wenn Sie ein Teenager oder Erwachsener sind, haben Sie vielleicht das Gefühl, dass Ihr Schiff gesegelt ist, aber geben Sie nicht so einfach auf! Jede Sekunde, die Sie mit dem Wunsch verschwenden, früher mit Musik zu beginnen, ist eine Sekunde, in der Sie jetzt Musik lernen könnten ! Also hör auf zu jammern und mach dich daran!

Der zweite Punkt ist, dass das beste Anfängerinstrument für Sie dasjenige ist, das Sie zum Spielen inspiriert! Dies gilt nicht nur für Erwachsene, sondern insbesondere für Kinder, die möglicherweise nicht besonders motiviert sind, zu lernen. Sie werden in diesem und anderen Artikeln viele verschiedene Ratschläge lesen, aber vor allem ist es wichtig, ein Instrument zu wählen, das Sie (oder Ihr Kind) für Musik begeistert.

Also lasst uns loslegen und das perfekte erste Musikinstrument für einen Anfänger finden!

1. Gitarre
Meiner Meinung nach ist Gitarre das beste Musikinstrument für die meisten Neulinge. Ja, ich bin vielleicht ein bisschen voreingenommen, aber ich bin bereit, meine Position zu verteidigen! Der Grund, warum ich die Gitarre zur Nummer eins gemacht habe, ist, dass sie in der modernen Musik so zugänglich und beliebt ist.
Das Starten der Gitarre ist sehr erschwinglich. Sie können ein Einsteigerset für 200 US-Dollar oder weniger kaufen und haben viele, viele Optionen zur Auswahl. Sie können Unterricht nehmen, wenn Sie möchten, aber es gibt auch eine breite Palette von Lernmethoden, die durch Bücher, Computersoftware und sogar Online-Unterricht zur Verfügung stehen. Es ist super einfach, Songs zum Lernen zu finden, und wenn Sie nicht lernen möchten, Musik zu lesen, können Sie sich immer auf die Tabulatur verlassen, um weiterzukommen.

Wenn Sie sich für Gitarre entscheiden, haben Sie eine große Zukunft vor sich. Sie können die klassische oder Jazz-Route gehen und Gitarre an einer renommierten Musikschule studieren. Sie können Rockspieler werden und eine hochmoderne Band gründen. Sie können sich entscheiden, akustische Gitarre zu spielen und Songs zu schreiben. Der Himmel ist die Grenze, und während Ihrer Karriere als Gitarrist können Sie mit vielen Ideen experimentieren.

Solltest du mit elektrischer oder akustischer Gitarre anfangen? Jeder hat Vor- und Nachteile. Mein Rat ist immer, auszuwählen, was Sie am meisten zum Spielen motiviert. Auf den Punkt gebracht: Akustikgitarre ist in der Regel günstiger für den Einstieg, während E-Gitarre etwas einfacher zu spielen ist. Sie haben die Wahl und es gibt keine falsche Antwort.

Es gibt einige erstaunliche akustische Gitarren für Anfänger auf dem Markt, aber ich empfehle immer die Yamaha FG-Serie für Anfänger, die gerade erst mit dem Instrument beginnen.

Ich empfehle die Yamaha FG800 als erste akustische Gitarre für Anfänger. Es ist ein erschwingliches, hochwertiges Instrument, das einem Neuling eine lange Zeit erhalten bleibt. Diese Gitarre ist ein Upgrade des FG700S, das als Anfängergitarre einen etwas legendären Status erlangt hat.

Achten Sie auch auf den FS800, ein ähnliches Instrument mit einem etwas kleineren Körper im Konzertstil. Wenn Sie sich für die Akustikgitarre entscheiden, ist beides eine gute Wahl!

Die Yamaha FG-Series
2. Klavier oder Keyboard
Klavier steht als nächstes auf meiner Liste. Dies ist tatsächlich das erste Instrument, das ich als Kind gelernt habe, und auch heute spiele ich ein bisschen damit herum. Während ich mich offensichtlich für Gitarre interessiere, erkenne ich den Hauptvorteil meiner Anfänge, als ich Klavier lernte.
Das Erlernen dieses Instruments ist bei weitem nicht so praktisch wie die Gitarre. Ein Klavier ist teuer und nimmt viel Platz in Ihrem Haus ein. Sie können es normalerweise nicht selbst stimmen, und Sie werden wahrscheinlich ein paar formelle Lektionen benötigen, um zu lernen, wie man das Ding spielt. Um gut darin zu werden, muss eine ernsthafte Koordination entwickelt werden.

Der größte Vorteil beim Erlernen des Klaviers ist, dass Sie einen so starken musiktheoretischen Hintergrund haben, der auf fast jedes andere Instrument übersetzbar ist. Bei einem Klavier stimmen alle Noten in einer Reihe überein, und die Theorie hinter musikalischen Konzepten wie Akkorden und Skalen ist leicht zu verstehen. Wenn Sie sich später für eine Gitarre oder ein anderes Saiteninstrument entscheiden, bei dem die Beziehung zwischen den Noten nicht annähernd so klar ist, haben Sie einen großen Vorteil.

Sie können das Klavierspielen besser zugänglich machen, indem Sie stattdessen eine Tastatur auswählen. Keyboards sind elektronische Instrumente mit einer Vielzahl von Klängen, wobei Klaviere akustische Instrumente mit einem bestimmten Klang sind. Tastaturen sind leicht zu transportieren, nehmen weniger Platz ein und sind im Allgemeinen viel billiger.

Für Pro-Level-Keyboards ist in der Regel ein separater Verstärker erforderlich, für Midrange-Modelle sind jedoch häufig eigene Lautsprecher erforderlich. Es gibt sogar E-Pianos mit gewichteten Tasten, um Ihnen den Klang und das Gefühl der realen Sache zu vermitteln.

3. Bassgitarre
Obwohl ein E-Bass wie eine große Gitarre mit weniger Saiten aussieht, ist es ein deutlich anderes Instrument, das eine ganz andere Denkweise erfordert. Dennoch treffen viele der Gründe, aus denen Sie vielleicht mit der Gitarre anfangen, auch auf den Bass zu.

Bassgitarren für Anfänger sind sehr erschwinglich, der Unterricht online und anderswo ist günstig und reichlich und das Auffinden von Musik ist sehr einfach. Wenn Sie Bass gegenüber Gitarre bevorzugen, ist dies eine ebenso gültige Wahl.

Ich habe einen ganzen Artikel darüber, wie man zwischen Bass und Gitarre wählt , deshalb werde ich hier nur ein bisschen darauf eingehen. Es gibt sicherlich ein paar Dinge, die Anfänger beachten sollten, wenn sie entscheiden, ob der Bass das perfekte erste Instrument für sie ist.

Erstens ist Bass nicht unbedingt einfacher als Gitarre. Wenn Sie also die Idee haben, dass Sie mit dem Bass beginnen, weil es einfacher zu sein scheint, und dann zur Gitarre wechseln, dann haben Sie die Dinge ein wenig rückständig. Beide erfordern Übung und beide können so herausfordernd oder einfach sein, wie Sie sie machen möchten.

Ein Bass ist keine heruntergekommene Gitarre. Es ist genauer gesagt, dass Bass und Gitarre in hohem Maße verwandte Instrumente sind, für die jeweils spezielle Fähigkeiten erforderlich sind. Bassisten sind in der Regel eher rhythmisch orientiert und arbeiten mit dem Schlagzeuger zusammen, um das Rückgrat der Musik zu bilden.

Warum also Bass statt Gitarre lernen? Wenn Sie entscheiden, dass der Bass Sie bewegt und Sie den Klang lieben, ist dies eine solide Alternative zum Erlernen der traditionellen Gitarre. Du musst nicht erst Gitarre lernen. Wenn Sie Bass mögen, lernen Sie Bass!

4. Banjo und 5. Mandoline
Mein Großvater war ein Banjo-Spieler und ich lernte das Instrument ungefähr zu der Zeit, als ich zum ersten Mal Gitarre lernte. Ich war nicht sehr gut und habe zu schnell aufgegeben, aber es hat viel Spaß gemacht. Es ist etwas, worauf ich eines Tages immer zurückkommen wollte.

Ein Banjo ist in der Regel ein vier- oder fünfsaitiges Instrument, das mit einem Trommelfell und häufig einem als Resonator bezeichneten Back-Piece einen Klang erzeugt .

Mandolinen sind achtsaitige Instrumente, die mit einem Kammerkorpus Klang erzeugen, eher wie ein traditionelles akustisches Saiteninstrument. Ich habe sie hier zusammengefasst, nicht nur, weil sie beide oft in denselben Musikformen verwendet werden, sondern weil sie dieselben Vor- und Nachteile haben.

Wie Gitarre, Mandoline und Banjo sind beide preiswert und leicht zu erlernen. Der Unterricht und die Musik sind reichlich, vor allem mit dem Anstieg der Popularität von Country und Bluegrass in den letzten zehn Jahren oder so. Wenn Sie nur ein paar Grundlagen erlernen möchten, wie z. B. Gitarre, können Sie in kürzester Zeit Musik auf einem dieser Instrumente spielen.

Dies sind jedoch auch Instrumente mit kleinen, dünnen Hälsen, und es bedarf einiger Übung, um sie zu beherrschen. Erfahrene Banjo- und Mandolinenspieler sind ebenso talentiert wie die besten Metal-Gitarren-Shredder oder klassischen Gitarristen.

Wahrscheinlich müssen Sie keinen Unterricht nehmen, aber Sie werden viele, viele Stunden damit verbringen müssen, an Ihren Chops zu arbeiten, um sich in den meisten Musikstilen zu behaupten, in denen diese Instrumente verwendet werden. Lass dich nicht davon abhalten, wenn eines dieser Instrumente das ist, was du wirklich spielen möchtest!

6. Schlagzeug
Aus gutem Grund gehören Trommeln zu den beliebtesten Instrumenten der Welt. Es macht jede Menge Spaß, sie zu spielen, und wenn Sie anständig werden, werden Sie immer nach Bands und Konzerten gefragt sein. Es gibt aber auch ein paar Gründe, warum ich sie etwas weiter unten auf die Liste gesetzt habe.

Zum einen ist es etwas teuer, mit dem Schlagzeug anzufangen. Sie sehen sich wahrscheinlich ein paar hundert Dollar mehr an, als Sie ausgeben würden, um mit einem der oben aufgelisteten Instrumente zu beginnen, mit Ausnahme eines großen Klaviers natürlich. Sie sind auch schwer zu bewegen und beanspruchen viel Platz in Ihrem Haus oder Ihrer Wohnung.

Ein Pluspunkt ist, dass Sie, sobald Sie ein anständiges Drum-Kit haben, nicht mehr so ​​aufrüsten müssen, wie ein Gitarrist immer nach einem besseren Verstärker oder einer besseren Gitarre Ausschau hält. Sie können Becken, zusätzliche Trommeln und Zubehör hinzufügen, aber Ihr Basis-Kit hält lange.

Ein weiterer Nachteil ist, dass die akustischen Trommeln sehr laut sind. Ein hart schlagender Schlagzeuger wird buchstäblich ein Haus zittern lassen und die Nachbarn werden es bemerken. Für Eltern, die ein Anfängerinstrument für ein Kind suchen, ist dies etwas zu beachten. E-Gitarren bekommen einen schlechten Ruf, wenn es um Geräusche geht, aber zumindest haben sie Lautstärkeregler. Trommeln nicht!

7. Violine und 8. Cello
Cello ist das Instrument, das ganz oben auf meiner Bucket-Liste steht, und ich bin fest entschlossen, es zu lernen, bevor meine Tage vorbei sind. Violine und Cello sind Instrumente, die normalerweise in einem Orchester oder Streichquartett verwendet werden, und am häufigsten in der klassischen Musik. Sie haben einen süßen, holzigen Klang und einige der bekanntesten Musikstücke der Geschichte wurden um sie herum geschrieben.

Hätte Bach für E-Gitarre geschrieben, wenn er heute dabei wäre? Nein, ich denke, er hätte sich immer noch dafür entschieden, Musik für die klassischen Streicher zu kreieren.

Wenn Sie wie ich von klassischer Musik bewegt sind, mögen Sie vielleicht Violine oder Cello spielen, aber die Nachteile sind einige der Gründe, warum ich Cello noch nicht von meiner Liste gestrichen habe. Erstens wirst du wahrscheinlich nicht alleine Geige oder Cello lernen. Ich bin ziemlich zuversichtlich, dass ich Musik aufnehmen kann, aber dies erfordert ein Eingreifen von Experten. Das bedeutet Unterricht und gründliches Studium des Instruments. Als Rockgitarrist habe ich den größten Teil meines Lebens das Gefühl, dass dies eine mentale Vorbereitung meinerseits erfordern würde, und es sollte nicht leicht genommen werden.

Sie können ein paar Akkorde lernen und auf Ihrer Veranda eine Gitarre spielen. Niemand macht das mit einem Cello.

Die Eintrittskosten sind für beide Instrumente ebenfalls etwas hoch. Für ein einfaches, qualitativ hochwertiges Cello, das Ihnen über Jahre hinweg erhalten bleibt, liegt der Preis bei 1000 USD. Für eine Geige werden Sie einiges weniger ausgeben, aber die Nachfrage nach beidem ist so groß, dass Sie die gleichen Angebote finden wie bei der Gitarre.

9. Messing
Blechblasinstrumente sind Trompeten, Waldhorn, Tuba und Posaune. Während sie in klassischen Orchestern zu finden sind, werden sie auch in vielen anderen Musikformen wie Marschkapellen, Jazzbands und sogar Rock verwendet. Das Spielen eines dieser Instrumente erfordert nicht nur hervorragende Handfertigkeit, sondern auch mächtige Lungenkraft.

Dies sind auch die Arten von Instrumenten, zu denen sich viele Schüler an der High School hingezogen fühlen, um an einer Blaskapelle oder einem Orchester teilzunehmen, die sie jedoch nach dem Abschluss nie wieder berühren. Das ist bedauerlich, aber es gibt Gründe, warum dies passiert.

Sie können ein Instrument wie die Trompete oder die Tuba in der Heiligkeit des Schulmusikraums lernen, und Ihre Eltern werden Ihre Praxis wahrscheinlich zu Hause tolerieren, wenn dies eine Note oder die Teilnahme an außerschulischen Aktivitäten bedeutet. Wenn Sie jedoch aufs College gehen oder in eine Wohnung ziehen, werden Sie wahrscheinlich feststellen, dass Ihre Altersgenossen weniger begeistert sind, wenn Sie nur zum Spaß auf der Trompete heulen. Wenn Musiker nicht mehr die Unterstützung eines Schulprogramms haben, lassen sie das Instrument oft ganz fallen.

Ich halte es für wichtig, einen langfristigen Plan zu haben, wenn Sie sich für ein Instrument entscheiden. Sie müssen ein Blechblasinstrument nicht verlassen, nur weil Sie die Schule verlassen haben, und Sie können es auf jeden Fall als Erwachsener lernen, wenn Sie möchten. Sie müssen nur ein wenig kreativ denken, um einen Weg zum Üben zu finden, ohne alle verrückt zu machen.

10. Holzbläser
Zu den Holzblasinstrumenten zählen Saxophone, Klarinetten, Flöten und Oboen. Reed-Instrumente sind eine Unterteilung von Holzbläsern und es handelt sich um Instrumente wie Saxophone und Klarinetten, die ein Holzrohrblatt im Mundstück verwenden. Wie bei Blechblasinstrumenten ist auch hier eine gute Technik für die rechte Hand sowie eine angemessene kardiovaskuläre Konditionierung erforderlich.

Ebenso wie Blechblasinstrumente neigen viele Musiker dazu, diese Instrumente nach dem Abitur fallen zu lassen und haben keinen Platz mehr für Aufführung und Übung. Während Instrumente wie Saxophon und Klarinette sich gut für Rock- und Jazzmusik eignen, kämpfen andere wie Oboe und Flöte darum, außerhalb der klassischen Musik und der Aufführung von Orchestern eine Heimat zu finden

Sicher gibt es viele autodidaktische oder semi-autodidaktische Saxophonisten und Klarinettenspieler, aber die meisten dieser Orchesterinstrumente erfordern jahrelanges Training und Disziplin, um sie zu beherrschen. Wenn Sie den Wunsch haben, einen von ihnen zu lernen, können Sie das sicher, aber Ihr Ansatz muss viel besser organisiert sein.

Viele Musiker lernen in der Schule Holz- oder Blechblasinstrumente und gleichzeitig Gitarre oder Schlagzeug. Es ist nichts Falsches an diesem Ansatz, und es bedeutet, wenn Sie sich entscheiden, die Trompete beiseite zu legen, wenn die High-School-Blaskapellentage vorbei sind, müssen Sie die Musik nicht ganz aufgeben.

Wie man ein Musical schreibt

Das Schreiben eines Musicals kann wie eine gewaltige Aufgabe erscheinen, besonders wenn man ein Fan des Genres ist und versucht, es zum ersten Mal zu erschaffen. Sie können sich entscheiden, ein Musical als kreative Herausforderung zu schreiben, oder Sie werden beauftragt, eines für eine Klasse zu schreiben. Um ein Musical zu schreiben, bestimmen Sie zunächst die Handlung. Fügen Sie die Musik und die Songs hinzu, um ein Musical zu kreieren, das sich poliert, unterhaltsam und berührend für Ihr Publikum anfühlt.

Teil
1
Ideen für das Brainstorming. Beginnen Sie damit, sich hinzusetzen und ein paar Ideen für das Musical zu schreiben. Denke an eine Frage oder ein Problem, das du im Musical ansprechen kannst, wie “Was ist Liebe” oder “Wie fühlt es sich an, ein Außenseiter zu sein”? Du kannst auch an eine persönliche Erfahrung denken, die dich verärgert, verunsichert oder dich deine Werte in Frage stellen lässt. Diese Erfahrung könnte als Inspiration für das Musical dienen.
Überlegen Sie, warum eine Idee im musikalischen Format besser funktionieren könnte als im Kurzgeschichten- oder Romanformat. Musik und Gesang müssen sich in irgendeiner Weise notwendig für die Erzählidee fühlen. Zum Beispiel kannst du erkennen, dass du die Geschichte deines Elterntreffens in New York in den 70er Jahren nur durch die Musik erzählen kannst, die sie in diesem Zeitraum liebten.
Sie können auch versuchen, einen Spaziergang in einem Park oder auf einem öffentlichen Platz zu machen, um sich inspirieren zu lassen. Beobachten Sie, wie Menschen interagieren und bemerken Sie alle Verhaltensweisen oder Handlungen, die für Sie interessant erscheinen. Du könntest dann eine Handlung erstellen, die auf dem Leben anderer Menschen in deinem Alltag basiert.
Versuchen Sie, eine Geschichtenidee zu wählen, für die Sie wirklich leidenschaftlich sind. Eine Geschichte zu haben, die dir wirklich wichtig ist, kann dir helfen, motiviert zu bleiben, das Musical zu schreiben und es eines Tages auf der Bühne zu sehen.
2
Erstellen Sie eine einzeilige Zusammenfassung der Geschichte. Sobald Sie eine Story-Idee haben, sollten Sie versuchen, eine einzeilige Zusammenfassung zu erstellen, damit Sie einen klaren Überblick über die Story haben. Versuchen Sie, die Frage zu beantworten: “Worum geht es in der Geschichte?” Konzentriere dich weniger auf Charakternamen als auf den dramatischen Moment im Leben der Hauptfigur, der die Geschichte erschafft.
So könnte beispielsweise eine einzeilige Zusammenfassung für das Musical Fiddler on the Roof lauten: “Ein jüdischer Bauer versucht, drei seiner Töchter zu verheiraten und sich mit antisemitischen Werten zu befassen, die sein Dorf und seine Lebensweise bedrohen”.
Diese Zusammenfassung enthält die wichtigsten Handlungsschwerpunkte des Musicals und auch Schlüsselthemen wie “eine Lebensweise” und “Antisemitismus”, die sich im Musical abspielen.
3
Studiere andere Musicals, um dich zu inspirieren. Um sich für Ihr Musical zu inspirieren und eine Geschichtenidee zu entwickeln, sollten Sie andere Musicals studieren. Gehen Sie zu den Musicals, lesen Sie Musicals auf der Seite und studieren Sie die Art und Weise, wie sie Lied, Musik und Dialog kombinieren, um eine effektive Show für das Publikum zu schaffen. Sie können eine Produktion mehrerer klassischer Musicals lesen und ansehen, darunter:[3]
Katzen
Fiedler auf dem Dach
Das Phantom der Oper
My Fair Lady
Sweeney Todd
Kerle und Puppen
Hamilton
Der größte Schausteller
In den Wald hinein
Sehr geehrter Evan Hansen

Teil
2

Bestimmen Sie den emotionalen Kern der Geschichte. Sobald Sie die Geschichte Idee haben, denken Sie darüber nach, was der Kern Ihrer Geschichte ist. Frag dich selbst: “Was sind die Themen in der Geschichte?” “Welche größeren Themen werden in der Geschichte behandelt?” Die Identifizierung des emotionalen Kerns der Geschichte wird Ihnen helfen, Ihr Schreiben zu konzentrieren und Inhalte zu erstellen, die den emotionalen Aspekt des Musicals ansprechen.
Zum Beispiel handelt das Musical Sweeney Todd an der Oberfläche von einem viktorianischen Barbier, der die Männer töten will, die seine Frau gestohlen und ihn wegen falscher Anschuldigungen ins Gefängnis geschickt haben. Aber im Kern geht es bei dem Musical um die hohen Kosten der Rache und darum, wie Wut und Ressentiments das heutige Leben ruinieren können.
Bild mit dem Titel Schreiben eines Musikalischen Schrittes 5
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Erstellen Sie Storyboards. Eine Möglichkeit, Ihnen beim Schreiben des Musicals zu helfen, ist die Erstellung von Storyboards oder visuellen Darstellungen jeder Szene. Sie können auf normale Blätter zeichnen oder größeres Papier zum Schreiben verwenden. Das Storyboarding jeder Szene kann Ihnen helfen, einen besseren Überblick über die Handlungen und Motivationen Ihrer Figur zu bekommen. Es kann auch das Schreiben der Musik und der Songs für das Musical erleichtern[5].
Sie können versuchen, eine grobe Liste von Szenen für das Musical aufzuschreiben und dann Storyboards für jede Szene zu erstellen. Versuchen Sie, die wesentlichen visuellen Elemente für jede Szene auf dem Storyboard zu erhalten. Scheuen Sie sich nicht, viele Storyboards für jede Szene zu verwenden, denn je detaillierter Sie sind, desto mehr Tiefe wird das Musical haben.
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Schreiben Sie die Musik. Das wichtigste Element eines Musicals ist die Partitur. Es gibt vier Arten von Musicals: Allsung-, Opern-, integrierte und unintegrierte. Musicals, die alle gesungen werden, bedeutet, dass es überhaupt keinen Dialog gibt und das gesamte Drehbuch gesungen wird. Auch Opern werden alle gesungen. Die beliebteste Form ist integriert, bei der die Musik und der Dialog in einer Show integriert sind[6].
Wenn Sie bereits Musik geschrieben haben, können Sie versuchen, Musik für jede Szene zu schreiben, die Sie mit einem Storyboard versehen haben. Oder Sie können damit beginnen, ein bis zwei Stücke zu schreiben, die Ihrer Meinung nach der Schlüssel zum Musical sind, wie z.B. das musikalische Thema für die Show.
Sie können auch versuchen, Musikschreibsoftware auf Ihrem Computer zu verwenden, die Ihnen hilft, Brummen, Singen oder Pfeifen in geschriebene Musik zu übersetzen. Dies 4
Erstelle die Texte für die Songs. Du kannst vielleicht die Musik und die Texte für das Musical schreiben, besonders wenn du die Geschichte gut kennst und dich sicher fühlst, dass du Musik schreiben kannst. Wenn Sie nicht musikalisch veranlagt sind, können Sie einen Schreibpartner suchen, der sich mit dem Komponieren von Musik für die Bühne auskennt. Viele Musicals wurden in Paaren oder Teams geschrieben, wobei eine Person die Musik schreibt und eine Person den Text schreibt.
Sobald Sie die Musik für das Musical geschrieben haben, sollten Sie eine Liste von Songs erstellen. Beachten Sie, wenn Sie mehr Songs als Szenen im Musical haben. Viele Songs zu haben ist keine schlechte Sache, aber man will sicher sein, dass das Musical gut von Dialog zu Song und von Szene zu Szene fließt.
5
Fügen Sie die Musik und die Geschichte zusammen. Organisieren Sie das Musical so, dass Szenen, Musik und Texte im selben Dokument enthalten sind. Ordnen Sie die Musik innerhalb der Szenen des Musicals so an, dass sich alles zusammenhängend und gut zusammengefügt anfühlt. Vergewissern Sie sich, dass Sie sanfte Übergänge vom gesprochenen Dialog zum Lied haben[8].
Zum Beispiel können Sie feststellen, dass Sie eine Szene zwischen Vater und Tochter haben, gefolgt von einem Lied, das von der Tochter gesungen wird. Du solltest sicherstellen, dass sich das Lied irgendwie auf die Szene bezieht und dass die Tochter in dem Lied ihre Beziehung zu ihrem Vater anspricht. Dadurch wird der musikalische Ablauf reibungslos.
Teil
3

Laufen Sie durch das Musical. Tue dies alleine oder mit einem Freund. Wenn möglich, erhalten Sie Zugang zu einem Klavier oder einem Musikinstrument, das für die Partitur wichtig ist. Dann lies den ganzen Dialog laut vor und singe die Lieder nach der Melodie des Musikinstruments. Achten Sie darauf, wie der Dialog und die Songs laut klingen. Achten Sie auf jeden Dialog, der sich verwirrend oder ungeschickt anfühlt. Überprüfen Sie, ob sich die Lieder auf den Dialog in irgendeiner Weise beziehen und klangpoliert sind.
Sie können alle Abschnitte unterstreichen oder markieren, die sich für Sie unangenehm anfühlen. Du kannst dann zurückgehen und sie so überarbeiten, bis sie am besten sind.
2
Füge in Stufenanweisungen hinzu. Bühnenanweisungen sagen den Schauspielern, wo sie sich auf der Bühne befinden und wie sie sich einer Szene oder einem Lied nähern. Halten Sie die Bühnenanweisungen kurz und bündig. Schließen Sie keine Stufenrichtung ein, die sich lang gewunden oder gewunden anfühlt.
Wenn Sie beispielsweise notieren möchten, dass es in einer Szene eine Musiktitel-Nummer geben wird, fügen Sie in das Skript “Musik beginnt zu spielen (Musiktitel hier einfügen)” ein. Dies signalisiert den Akteuren, dass ein Song aufgeführt wird.
Sie sollten auch Details darüber angeben, woher die Akteure in eine Szene eintreten, wie z.B. STAGE RECHTS oder STAGE LINKS.
Du solltest Notizen über die Reaktion eines Charakters machen, aber nur, wenn es sich um eine wichtige Reaktion in der Szene handelt. Zum Beispiel “VELMA (entsetzt) Wie konntest du das tun?” oder “JOHANNES (Weinen) Ich kann nicht mehr singen.”
3
Holen Sie sich Schauspieler, die das Musical aufführen. Sobald du ein ausgefeiltes Drehbuch hast, solltest du versuchen, es auf der Bühne spielen zu lassen. Sie können sich an Schauspieler in Ihrer Nähe wenden und sie beauftragen, das Musical in Ihrem lokalen Theater aufzuführen. Oder Sie können versuchen, das Musical von einer renommierten Theatergruppe in Ihrer Nähe aufführen zu lassen.
Sie können auch Schauspieler und Dramatiker aussuchen, die Erfolg hatten, um Ratschläge zu erhalten, wie Sie Ihr Musical produzieren lassen können.

Wie man kostenlose Musik herunterlädt

Das Wunderbare an der heutigen Technologie ist, dass Sie Musik direkt auf Ihr Gerät herunterladen können, ohne separate Disketten und Musik-Player verwenden zu müssen. Leider kann herunterladbare Musik teuer sein. Dieses wikiHow zeigt Ihnen verschiedene Möglichkeiten, wie Sie es kostenlos herunterladen können.

Methode
Besuchen Sie das Musikgeschäft Ihrer Wahl. Fast jede große Online-Musikfirma hat eine große Auswahl an kostenlosen Tracks zum Herunterladen. Dies sind oft einzelne Songs von einer kompletten CD oder Songs von neuen Künstlern. Das Herunterladen dieser kostenlosen Songs ist völlig legal.
Amazon hat eine sehr große Auswahl an kostenlosen MP3s, die sich regelmäßig ändern.
Google Play Music bietet eine rotierende Auswahl an kostenlosen Songs zum Herunterladen.
7Digital bietet gelegentlich kostenlose Tracks zum Download an. Klicken Sie auf die Schaltfläche “Free MP3s & Deals” im oberen Menü.
Jamendo bietet tonnenweise kostenlose Musik, die unter der Creative Commons Lizenz veröffentlicht wird. Das bedeutet, dass die Musik für den persönlichen Gebrauch kostenlos heruntergeladen werden kann.
2
Überprüfen Sie dies während des Verkaufs. Große Einzelhändler führen oft spezielle Aktionen und Veranstaltungen mit stark reduzierter oder sogar kostenloser Musik durch. Achten Sie darauf, die Websites regelmäßig zu überprüfen, wenn ein Verkauf stattfindet. Diese treten oft um größere Feiertage herum auf.
3
Überprüfen Sie iTunes. Neben Web-Shops verfügt iTunes über einen eigenen Shop, auf den über das Programm zugegriffen werden kann. Klicken Sie auf den Link “Free on iTunes”, um alle derzeit verfügbaren kostenlosen Musikstücke zu durchsuchen. Die Auswahl ändert sich häufig.
Methode
2

Besuchen Sie eine Website der Musik-Community. Ein wachsender Trend in der digitalen Musik ist die Nutzung von Musik-Streaming-Websites. Einige der beliebtesten Seiten sind BandCamp und SoundCloud. Auf diesen Seiten können Künstler Musik hochladen, die Besucher streamen und manchmal herunterladen können.
Nicht jeder Song auf SoundCloud und BandCamp kann kostenlos heruntergeladen werden. Oftmals steht bei Neuerscheinungen eine begrenzte Anzahl von kostenlosen Downloads zur Verfügung, bevor Sie den Track kaufen müssen.
PureVolume bietet viele kostenlose Downloads. Wenn Sie ein Album auswählen, klicken Sie auf den Link Free MP3, um die Songs herunterzuladen.
NoiseTrade ist eine Musik-Community, in der Künstler Musik für Fans hochladen und kostenlos herunterladen. Die gesamte Musik ist völlig legal zum Herunterladen.
Last.fm bietet viele kostenlose Musik von einer Vielzahl von Künstlern.
2
Musik finden. Sie können nach Interpret oder Songname suchen oder durch die Musikrichtungen stöbern, um nach neuen Titeln zu suchen. Diese Seiten enthalten oft Remixe von beliebten Songs, die heruntergeladen oder kostenlos gestreamt werden können.
Viele Künstler beginnen, Singles und frühe Tracks auf solchen Seiten kostenlos zu veröffentlichen.
3
Konvertieren Sie Streaming-Musik in herunterladbare Dateien. Es gibt mehrere Websites, die es Ihnen ermöglichen, die URL eines SoundCloud-Songs einzugeben und ihn in eine MP3-Datei zu konvertieren, die Sie herunterladen können. Beachten Sie, dass die Durchführung dieser Schritte gegen die Allgemeinen Geschäftsbedingungen für die Nutzung der SoundCloud verstößt.
Methode
3

Gehen Sie auf die Titelseite der von Ihnen gewählten Website. Mixtapes (in diesem Sinne) sind Alben, die Songs von anderen Künstlern und/oder dem Künstler, der das Band macht, remixen. Online-Mixtape-Communities halten sich an Standards, die ihre Mixe übersichtlich halten, so dass Sie ohne Angst vor Rechtsverstößen herunterladen können.
Die größte Seite zum direkten Herunterladen von kostenlosen Mixtapes ist DatPiff, auf der sich vor allem Underground-Hip-Hop und aufstrebende DJs präsentieren.
Andere beliebte Websites sind That Mixtape, LiveMixtapes und MonsterMixtapes.
2
Registrieren Sie sich, wenn nötig. Suchen Sie den Bereich der Seite, in dem Sie sich bei der Website anmelden können. (Bei DatPiff befindet es sich auf der rechten Seite der Hauptseite, ein wenig von oben.) Klicken Sie auf den Text “Registrieren” und geben Sie die erforderlichen Informationen ein.
Diese Seiten verdienen viel Geld mit Werbung und werden wahrscheinlich versuchen, Sie dazu zu bringen, sich während des Registrierungsprozesses für Werbeangebote anzumelden. Achten Sie immer auf den Link, der “nein danke” oder ähnliches sagt, um diese zu überspringen. (Auf DatPiff.com ist es normalerweise roter Text in der unteren rechten Ecke.)
3
Stöbern Sie in Mixtapes. Lesen Sie die Bewertungen und Kommentare der Benutzer, um hoch bewertete zu finden, oder spielen Sie mit neuen Bändern.
Bild mit dem Titel Download Kostenlose Musik herunterladen Schritt 10
4
Laden Sie ein Mixtape herunter. Wenn Sie ein Mixtape finden, das Sie interessiert, klicken Sie auf “Hören” oder “Abspielen”, um eine Vorschau des Bandes zu erhalten. Wenn es dir gefällt, klicke stattdessen auf den Link “Download”, um es auf deinen Computer herunterzuladen.
Einige Mixtape-Communities setzen ein Limit für tägliche Downloads (die Sie mit Geld erhöhen können), bieten aber andere Mixtapes “kostenlos” an (d.h. sie zählen nicht zu Ihrem Limit). Stöbern Sie zuerst in diesen, um sicherzustellen, dass Sie jeden Tag so viel neue Musik bekommen, wie Sie wollen.
Methode
4

Finden Sie die Künstler, die Ihnen gefallen. Verfolgen Sie sie auf Facebook, Twitter, Google+ und über ihre Website. Werden Sie ein Fan ihrer Social Media-Seiten und melden Sie sich für ihre Mailinglisten an.
Machen Sie eine Websuche nach Ihren Lieblingskünstlern, um all die verschiedenen sozialen Plattformen zu finden, auf denen sie präsent sind. Dadurch wird sichergestellt, dass Sie die umfassendste Berichterstattung über den Künstler haben.
Bild mit dem Titel Download Kostenlose Musik Schritt 12
2
Werden Sie ein Fan. Viele Bands und Künstler haben eine Online-Präsenz, die Sie über Social-Networking-Sites wie Facebook verfolgen können, oder indem Sie sich einer Mailingliste bei der
Sie geben einen YouTube-Videolink in ein Eingabefeld ein und “rippen” den Audiotrack zum Herunterladen, in der Regel als mp3-Datei mittlerer Qualität (128 Kbps).
Das Konvertieren von YouTube-Videos verstößt gegen die Nutzungsbedingungen der Website. Das zu häufige Herunterladen kann dazu führen, dass YouTube Ihrer IP den Zugriff auf weitere YouTube-Inhalte verbietet.
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2
Navigieren Sie zu YouTube und finden Sie einen Song, den Sie herunterladen möchten. Wählen Sie die Adressleiste Ihres Browsers und kopieren Sie die gesamte Webadresse (URL) des Videos.
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Fügen Sie die Video-URL in das Feld der Konvertierungs-Website ein und klicken Sie auf “Video konvertieren”. Der Konvertierungsvorgang kann je nach Länge der Videodatei mehrere Minuten dauern.
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Laden Sie die Datei herunter. Sobald die Datei fertig ist, erscheint sie über dem Textfeld. Klicken Sie auf den Link “Download”, um ihn auf Ihrem Computer zu speichern.
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Überprüfen Sie die Datei nochmals. Öffnen Sie es auf Ihrem Computer und stellen Sie sicher, dass es keine Fehler gibt. Dieses war mehr einer Ausgabe mit umgewandelten mp3s einigen Jahren vor, als es heute ist, aber es ist noch besonnen zu überprüfen.
Methode
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Bearbeiten
Sturzbäche
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1
Erwerben Sie Torrenting-Software. Die wahrscheinlich beliebteste Art, Songs und Alben über das Internet zu teilen, ist über Torrents, d.h. Dateien, die Ihren Computer anweisen, Teile einer Zieldatei oder eines Zieldokuments (z.B. eines Albums) von anderen Torrent-Benutzern zu kopieren, bis Sie eine vollständige Kopie erstellen.
Diese Software führt Torrent-Dateien aus und hilft Ihnen bei der Verwaltung Ihrer Torrents. Torrent ist ein kleines, schnelles und zuverlässiges kostenloses Torrent-Programm. Sie können es auf der offiziellen Website herunterladen.
Während die Suche nach Torrents und das Herunterladen der Torrent-Datei nicht illegal sind, gelten für alle Inhalte, die durch Torrents übertragen werden, einheitliche Urheberrechtsgesetze. Das bedeutet, dass, wenn Sie keine legale Kopie des Songs besitzen, den Sie herunterladen, dieses Material als raubkopiert gilt.
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2
Installieren Sie Ihre Software. Doppelklicken Sie auf die heruntergeladene Datei, um das Installationsprogramm auszuführen. Das Installationsprogramm wird höchstwahrscheinlich wollen, dass Sie Such-Symbolleisten und andere zusätzliche Software installieren. Du kannst wählen, ob du nichts davon installieren möchtest.
Finde einen Torrent. Es gibt viele Websites, die Torrents aggregieren und auflisten, damit Sie sie durchsuchen können, da Torrent-Dateien selbst nicht illegal sind.
Wenn Sie Torrent-Ergebnisse erhalten, suchen Sie nach Benutzerkommentaren oder Sternbewertungen. Gehen Sie mit den Dateien, die positive Kommentare und Bewertungen haben – andere können irreführend oder gefährlich sein.
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3
Laden Sie die Torrent-Datei herunter. Diese Datei sollte sehr klein sein – höchstens ein paar Dutzend Kb oder so. Dies liegt daran, dass der Torrent selbst nur eine Reihe von Anweisungen ist, die Ihrem Programm sagen, was es tun soll. Der Torrent sollte sich nach dem Herunterladen automatisch öffnen, andernfalls können Sie ihn über Ihren Torrent-Client öffnen.
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4
Warten Sie, bis Ihre Datei heruntergeladen ist. Torrents können von wenigen Minuten bis zum größten Teil eines Tages dauern, um sie herunterzuladen. Faktoren, die dies beeinflussen, sind unter anderem, wie groß die Datei ist, die Sie torrenten, und wie viele “Seeders” (Leute mit der kompletten Datei) die Datei gerade teilen.
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5
Erwägen Sie, den Torrent oben zu lassen. Sobald Sie Ihre Musik heruntergeladen haben, können Sie die Dateien entpacken und in aller Ruhe anhören. An dieser Stelle gilt es als gute Etikette, es in Ihrer Liste zu belassen, damit andere Teile davon von Ihnen herunterladen können, aber das müssen Sie nicht.
Einige private Torrenting-Communities verlangen tatsächlich, dass Sie ein bestimmtes Verhältnis von Download-zu-Seeding beibehalten, um ein Teil der Website zu bleiben.
Methode
8

Finden Sie eine Community, die Musik teilt. Die meisten größeren, von der Community erstellten Websites (wie Reddit) haben eine oder mehrere spezielle Musik-Communities. Lauern Sie (beobachten Sie leise) und lernen Sie die Community-Etikette, bevor Sie posten.
Das Teilen von Musik über ein Forum ist ebenso legal wie das Teilen über Torrents. Der Reiz der Nutzung eines Forums besteht darin, dass sie aufgrund des reinen Mitgliedercharakters von Foren viel weniger wahrscheinlich von den Behörden heruntergenommen oder verfolgt werden.

Wie man Tanzmusik produziert und schreibt

Das erste, was du tun solltest, ist, sicher zu sein, ob du das wirklich tun willst. Denn es könnte dein akademisches, soziales und so persönliches Leben beeinträchtigen. Aber wenn du dafür sorgst, dass es das ist, was du wirklich willst, macht es die Dinge viel einfacher. Zumindest wirst du es nicht bereuen, es überhaupt erst begonnen zu haben.

Schritte
1
Entscheiden Sie, welche Art von Musik Sie hören möchten. Der einzige Weg, dies zu tun, ist, eine große Menge verschiedener Musik zu hören, bis Sie den Sound oder Stil finden, der Ihnen am besten gefällt. Die wichtigsten sind Trance, House, Drum n Bass, Garage, Hip Hop, UK/Happy Hardcore und mehr. Es gibt viele andere, völlig unterschiedliche Arten von Subgenres. Lassen Sie sich nicht durch Genres einschränken und Pop-Charts suchen nach neuen Künstlern und experimentieren.

2
Beginnen Sie mit Ihrem Beat. Der Beat hält den Song zusammen und steuert, wie gut die Musik ist. Um einen guten Beat zu machen, hören Sie Tanzmusik und versuchen Sie, nur die Eigenschaften der Trommeln herauszufinden. Tanzmusik ist fast immer in 4/4 wie Galvanize von The Chemical Brothers, in dem sie alle paar Instrumentalmessungen in einen 2/4 Takt werfen. Hi Hat klingt gut mit geraden Achtelnoten oder Sechzehntel. Die Kleine Trommel wird verwendet, um den Beat zu akzentuieren und zu synkopieren. Versuche, elektronische Snare zu benutzen und halte dich vom Klatschen fern, denn das wird im Hip-Hop oft verwendet.
3
Entwirf die Bassline. Tanzmusik basiert auf Wiederholung und beginnt meist mit der eingängigen Bassline. Die Bassline kann auch ein Rhythmus auf einer Akkordfolge sein, die du machst.
4
Beginnen Sie mit der Schichtung. Je weiter du im Song fortschreitest, desto mehr Action sollte es geben. Normalerweise sind einige Layer Rhythmen auf der Akkordfolge, andere sind die gleiche Note oder das gleiche Riff, das trotz der Progression immer wieder gespielt wird.
Bild mit dem Titel Produzieren und Schreiben von Tanzmusik Schritt 5
5
Hören Sie, wie die Musik klingt. Wenn etwas nicht richtig klingt, dann liegt es an dir herauszufinden, warum es nicht richtig klingt. Alle Musik basiert auf Theorie und die gleiche Theorie wurde vor über 400 Jahren angewandt. Der Grund, Theorie zu studieren, ist, zu erfahren, was Musiker der Vergangenheit von sich selbst entdeckt haben.
6
Nachdem du das Gefühl hast, dass du einen cool klingenden Song hast, arbeite dann an einer Änderung in der Mitte des Songs. Du kannst Schlagzeug und Bass herausnehmen, um ein Streichriff zu hinterlassen, oder du kannst ein cooles Beat-Spiel allein haben. Außerdem kannst du die Styles komplett ändern. Wie ich bereits erwähnt habe, ist dies dein Lied. Du musst die Kreative sein.
7
Erstelle Texte, wenn du willst. Hören Sie sich Ihre Lieblings-Tanzstücke an. Vielleicht möchtest du rappen oder zwei Zeilen machen, die sich reimen und cool klingen, um sie in bestimmten Teilen des Songs zu wiederholen. Außerdem kannst du es in einem Rock-Format mit einem Vers und einem Chorus machen. Schließlich kannst du deine 40 Jahre alten Kinderreime oder dein Lieblingsgedicht von Robert Frost herausnehmen und es lesen oder singen! Es liegt an dir.
8
Produzieren Sie den Song. Finden Sie jemanden, der die Musik aufnehmen oder auf einen Computer übertragen kann, es sei denn, Sie können es selbst tun. Dann machen Sie den letzten Schliff, nur für den Fall, dass es Störungen gibt. Dann kannst du ein offizielles Plattenlabel bekommen, indem du ihnen einige Demos von Songs schickst. Du musst die geschäftliche Seite der Musik lernen, um erfolgreich zu sein, also schau dir die externen Links an.

Madame X: Madonnas neues Alter-Ego ist sowohl anonym als auch ausgetreten.

Madonna gab heute den Namen ihres neuen Albums bekannt – zusammen mit einem neuen Alter-Ego: Beide heißen Madame X. In einem einminütigen Video, das die Platte neckt, verdeutlicht Madonna ihren Charakter. Wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie darum kämpfen, eine gesunde Work-Life-Balance aufrechtzuerhalten, denken Sie an die Madame, die anscheinend “ein Geheimagent ist, um die Welt reist, Identitäten wechselt, für die Freiheit kämpft und Licht an dunkle Orte bringt. Sie ist Tänzerin, Professorin, Staatsoberhaupt, Haushälterin, Reiterin, Gefangene, Studentin, Mutter, Kind, Lehrerin, Nonne, Sängerin, Heilige, Hure.” Es ist viel, um sich anzupassen.

Madonna ist nicht die erste, die das Bild einer mysteriösen Frau mit dem anonymen Namen beschwört. Der Titel Madame X wurde erstmals 1884 bekannt, als John Sargent ein Porträt von Virginie Amélie Avegno Gautreau malte, einer in Paris lebenden amerikanischen Sozialistin. Als das letzte Gemälde, A Portrait of Madame X, gezeigt wurde, galt der tiefe Schnitt von Gautreaus Kleid als skandalös. Die Pariser drehten dem Schmutz die Nase hoch, und erst nach späteren Ausstellungen in New York wurde er zum Klassiker.

Seitdem taucht der Titel Madame X in der Populärkultur immer wieder auf, meist bekannt als Alexandre-Bisson-Stück über eine Mutter, deren Sohn ihr genommen wird, nachdem entdeckt wurde, dass sie eine außereheliche Affäre hat. Es war auch der Name des Kryptologie-Computers, der von der US-Armee und einer Glam-Metal-Band verwendet wurde.

Im 21. Jahrhundert jedoch wurde der Name fast ausschließlich mit dem britischen DJ Madam (kein “e”) X in Verbindung gebracht, dessen echter Name Crissi Vassilakis ist. Vassilakis hat sich in den letzten fünf Jahren zu einer wichtigen Figur in der Underground-Tanzmusik entwickelt und das einflussreiche Plattenlabel Kaizen gegründet.

Sie sagt, dass sie die Ankündigung “irgendwie lahm” fand, weil sie “acht Jahre lang meine Marke und mein Imperium aufgebaut hat”, hofft aber, dass sie dazu führen könnte, dass neugierige Madonna-Fans sie entdecken.

Es ist nicht klar, welche Iteration von Madame X Madonna inspiriert hat – ihr Publizist hat nicht auf die Aufforderung zur Stellungnahme geantwortet – aber Vassilakis sagt, dass sie von Sargent’s Gemälde und seinem Thema ergriffen wurde: “Mir gefiel die Idee dieser amerikanischen Auswanderin, die in Paris für ihre Untreue und Skandale berühmt wurde”.

Eine Reihe von Künstlern haben sich darüber geärgert, dass Madonna den Namen eines Underground-Künstlers gestohlen hat, darunter, etwas ironischerweise, The Black Madonna – ein gefeierter House DJ aus Kentucky, der auf Madam X tweete: “Es tut mir sehr leid, aber auch sehr sicher, dass buchstäblich alles, was Sie als nächstes tun, besser und breiter aufgenommen wird, als was auch immer das ist. Ich liebe Madge, aber nee.”

Madonna hat schon immer Ideen und Klänge aus der Underground-Musik mitgenommen, von “vogueing” in der queeren New Yorker Ballsaal-Kultur der 1980er Jahre bis hin zur experimentellen Elektronik-Produktion von William Orbit, die ihre Platte Ray Of Light charakterisierte. Auch mit Alter Ego hat sie schon einmal geflirtet: Auf ihrem Erotik-Album übernahm sie die Rolle der Mistress Dita, einer Domina, die von der deutschen Schauspielerin Dita Parlo inspiriert wurde.

Sicher scheint, dass auch dieser Moment vergehen wird. Madonna hat Identitäten immer genauso schnell entsorgt, wie sie sie aufgehoben hat, und Vassilakis bestätigt, dass sie eines Tages ihren Namen zurückbekommen wird: “Madonna ist die Königin der Reinkarnation, also ist das nur eine Phase.”

Musik und Whirlpools

Der Intex Ultra Frame Überflurpool, ein rechteckiger Pool, ist der beliebteste von allen Überflurschwimmbädern. Obwohl der Preis etwas höher ist als beim Intex Metallrahmenmodell, bringt auch dieses Modell eine Steigerung der Qualität, Stabilität, Haltbarkeit und Langlebigkeit mit sich. Wenn Sie auf der Suche nach einem Pool sind, der Sie mehrere Jahre hält, nicht nur eine Saison, empfehlen wir Ihnen den Ultra Frame Pool als besten Knall für den Dollar.

Beschreibung des Intex Ultra Frame Pools
Zusammen mit einer Leiter, einem Bodenbelag und einer Poolabdeckung bietet dieses Paket auch ein stilvolleres und zeitgemäßeres Design. Trotz des verbesserten Designs ist die Montage immer noch relativ einfach und die meisten Menschen finden, dass sie die Einrichtung selbstständig durchführen können, ohne einen Experten Whirlpools.org einzustellen. Planieren Sie den Boden vor der Montage, um mögliche Probleme auf der Straße zu vermeiden. Danach ist die Aufstellung einfach – legen Sie den Liner auf ebenem Boden aus, montieren Sie den Rahmen und füllen Sie ihn mit Wasser. Vergiss nicht, dass du jederzeit auf YouTube zurückgreifen kannst, um eine visuelle Anleitung zu erhalten, wenn du festsitzt. Sie können ein Beispiel weiter unten auf der Seite sehen.

Vorteile des Ultra Frame
Die Einrichtung ist schnell und ziemlich einfach. Viele behaupten, dass die Vorbereitung und Befüllung mit Wasser mehr Zeit in Anspruch nimmt als die eigentliche Montage.
Das Ultra Frame Modell ist viel langlebiger und robuster als die Intex Whirlpool und wird wahrscheinlich viel länger halten.
Obwohl es schwieriger sein könnte als das Easy Set Modell, kann dieses auch während der Nebensaison zerlegt und gelagert werden, was seine Lebensdauer verlängert.
Mögliche Probleme mit diesem Intex-Pool
Viele Kritiker geben an, dass die mitgelieferte Leiter nicht sehr robust ist und schlagen ein Upgrade auf eine stabilere Alternative vor.
Es ist wichtig, dass der Boden vor der Montage vollständig eben ist, was zu einer zusätzlichen Vorbereitungszeit führen kann.
Vorschläge

Viele Gutachter empfehlen den Kauf der Salzwasseranlage mit Ihrem Pool. Dieses System reduziert den Wartungsaufwand und vermeidet vor allem den Einsatz von Chemikalien in Ihrem Pool. Während es mehr Geld im Voraus sein kann, wird es Ihnen langfristig Geld sparen. (Wählen Sie das richtige System für Ihr Poolmodell und Ihre Größe)
Viele Prüfer empfehlen, Holzklötze unter die Beine zu legen, bevor sie sie zusammenbauen.
Erwägen Sie die Umrüstung auf eine stabilere Treppe über dem Boden.
Mit der zusätzlichen Solarabdeckung können Sie Ihren Pool auch in den kühleren Monaten genießen.
Montage des Intex Ultra Frame Pools
Die Montage ist ziemlich einfach. Stellen Sie vor der Montage sicher, dass der Boden, auf dem er platziert werden soll, vollständig nivelliert ist. Legen Sie dann Ihr Scheuerlappen oder Ihre Plane flach auf den Boden, so dass der Liner vor Durchstichen geschützt ist. Montieren Sie den Rahmen, konfigurieren Sie Ihre Pumpe und füllen Sie sie mit Wasser. Beachten Sie, dass das Befüllen mit Wasser je nach Größe wahrscheinlich mehr Zeit in Anspruch nimmt als die eigentliche Montage. Sie können eine Gorilla-Bodenauflage für zusätzlichen Schutz Ihrer oberirdischen Schwimmbadfolie in Betracht ziehen. Eine 120V 1200 GPH Filterpumpe mit GFCI ist im Lieferumfang enthalten, aber die Aufrechterhaltung von sauberem Wasser erfordert noch einige Anstrengungen. Viele Kritiker haben das Intex Salzwasser-Pool-Pumpensystem für minimalen Arbeitsaufwand, hervorragende Ergebnisse, keine Chemikalien UND langfristig weniger kostspielig empfohlen (Hinweis: Stellen Sie sicher, dass Sie das richtige System für Ihren Pool auswählen).

Raves, Roboter und sich windende Körper: wie elektronische Musik die Welt neu verdrahtet hat.

In der Philharmonie de Paris fragt sich Jean-Yves Leloup an einem bedeckten Dienstagnachmittag, warum in der französischen Hauptstadt die vielleicht umfangreichste Ausstellung zur Geschichte der elektronischen Musik stattfindet, die je stattgefunden hat. “Ich verstehe nicht, warum die Deutschen oder die Briten es nicht schon einmal getan haben”, zuckt er mit den Schultern. “Aber wir haben eine Geschichte der elektronischen Musik in Frankreich, von musique concrète über Jean-Michel Jarre bis hin zu Cerrone und kosmischer Disco, der französische Touch mit Daft Punk, jetzt einige EDM-Popstars.

“Vielleicht ziehen wir die elektronische Musik an, weil sie nicht zu rock’n’roll-orientiert ist, was Eigentum der Angelsachsen ist. Den Franzosen wurde immer gesagt, dass sie nicht sehr gut auf Englisch singen können oder dass Französisch nicht gut zum Rock’n’Roll passt, also schätze ich, dass es so ist. Es ist ein kleines Rätsel für mich – ich bin Franzose, also ist es schwer, eine Außenperspektive zu haben.”

Es ist nicht nur schwer, seine Gedanken über die langjährige Liebesaffäre Frankreichs mit dem Synthesizer zu sammeln, es ist auch ziemlich schwer, sie über den Sound der Electro-Ausstellung selbst zu hören: Der gesamte Raum wackelt mit vier zu Boden gehenden Beats und pulsierendem Subbass. Es ist auch hier drin ziemlich dunkel, der Saal ist gefüllt mit Projektionen und UV-Licht. Das ist der Punkt, nickt Leloup, der Kurator der Ausstellung und ein selbst bekennender alter Raver. “Raves waren jenseits eines soziologischen Phänomens. Ästhetisch gesehen geschah etwas – Licht, Rauch, ein Meer von Körpern. Ich wollte es nicht imitieren, aber ich wollte das sensorische Gefühl, wenn du mich besuchst. Wir wollten keine langweilige historische Ausstellung machen, in der man bestimmte Objekte und Erinnerungsstücke sammeln muss. Wir versuchen nicht, Menschen zu erziehen.”

Zwei Jahre in der Entwicklung, Electro ist eine ziemlich überwältigende audiovisuelle Erfahrung. Es gibt Installationen mit freundlicher Genehmigung von Daft Punk (die lebensgroßen Modelle des Duos, begleitet von einem quäkenden Roboterbaby, wurden am Nachmittag, den ich besuchte, von erregten Schulkindern gemoppt); 3D-Filme von Kraftwerk; einen fünfstündigen Soundtrack von DJ Laurent Garnier, der über die Kopfhörer der Besucher pumpt; Skulpturen aus Vinylplatten, die so arrangiert sind, dass sie die SoundCloud-Wellenform von Benga’s 2012er Track I Will Never Change nachahmen; Statuen von Giorgio Moroder und Brian Eno (letzterer lag auf dem Boden, vermutlich in den Zeiten, in denen er sich Ambientmusik ausdenkt); und ein paar fantastische Stücke Pariser “Architektur- und Digitaldesigner” 1024. Die eine ist eine riesige audiovisuelle Lichtinstallation namens Core, auf der 20.000 LEDs im Takt von Garniers Soundtrack pulsieren, die andere ein “tanzender Würfel”, der aussieht, als ob er aus Gerüstpfosten besteht und mit einer Reihe von alarmierenden Klirren immer wieder ins Leben tritt. “Es ist eine Art Tanzroboter, eine geometrische Form, die etwas menschlicher geworden ist”, sagt Leloup. “Es ist eines der Themen der Ausstellung – die poetische Beziehung zwischen Mann oder Frau und Maschine.”

Doch bei aller Überlastung von son et lumière befindet sich im Zentrum der Ausstellung eine wirklich bemerkenswerte Sammlung von Objekten, die eine Geschichte deutlich länger erzählt, als der Untertitel der Ausstellung – “Kraftwerk to Daft Punk” – vermuten lässt. Es gibt alte Synthesizer, die an Telefonzentralen oder riesige Holzmöbel erinnern, die aus einer Zeit stammen, in der die elektronische Musik fast ausschließlich der Avantgarde der klassischen Musik gehörte, einer intellektuellen Verfolgung, die in “Forschungsstudios” durchgeführt wurde, die an Labors erinnerten.

Faszinierend stellt sich heraus, dass die ersten Experimente in der so genannten musique concrète während des Zweiten Weltkriegs vom Komponisten Pierre Schaeffer in einem auch vom französischen Widerstand genutzten Radiostudio durchgeführt wurden: Er gründete später die Pariser Groupe de Recherches Musicales, wo Jean-Michel Jarre kurzzeitig studierte.

Inmitten einer Vielzahl von Studio-Equipment, das von Jarre gespendet wurde, wird der Moog-Synth gezeigt. Wie Leloup betont, bedeutete sein Erscheinen auf dem Markt mehr oder weniger das Ende für die Forschungsstudios. “Die Studios haben alles erfunden – wie man einen Sound bearbeitet, transformiert, synthetisiert. Aber um 1967-68 beginnt der Moog von Rock- und Popmusikern genutzt zu werden, und die meisten Forschungsstudios waren völlig veraltet, sehr schnell. Popmusiker schufen progressivere Musik als sie es waren.”

Aber mit der Ankunft der Disco, dann der House-Musik, kommt die Ausstellung richtig in Fahrt. Es bietet alles aus einer riesigen Sammlung von Flyern aus Chicagos Early House Clubs und dem Second Summer of Love von 1988, als der unwiderstehliche Cocktail aus Acid House und Ecstasy auf Großbritannien losgelassen wurde (Adleräugige britische Besucher könnten unter ihnen eine seltene Werbekarte für den Hug Club bemerken), die mythische Londoner Nacht vor dem Säurehaus, in der die Zuhörer Ekstase nahmen und sich dann auf dem Boden herumtobten und alte Soul Records hörten), zu einem Raum, der dem Detroiter Techno gewidmet war, wo Cartoonstreifen, die das Underground Resistance-Kollektiv der Stadt darstellen, als rachsüchtige Roboter, die der Rückkehr von Technik gewidmet sind.

BESTE UNKRAUT & TROCKENKRAUT VAPORIZER BEWERTUNGEN

Seitdem Verdampfer zum ersten Mal auf den Markt kommen, hat sich das Bestreben, sie besser und effizienter zu machen, wie ein Lauffeuer etabliert.

Und jetzt bekommst du eine so große Auswahl an Möglichkeiten, dass es unglaublich schwer ist, diejenige zu wählen, für die du dein Geld ausgeben willst.

Nur um Verwirrung zu vermeiden, werden die fraglichen Verdampfer und die, die auf der Liste unten aufgeführt sind, verwendet, um trockene Kräuter zu veredeln. Mit anderen Worten, Sie arbeiten nicht mit Öl oder anderen Flüssigkeiten.

In diesem Bericht über den Dry Herb Vaporizer werfen wir einen Blick auf Der Vaporizer Test 2019 auf dem Markt und sagen Ihnen alles, was Sie wissen müssen, um den richtigen Vaporizer für Sie auszuwählen.

Es gibt eine Tonne trockene Kräuterverdampfer auf dem Markt, so dass es schwer sein kann zu wissen, welche tatsächlich Ihr Geld wert sind.

1. DAVINCI IQ
Das erste, was auf Sie zukommt, wenn Sie das DaVinci IQ sehen, ist das Design. Es hat den Vorteil, der ihm nur hilft, den perfekten ersten Eindruck zu hinterlassen, aber es weckt auch viele Erwartungen.

Aber, wenn Sie es aufheben und wirklich anfangen, mit ihm zu arbeiten, werden Sie schnell feststellen, dass Sie es mit einem Qualitätsverdampfer für trockene Kräuter zu tun haben.

Neben den Materialien, die für den Bau des Verdampfers verwendet werden, gibt es einen Zirkoniumdioxid-Luftweg, der für die Freisetzung des maximalen Geschmacks verantwortlich ist, während er gleichzeitig dicken und gekühlten Dampf erzeugt.

Um die Sitzung an Ihre Bedürfnisse anzupassen, passen Sie einfach die Temperaturregelung der Smart Path Technology an.

Für diejenigen, die auf die neuesten Gadgets stehen, werden Sie sich freuen zu erfahren, dass der Davinci IQ mit einer eigenen App ausgestattet ist und sich über Bluetooth verbinden kann.

Der Verdampfer muss jedoch nicht angeschlossen werden, um voll funktionsfähig zu sein.

2. GHOST MV1
Der Ghost MV1 (lesen Sie unseren vollständigen Bericht) gilt als der komplexere Vaporizer auf der Liste, da er sich besser für halberfahrene Dämpfe eignet, die ihre Sitzungen sehr ernst nehmen.

Der erste Eindruck des Designs ist definitiv “futuristisch” und macht es noch einzigartiger als der Rest. Und im Gegensatz zu den beiden zuvor erwähnten Vaporizern kann der Ghost, MV1 sowohl trockene Kräuter als auch Konzentrate aufnehmen.

Sie erhalten bei Bedarf eine Heizung mit kaltem Dampf, und der Geschmack zeigt es definitiv. Aber der Hauptvorteil muss die Vielseitigkeit sein, zusammen mit den neuesten Vaping-Gadgets, die das Gerät begleiten.

3. PAX 3
In sehr kurzer Zeit kommt die PAX 3 von PAX Labs. Die Marke trägt das Stigma, der “Apple” der verdampfenden Welt zu sein, vor allem wegen des einzigartigen Designs und der erstaunlichen Eigenschaften – all das zusammen macht sie zu einem der besten Vapes der Welt.

Und ein Vorteil gegenüber dem Davinci IQ ist, dass der PAX wachstumsverträglich ist.

Es gibt keinen besseren Weg, diesen Weed Vaporizer darzustellen, als unglaublich intelligent. So verfügt er beispielsweise über eine Lip-Sensing-Technologie, und wenn er sich Ihrem Mund nähert, beginnt die Erwärmung bereits, die Effizienz zu steigern. Wenn Sie den Vaporizer von Ihren Lippen wegnehmen, kühlt er sich automatisch ab.

Sie erhalten auch eine App mit PAX 3 und können das Gerät problemlos mit Ihrem Smartphone verbinden.

4. ARIZER SOLO 2
Es ist sicher zu sagen, dass die Solo 2 ist ein Umbau der früheren Modelle von Arizer, und es ist auch das größte Modell auf der Liste.

Tatsächlich ist es einer der größten und besten Trockenkrautverdampfer auf dem Markt, aber es nimmt dem Vaping-Erlebnis nichts ab. Was die Leistung betrifft, so kann man dem Solo 2 nichts wegnehmen.

Es sei darauf hingewiesen, dass Arizer einige neue Funktionen hinzugefügt hat, während das LED-Display effizienter und einfacher zu bedienen ist. Ein weiterer Vorteil ist, dass beim Kauf eines Solo 2 keine Wartung erforderlich ist.

Wenn Sie den Solo 2 mögen, aber ihn für etwas zu groß halten, können Sie die kleineren Modelle Air 2 und AirGo ausprobieren. Für diejenigen, die die meiste Zeit zu Hause vapeeren möchten, ist dieser Vaporizer definitiv für die Session geeignet.

5. FIREFLY 2
Wenn Ihnen Ihre Einzelsitzungen gefallen und Sie fanatisch sind, wenn es darum geht, den perfekten Geschmack zu erzielen, ist der Firefly 2 ein Muss (lesen Sie unsere vollständige Rezensions- und Preisliste).

Dank der speziellen Art und Weise, wie das Kraut erhitzt wird (Konvektionsheizung), gibt es keinen direkten Kontakt.

Das bedeutet, dass Sie jetzt einen Zug nehmen und den Rest für später belassen können, was kein typischer Vorteil für Trockenpflanzenverdampfer ist.

Ein weiteres Element, das den unglaublichen Geschmack noch verstärkt, ist der hochwertige Glasdampfweg. Außerdem ist der Vaporizer wachskompatibel und das Design ähnelt dem vertrauten Gefühl einer Pfeife oder Schale.

Das Coachella-Erlebnis: Kalifornische Hitze und tausendjährige Kälte

In Glastonbury beten Sie, dass der Boden austrocknet; in Coachella besprühen Traktoren den Wüstenboden mit Wasser, um ihn zu befeuchten. Es ist einer der vielen Momente der Verrücktheit auf Amerikas führendem Musikfestival, das auf dem üppigen Gras eines Polofeldes in einer brennenden kalifornischen Wüste spielt – etwas, worauf ressourcenarme zukünftige Generationen ihre Fäuste schütteln werden.

Die Urinale sind aus Porzellan und der Mozzarella aus Büffel. Die ethnisch vielfältige, homogen junge Menge ist außerordentlich höflich, schön und nüchtern; überall, wo man sich hinsetzt, lacht jemand für Instagram performativ #gesegnet, obwohl die Eitelkeit viel ehrlicher und charmanter ist, als man denkt. Die 1975er Performance mit einem leuchtenden Rechteck – ein totemisches Bild für diese Generation im Hochformat – ist sanft und liebevoll satirisch: Frontmann Matt Healy ist dem Ego eindeutig genauso verpflichtet wie jeder andere hier.

Zuvor auf der Hauptbühne hat Kacey Musgraves einen Platz zur goldenen Stunde, was den Titel ihres Grammy-Gewinn-Albums widerspiegelt. Sie ist am besten darin, den gefühlvollen Soft Rock von Nicolette Larson oder Carly Simon zu kanalisieren, wie am wunderschönen Lonely Weekend – aber als Showperson kämpft sie. Ein wenig hin und her Chanten mit der Menge ist verwirrt, und ihr laues politisches Geplänkel darüber, dass wir in einer “verrückten Arschwelt” leben, ist feige in seiner mangelnden Spezifität.

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Kein Problem für Janelle Monáe, die später stolz ihre Königin ankündigt und uns sagt, wir sollen “einen Scheiß darauf geben, diese Regierung zu verärgern”. Mit den gelegentlichen Lücken in ihrem Songwriting, die mit majestätisch schweren Arrangements und Janet Jackson-channierenden Tanzbewegungen überzogen sind, wird sie ihrer bombastischen Öffnung gerecht: Auch Sprach Zarathustra, gefolgt von der Unabhängigkeitserklärung.

Es gibt auf Schritt und Tritt mehr Qualität, darunter zwei gleichzeitige Geschmacksrichtungen der eurasischen Hauteur: Die russische DJ Nina Kraviz liefert eine hämmernde Live-Show, die inmitten eines traumhaft bewegten Wohnzimmers spielt, während die Schauspielerin und Sängerin Charlotte Gainsbourg im nächsten Zelt fesselnde, emotional unlesbare Kältewellen spielt. Und mit großen Rap-Namen wie YG, die später am Wochenende auftreten werden, werden auch die Außenbereiche des Genres erkundet.

“Ich war viel zu hoch, bevor ich hierher kam”, frets Jpegmafia, der sich auch darüber beschwert, “heiß und alt” zu sein – aber sein brillantes Set, irgendwo zwischen Sheck Wes und Death Grips, ist voller Longenenergie.

Noch besser ist Tierra Whack, deren beißende Tracks alles von toten Hunden bis hin zu Cholesterin beklagen; ihrer wackeligen Tapferkeit steht ein melancholisches, leicht verletztes Temperament gegenüber.

Die Mädchengruppe Blackpink, die auf der Sahara-Bühne im Tunnelformat auftritt, ist die erste K-Pop-Performerin von Coachella überhaupt. Die Produzenten mit ihren Pop-Reggae-, Reggaeton- und EDM-Behandlungen folgen eher, als sie zu führen, aber die Gruppe selbst ist charismatisch – besonders Jennie Kim, deren laszives Rappen ihr zu Recht eine riesige Solo-Nummer einbringt…. Solo.

Headliner der Hauptbühne ist Childish Gambino, der musikalische Arm des Kulturpolymaten Donald Glover. Es ist ein wenig reich, um allen zu sagen, dass sie ihre Kamerahandys weglegen sollen, und dann jemanden die ganze Show mit einer Kamera verfolgen zu lassen, aber es erzeugt ein Gefühl von Theater auf den großen Bildschirmen. Dieses Theater wird weiterhin als Gemeinschaftsprojekt mit einem Mann in der Menge geteilt, um den Abschnitt “Einführung der Band” zu untergraben (und vielleicht einen Mittelfinger an Philip Anschutz, CEO von Coachellas Promoter AEG, der gegen legales Marihuana gekämpft hat).

Diese Japes sind in der ersten Halbzeit dringend nötig, wenn seine Tracks zwischen wissentlichem Ersatz und sub-Sly Stone Funk-Odysseen wechseln. Ein Ausbruch von Gnarls Barkley’s Crazy zeigt seinen Mangel an Songwriting-Choops und wird von fehleräugigem Jitterbugging begleitet. Diese unterschriebenen Tracks können wie eine ironische Pose wirken, die Arbeit von jemandem, der durch Anführungszeichen tanzt. Aber dieses Gefühl schmilzt weg, als sein A-Qualität Material ankommt. Ein neuer Track, eine harte Electropop-Nummer über das Leuchten im Dunkeln, klingt nach einem todsicheren Hit, gefolgt von dem bösartig flotten This is America, dem verbal geschickten V. 3005 und dem ewig klassischen Redbone, dessen Chor “stay wake” das zentrale politische Credo für Coachellas Jahrtausende bleibt.

Mit seinen $425-Tickets – $999 für VIPs – werden viele heulen, dass Coachella ein Spielplatz für die Reichen ist, aber man kann zumindest sehen, wo das Geld ausgegeben wird: ein Olafur Eliasson-aping Spiralregenbogenweg, ein riesiges Raumschiff mit Hippos und, was noch wichtiger ist, ein relativer Mangel an dem seelenraubenden Branding, das die Plagen vieler britischer Festivals kennzeichnet. Coachella ist nach wie vor die begehrteste Selfie-Destination der Welt – aber auch eine Bestandsaufnahme der globalen Pop-Szene, wie sie nur wenige ihrer Kollegen durchführen.

Nick Cave:’Vielleicht muss Rockmusik für eine Weile sterben

Er gilt als einer der letzten Verteidiger des Rock’n’Roll: Schausteller, Ikone, Innovator. Aber der Musiker Nick Cave hat Verleumdungen über die Zukunft des belagerten Genres geäußert, da es sich einer Post-#MeToo-Rechnung mit seinem Erbe des schlechten Verhaltens gegenübersieht.

Ein Fan schrieb an Caves Website, die Red Hand Files, um zu fragen, wie er sich über “den aktuellen Trend, die Mängel des persönlichen Verhaltens eines Künstlers und der von ihm geschaffenen Kunst zu verbinden und anhand dieser Kriterien festzustellen, ob diese Werke beschädigt sind und deshalb in die Mülltonnen verbannt werden oder nicht” fühlte.

Was bedeutete es für die Zukunft der Kunst, schrieben sie: “Wenn wir erwarten, dass unsere Künstler, die uns helfen, die menschliche Erfahrung gemeinsam zu erforschen und zu verstehen, moralisch vollkommen und unantastbar sind”?

Cave, der die moderne Rockmusik als “von einer Art Müdigkeit und Verwirrung und Schwäche geplagt” beschreibt, deutete an, dass “der neue moralische Eifer, der auf unsere Kultur übergeht, tatsächlich eine gute Sache sein könnte”.

fuhr er fort: “Zeitgenössische Rockmusik scheint nicht mehr die Kraft zu haben, mit diesen Feinden der Imagination, diesen Feinden der Kunst zu kämpfen – und in dieser gegenwärtigen Form ist Rockmusik vielleicht nicht mehr rettenswert. Der Permafrost des Puritanismus könnte das Gegenmittel für die Müdigkeit und Nostalgie sein, die ihn erfasst.”

Mit der Zeit hoffte er, dass diese durch den “Moralismus” induzierte Keulung bedeuten könnte, dass eine “wilde, gefährliche und radikale Form der Musik ihren Weg durch das Eis, die entblößten Zähne und den Rock’n’Roll zurück zum Geschäft der Übertretung finden kann”, eine Kraft, die er als “grundlegend für die künstlerische Phantasie beschrieb, weil die Phantasie mit dem Verbotenen zu tun hat”.

Nach Vorwürfen gegen Ryan Adams, der posthumen kulturellen Abrechnung mit Michael Jacksons angeblicher Pädophilie und den laufenden Prozessen gegen die R&B-Sängerin R Kelly, die beschuldigt wird, Dutzende von Frauen über mehrere Jahrzehnte hinweg missbraucht zu haben (Vorwürfe, die er geleugnet hat), haben Fans und Kritiker mit der Debatte darüber gerechnet, ob man die Kunst vom Künstler trennen kann und ob schlechtes Verhalten ein wesentlicher Bestandteil des künstlerischen Talents ist.

In seinem Brief schrieb Cave: “Es ist der Künstler, der über die akzeptierten sozialen Grenzen hinausgeht, der Ideen zurückbringt, die ein neues Licht darauf werfen, was es bedeutet, lebendig zu sein. Das ist in der Tat die Pflicht des Künstlers – und manchmal wird diese Reise von einem gewissen lasterhaften Verhalten begleitet, besonders im Rock’n’Roll. Tatsächlich ist die Natur des Rock’n’Rolls löslich.”

Cave hat sich noch nie mit den dunkleren Elementen seines eigenen Hintergrunds beschäftigt. Im Alter von 19 Jahren erfuhr er vom Tod seines Vaters, während seine Mutter ihn wegen eines Einbruchs aus dem Gefängnis holte. Er war offen für seinen früheren Heroinkonsum und machte sich einen Namen, indem er Texte schrieb, die Sex, Gewalt und Verdammnis mit einem karikaturhaften, exzessiven Ansatz erkunden.

Er fügte einen Vorbehalt hinzu: “Manchmal ist das Verhalten eines Individuums rein bösartig, und das muss sicherlich als das bloßgestellt werden, was es ist – und wir müssen eine persönliche Entscheidung treffen, ob wir uns mit seiner Arbeit beschäftigen oder nicht.”

Nick Cave zeigt uns einen neuen, sanfteren Weg, das Internet zu nutzen.
Russell Cunningham.
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Figuren, die Cave als “Absicht, Kreativität zu ermorden” identifiziert hat, könnten “einem Zweck dienen” bei dem, was er als “diese deprimierende Zeit im Rock’n’Roll” bezeichnet hat”, schrieb er. “Vielleicht muss die Rockmusik für eine Weile sterben, damit daraus etwas Mächtiges, Subversives und wirklich Monumentales entstehen kann.”

Im Januar 2018 gab das Consumer Insights Unternehmen Nielsen bekannt, dass Hip-Hop erstmals in der Musikgeschichte den Rock als beliebtestes Musikgenre der USA übertroffen hat. Sieben der 10 beliebtesten Alben des Jahres 2017 waren Rap-Platten.

Im November wurde ein weiterer Brief von Caves Red Hand Files viral, in dem er auf einen Fan antwortete, der nach den Erfahrungen von Cave mit der Trauer nach dem Tod seines 15-jährigen Sohnes Arthur im Jahr 2015 fragte. “Trauer ist die schreckliche Erinnerung an die Tiefen unserer Liebe, und wie die Liebe ist Trauer nicht verhandelbar.”

Cave ist mit seiner Conversations With Nick Cave Veranstaltungsreihe auf Tour, in der er Fragen des Publikums beantwortet und improvisierte Lieder am Klavier spielt. Die britische Etappe der Tour beginnt am 15. Juni in Cardiff.

Der ultimative Guide für aufblasbare Pools

Wenn Sie die Idee der Entspannung in Ihrem eigenen Spa lieben, aber nicht etwas so Dauerhaftes wie ein Standard Whirlpool wollen, ist ein aufblasbarer Whirlpool die perfekte Lösung. Sie können eine fast überall in der Wohnung mit einem nahegelegenen Steckdosenanschluss aufstellen, auch in Innenräumen oder auf Ihrem Campingplatz.

Aufblasbare Spas haben nicht alle die gleichen Eigenschaften wie Standard-Spas. Während sie heißes, sprudelndes Wasser liefern, haben die meisten keine Wasserstrahlen, und sie können dich nicht in die 1980er Jahre zurückbringen. Erfahren Sie genau, wofür Sie sich anmelden, bevor Sie Ihre Luftpumpe auspacken.

Kauf eines outdoor pool
Wenn Sie ein Vermieter mit einer traurigen, leeren Terrasse sind, jemand mit einer fertigen Garage, die etwas Aufregung braucht, oder Sie wollen einfach nur die Möglichkeit, in einen Whirlpool zu tauchen, ohne die Bank zu brechen, möchten Sie vielleicht einen aufblasbaren Whirlpool kaufen.

Sie bieten im Wesentlichen das gleiche Erlebnis wie ein Standard-Spa, ohne dass dauerhafte Änderungen an Ihrem Zuhause oder Eigentum erforderlich sind. Du solltest in der Lage sein, einen für weniger als 1.000 Dollar zu finden. Sie sind sogar so einfach einzurichten, dass Sie es wahrscheinlich alleine schaffen werden, solange Sie den Whirlpool tragen können, wenn er leer ist.

Wichtige Merkmale des aufblasbaren Whirlpools
Tragbare Spas werden aus dickem Vinyl und nicht aus hartem Acryl hergestellt, aus dem die meisten Standard-Spas hergestellt werden. Sie werden auch nicht die gleiche Wäscheliste von Glocken und Pfeifen auf aufblasbaren Whirlpools finden, wie bei Premium-Spas, aber ein paar Dinge sind einen engen Vergleich wert, bevor Sie kaufen.

Kapazität
Aufblasbare Whirlpools sind in zwei, vier oder sechs Personen erhältlich. Allerdings sind sie in der Regel eng anliegend. Wenn Sie etwas Wackelraum für Badende wünschen (und Sie haben Platz in Ihrem Budget), erwägen Sie, die Größe zu bestimmen.

Bedienfeld
Tragbare Spas verfügen über einfache digitale Bedienfelder mit einer einfachen LED-Anzeige und einigen Tasten zum Einstellen von Einstellungen wie Temperatur, Düsen ein- und ausschalten und einem Timer für die Heizung.

aufblasbare hot-tub-steuertafel
Wenn Sie einkaufen, denken Sie daran, zu überprüfen, ob das Bedienfeld von Ihrem Whirlpool aus zugänglich ist. Niemand will aussteigen und über die Pumpe gehen, nur um die Heizung wieder einzuschalten, aber einige aufblasbare Spas erfordern, dass Sie genau das tun.

Hartwassersystem
Dies ist ein zusätzliches Merkmal des Filtersystems in einigen aufblasbaren Spas. Es kann helfen, Kalkablagerungen und Ablagerungen in Ihrem Whirlpool zu verhindern oder zumindest zu minimieren. Es ist jedoch kein Ersatz für die richtige Aufrechterhaltung der richtigen Wasserchemie.

Heizungen
Natürlich kann man einen Whirlpool ohne Wärme nicht haben. Wie heiß sollte ein heißes Rohr sein? Dabei folgen traditionelle und tragbare Spas dem gleichen Standard. Die maximale sichere Temperatur für beide ist 40°C (104°F).

Grundlage dafür ist eine Empfehlung der Consumer Product Safety Commission (CPSC) über versehentliches Ertrinken und Hitzschlag in zu heißem Thermalwasser.
Pumpen
Dies ist eine der wichtigsten und arbeitsintensivsten Komponenten in Ihrem aufblasbaren Whirlpool-Setup. Die Pumpe ist es, die das Wasser zirkuliert, und sie hat ein eingebautes Gebläse, um Ihren Whirlpool aufzublasen und die Düsen zu betreiben.

Die Pumpe und der Heizer sind typischerweise in einem Behälter untergebracht, der geschlossen ist, um zu vermeiden, dass elektrische Komponenten Wasser ausgesetzt werden. Die meisten aufblasbaren Whirlpools platzieren das Bedienfeld auf der Oberseite des Pumpengehäuses.

Typischerweise verfügen sie über ein 120-Volt-Kabel mit integriertem Erdschluss-Schutzschalter (GFCI), um Stromschläge zu vermeiden. Auf diese Weise können Sie jede beliebige Innen- oder Außensteckdose anschließen. Wegen des Stromverbrauchs werden Sie wahrscheinlich sicher sein wollen, dass es das Einzige ist, was auf dem zugewiesenen Schalter ist, damit der Schalter nicht umkippt, während Sie Ihr Spa genießen.

Form
Fast alle tragbaren Spas sind rund, aber Sie werden auch ein paar quadratische Modelle auf dem Markt finden. Während es möglicherweise keine Deal-Breaking-Funktion ist, können Sie feststellen, dass quadratische Modelle und die Zwei-Personen-Ruderboot-Stil Hot Tubs haben ein wenig mehr Beinfreiheit für Badegäste. Natürlich hängt der Platz auch davon ab, wie viele Badegäste Sie gleichzeitig im Spa haben.

Abdeckung
Wenn Sie einen aufblasbaren Whirlpool kaufen, wird er mit einer eigenen Abdeckung geliefert. Einige kommen sogar mit zwei oder drei Arten von Abdeckungen. Je nach Spa-Modell, das Sie wählen, kann die Hülle aus Leder, aufblasbar und isoliert, eine Wärmedecke oder eine Kombiabdeckung mit aufblasbarem Innenleben sein, so dass Sie nur eine Abdeckung haben, um Wärme zu speichern und Ihren Whirlpool zu schließen.

Die Qualität dieser Abdeckungen erstreckt sich auch über den Bereich. Die gute Nachricht ist, dass Sie nicht sofort auslaufen und eine Abdeckung kaufen müssen, besonders wenn Sie Ihren Spa nicht langfristig in Betrieb halten.

Die noch besseren Nachrichten sind, dass Sie im Nachrüstmarkt Whirlpoolabdeckungen für aufblasbare Whirlpools kaufen können, so dass das Upgrade einfach ist.

Jets
Mit der seltenen Ausnahme haben aufblasbare Whirlpools in der Regel 100 bis 200 Luftdüsen. Standard-Spas haben Düsen, die starke Wasserströme ausstoßen, manchmal in Kombination mit Luftdüsen.

Wenn Wasserstrahlen für Sie ein absolutes Muss sind, achten Sie auf diese Funktion. Eine Marke von aufblasbaren Whirlpools verfügt über vier Wasserdüsen. Dies ist weitaus weniger als ein herkömmlicher Whirlpool aufgrund des Leistungsunterschieds, aber sie bieten eine Vielzahl von Möglichkeiten.

Dies sind die besten Genres der Musik, die man hören kann, während man studiert

Musik zum Hören während des Studiums

Die bevorzugte Lernumgebung jedes Einzelnen ist anders.

Einige leben in ruhigen Bibliotheken ohne einen interessanten Klang, Geruch oder Blick, der von der anstehenden Aufgabe ablenkt. Andere lieben es, in einem geschäftigen Café zu sein, damit sie wirklich in die Zone kommen können.

Der Soundtrack Ihrer Studiensitzung ist eine wichtige Entscheidung. Für viele kann Musik die Nerven beruhigen, helfen, sich zu konzentrieren und die Motivation zu steigern, indem sie ihre Stimmung verbessert. Es kann Ihre Fähigkeit, sich zu merken, Probleme zu lösen und Trends vorherzusagen, beeinträchtigen.

In einer Studie wurde den Grundschülern gezeigt, dass sie bei bestimmten Aufgaben besser abschneiden als ohne Musik. Aber nicht alle Genres sind gleich. Wissenschaftler raten, dass Musik, die während des Studiums gehört wird, keine Texte enthalten sollte und mit moderater Lautstärke gespielt werden sollte.

Also, welches ist das beste Genre für dich?

Klassisch

Viele Studien haben inzwischen einen Zusammenhang zwischen klassischer Musik und der Verbesserung der kognitiven Fähigkeiten gezeigt.

Berühmt als “der Mozart-Effekt” bezeichnet, sagen viele, dass das Hören von Mozart Sie tatsächlich klüger macht. Das ist zwar nicht ganz richtig, aber mindestens eine Studie hat gezeigt, dass das Hören von Mozarts Stücken die räumliche Argumentation für 10 bis 15 Minuten verbessern kann.

Eine viel zitierte Studie der Stanford University ergab, dass sich die Aufmerksamkeit des Gehirns deutlich verbesserte, nachdem die Teilnehmer die Musik eines obskuren Komponisten des 18. Jahrhunderts gehört hatten.

Forschungen des Duke Cancer Institute haben gezeigt, dass das Hören von klassischer Musik auch Schmerzen und Ängste reduzieren kann.

Jazz

Als ein weiteres potenziell entspannendes Genre ohne Texte ist Jazz eine weitere Wahl für diejenigen, die weniger an Mozart oder Beethoven interessiert sind.

Laut William R. Klemm, einem Seniorprofessor für Neurowissenschaften an der Texas A&M University, ist das Hören von Jazz wegen seiner stresslösenden Fähigkeiten gut für das Studium. Stress, erklärt er, “ist der Erzfeind der Gedächtnisleistung.”

Jazz wurde auch mit der Förderung der Kreativität verbunden. Auf YouTube findest du viele studienfreundliche Jazz-Playlists.

Weltmusik

Weltmusik ist eine alternative Option.

Laut Ratschlägen der University of Nevada, Reno, “Native American, Celtic, Indian Stringed-Instrumente, Trommeln und Flöten sind sehr effektiv, um den Geist zu entspannen, selbst wenn sie mäßig laut gespielt werden”.

Hintergrundgeräusche

Obwohl keine technische Musik, ist das Hören von weißen oder anderen Hintergrundgeräuschen wie Wellen oder Naturgeräuschen eine bevorzugte Lösung für viele, die durch jede Art von Musik abgelenkt werden, aber auch nicht mit Hintergrundgeräuschen umgehen können.

Forscher vom University College London fanden 2010 heraus, dass die Fähigkeit von Introvertierten, Aufgaben wie Leseverständnis, mentale Arithmetik und Prosa-Rückruf durchzuführen, durch Hintergrundmusik oder Bürolärm behindert wurde.

Wenn du das also bist, solltest du dich wahrscheinlich am besten von den Wellen beruhigen lassen, um zu lernen.

5 Arten von Musik, die Sie bei der Arbeit hören sollten

piano

Musik hat die Möglichkeit, durch leere Ecken zu dringen und Umgebungen mit Substanz zu füllen. Es kann dir helfen, dich zu entspannen, dich in Tränen aufgewühlt zu fühlen oder dich lebendig zu fühlen. Aber kann es dich produktiver machen?

Wir verwenden Musik, um den Ton unserer Umgebung und unserer Stimmung zu bestimmen, egal ob wir uns nach der Arbeit entspannen oder eine Party schmeißen. Aber in einer Zeit, in der viele von uns ihre Zeit damit verbringen, auf einen Computerbildschirm zu starren, ist Musik auch zu einem Fluchtweg vor äußeren Ablenkungen oder langweiligen Aufgaben geworden.

Wie nützlich ist Musik also, wenn es darum geht, sich auf Ihre Arbeit zu konzentrieren?

Werfen wir einen Blick auf die Wissenschaft hinter Musik und Produktivität.

Macht Musik Sie produktiver?

Teresa Lesiuk, Assistenzprofessorin im Musiktherapieprogramm der University of Miami, forscht über die Wirkung von Musikhören auf die Arbeitsleistung. Laut Dr. Lesiuks Forschung erledigten diejenigen, die Musik hörten, ihre Aufgaben schneller und hatten bessere Ideen als diejenigen, die es insgesamt nicht taten.
Aber es gibt einige Arten von Musik, die die Produktivität beeinträchtigen. Mehrere Studien haben gezeigt, dass populäre Musik das Leseverständnis und die Informationsverarbeitung beeinträchtigt.
Basierend auf diesen Studien kann sich Musik dann positiv auf Ihre Arbeit auswirken. Die Auswirkungen auf die Produktivität hängen jedoch von der Situation und der Art der Musik ab.
Es ist zwar kein Einheitsszenario, aber es gibt bestimmte Arten von Musik, die man besser hören kann, während man arbeitet. Betrachten wir ihre Auswirkungen und wie sie sich auf Sie auswirken.

Welche Art von Musik funktioniert?

1. Klassische Musik.

Wenn wir an klassische Musik denken, kommen uns Komponisten wie Bach, Vivaldi und Händel in den Sinn. In einer Studie fanden sieben von acht Radiologen heraus, dass Barockmusik die Stimmung und Konzentration auf ihre Arbeit erhöhte. Wenn Sie wissen wollen, wo Sie anfangen sollen, probieren Sie Vivaldis Schnelltempo “Vier Jahreszeiten” oder Bachs Brandenburgisches Konzert.

2. Naturmusik.

Das Hören auf die Geräusche der Natur kann die kognitive Funktion und Konzentration verbessern. Beruhigende Geräusche wie fließendes Wasser, Regenfälle und raschelnde Blätter funktionieren gut, während rasselnde Geräusche wie Vogelstimmen und Tiergeräusche störend sein können.

3. Epische Musik.

Epische Musik kann einem das Gefühl geben, etwas Großartiges zu tun, um die Welt zu verändern. Es befähigt und hebt dich auf. Wenn Sie sich also während Ihrer Arbeit müde und uninspiriert fühlen, versuchen Sie, epische Musik zu hören, um Ihnen den zusätzlichen Motivationsschub zu geben.

4. Videospielmusik.

Musik aus Videospielen ist eine gute Wahl, da die Kompositionen speziell darauf ausgelegt sind, Ihr Spielerlebnis zu verbessern. Schließlich ist es ziemlich entscheidend, dass du diesem Feuer ausweichen oder dich geschickt durch Horden von Feinden manövrierst. Probieren Sie zunächst den Bastion-Soundtrack oder einen der SimCity-Soundtracks, um nur einige zu nennen.

Andere Arten von Musik

Es gibt eine Reihe anderer Arten von Musik, die Sie während der Arbeit hören können, wie Meditationsmusik, Blues oder Jazz, um nur einige zu nennen. Wenn Sie nur Ihre gesprächigen Mitarbeiter oder den nahegelegenen Drucker loswerden wollen, verwenden Sie “weißes Rauschen”, um sie auszugleichen.

Experimentieren Sie und sehen Sie, was funktioniert. Weich und weich kann Ihnen helfen, sich auf Ihre Arbeit zu konzentrieren, während ein energiereiches Stück Sie motivieren kann.

Und natürlich gibt es Zeiten, in denen Stille golden ist.

Phronesis / Supersilent Review – abenteuerlicher Jazz bis zu 11 Jahre alt.

Musik festival

Zwei kreative, aber sehr unterschiedliche europäische Trios teilten sich am Freitag die Doppelrechnung des Londoner Jazzfestivals. Die in Großbritannien ansässige Phronesis ist Experte darin, die nuancierten Intimitäten des akustischen Pianotrio-Jazz und des percussiongesteuerten Dramas des Rock auszugleichen, während die norwegischen Elektroniker Supersilent improvisierte Klangcollagen und Rohrauschen bevorzugen. Sie drehen auch gerne ihre Überlegungen auf 11 hoch, wie einige wenige flüchtende Börsenspekulanten mit den Fingern im Ohr zeigen, so dass es eine Nacht mit starken Kontrasten war.

Phronesis spielten hauptsächlich Musik von ihrem aktuellen We Are All Album – ein rhythmischeres, weniger melodisch lyrisches Unterfangen als früher für sie, aber voller schnelllebiger Improvisationen. Es ist der Idee gewidmet, dass die zankende Menschheit vor sich selbst – und dem Planeten damit – gerettet werden könnte, wenn sie das Einfühlungsvermögen kultivieren würde, das improvisierende Musiker notwendigerweise haben – aber diese gewichtige Agenda hat die übliche Aufregung der Band nie unterdrückt.

Jasper Høibys muskulöses Kontrabass-Intro verwandelte sich in den unerbittlichen Haken für Breathless, den der Pianist Ivo Neame spiegelte, in einer Gegenmelodie abfragte und dann zu einer Abschöpfung der Improvisation beschleunigte, die, wie sein Spiel oft ist, an den verstorbenen John Taylor erinnert. Der bemerkenswerte Schlagzeuger Anton Eger begann mit einem metallischen Kribbeln der Pinselarbeit, entfesselte dann sein Rennen der ewigen Bewegung um das Kit und etablierte eine sich ständig verändernde rhythmische Kulisse statt eines Grooves. Eine aufsteigende Klavierfigur über tief hämmernden, gestrichenen Bassklängen stellte The Edge vor, das sich zu einem schnellen und perkussiven Drei-Wege-Gespräch beschleunigte. Matrix für DA war ein nervöses, mustertauschendes Rhythmusspiel, Phraternal (ab 2014’s Life to Everything) das anmutige Gegenteil. Phronesis’ 10-jähriges Werk wächst eindrucksvoll weiter.

Die erste Hälfte des Gigs gehörte zu Supersilent, mit seiner ursprünglichen Besetzung von Trompeter Arve Henriksen, Key-Player Ståle Storløkken und Elektroniker Helge Sten (AKA Deathprod). Ihre heftigsten elektronischen Angriffe von paukenartig donnerndem und flugzeugtechnischem Gebrüll sahen einige Zuhörer ab, aber die klangliche Vielfalt war dennoch beträchtlich – von Henriksens Trompetenmischung aus dampfförmigen Seufzern und silbrig-jazzförmigen Kaskaden und seinen geheimnisvollen, jungen Soprangesängen über Storløkkens Fender Rhodes-ähnliche Untermauerung bis hin zu Stens perkussiven Klanglandschaften.

Unibet unter der Lupe betrachtet

Schwarze Schafe tummeln sich im Internet leider nach wie vor genug. Auf welchen Anbieter kann man wirklich vertrauen und welche Portale sind Portal Betrug, die darauf angelegt sind, sich an Ihrem Finanziellen zu bereichern?
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Was sind binaurale Beats und wie funktionieren sie?

Wie funktionieren binaurale Beats? Vorteile der binauralen Beat-Therapie Wie verwendet man binaurale Beats Gibt es Forschung zur Unterstützung der binauralen Beats-Therapie?

Mitnahme
Die Binaural Beats Therapie ist eine neuartige Form der Schallwellentherapie, bei der das rechte und linke Ohr zwei leicht unterschiedliche Frequenztöne hören, den Ton aber als einen wahrnehmen.
Der binaurale Hörschlag, den eine Person hört, ist der Frequenzunterschied zwischen dem linken und rechten Ohr und sollte bei Frequenzen unter 1000 Hertz (Hz) liegen, damit das Gehirn den binauralen Schlag erkennt.

Wenn beispielsweise das linke Ohr einen Ton bei 200 Hz und das rechte bei 210 Hz registriert, ist der binaurale Schlag die Differenz zwischen den beiden Frequenzen – 10 Hz.

Schnelle Fakten über binaurale Beats:
Befürworter der binauralen Beattherapie vergleichen die Wirkung mit der der Meditation.
Binaural beats therapy ist eine Selbsthilfe-Audiotechnologie, die weltweit erhältlich ist.

Es gibt eine Reihe von binauralen Beats, die jeweils einen bestimmten Zweck erfüllen.

Menschen sollten die binaurale Beat-Therapie verwenden, wenn es keine Ablenkungen gibt.
Mehr Forschung ist notwendig, aber es gibt einige bestehende Forschungen, um ihre Nutzung zu unterstützen.

Wie funktionieren binaurale Beats?
Frau, die im Schneidersitz sitzt, in Lotus-Yogastellung, meditiert und dabei Kopfhörer hört.
Die binaurale Beat-Therapie erfordert, dass eine Person für eine bestimmte Zeitspanne verschiedene Klangfrequenzen hört, ohne Ablenkungen und in einem angenehmen Raum.
Untersuchungen haben gezeigt, dass sich das Erregungsniveau ändert, wenn eine Person binaurale Beats für eine empfohlene Zeit hört.

Forscher glauben, dass diese Veränderungen auftreten, weil die binauralen Beats bestimmte Systeme im Gehirn aktivieren. Ein Elektroenzephalogramm (EEG), das die elektrische Gehirnaktivität von Menschen aufzeichnete, die binaurale Beats hören, zeigte, dass die Wirkung auf den Körper einer Person je nach verwendetem Frequenzmuster variierte.

Zu den vier bekannten Kategorien von Frequenzmustern gehören:

Delta-Muster: Binaurale Beats im Delta-Muster werden auf eine Frequenz zwischen 0,1 und 4 Hz eingestellt, was mit einem traumlosen Schlaf verbunden ist.
Theta-Muster: Binaurale Beats im Theta-Muster werden auf eine Frequenz zwischen 4 und 8 Hz eingestellt, die mit dem Schlaf in der schnellen Augenbewegung oder REM-Phase, Meditation und Kreativität verbunden ist.
Alpha-Muster: Binaurale Beats im Alpha-Muster werden auf eine Frequenz zwischen 8 und 13 Hz eingestellt, was die Entspannung fördern kann.
Beta-Muster: Binaurale Beats im Beta-Muster werden auf eine Frequenz zwischen 14 Hz und 100 Hz eingestellt, was die Konzentration und Wachsamkeit fördern kann. Diese Frequenz kann jedoch auch die Angst am oberen Ende des Frequenzbereichs erhöhen.
Vorteile der binauralen Beat-Therapie
Geschäftsmann im Zug, hört Musik und schaut nach draußen, während er sich entspannt.
Binaural schlägt Therapie wird in erster Linie zur Behandlung von Angst und Stress eingesetzt, kann aber auch die Konzentration und Motivation verbessern.
Mögliche Vorteile sind unter anderem:

Der Zweck der binauralen Beat-Therapie kann von Mensch zu Mensch unterschiedlich sein. Einige Menschen brauchen vielleicht Hilfe, um ihre Angst zu verringern, während andere ihre Konzentration erhöhen oder ihr Meditationsniveau vertiefen wollen.

Welchen Nutzen hat Musik für das Gehirn?
Welchen Nutzen hat Musik für das Gehirn?
Musik kann das Gehirn auf eine wirklich tiefgreifende Weise beeinflussen. Erfahren Sie hier mehr darüber, wie dieser Prozess funktioniert und wie der Verstand die Geräusche interpretiert.

JETZT LESEN
Wie man binaurale Beats verwendet
Um binaurale Beats zu hören, benötigt eine Person ein Paar Stereo-Kopfhörer und einen MP3-Player oder ein anderes Musiksystem.

Vermeiden Sie die Verwendung von binauralen Beats-Therapie, während Sie Aufgaben übernehmen, die Wachsamkeit und volle Aufmerksamkeit erfordern, wie z.B. Fahren. Eine Person wird es brauchen:

15-30 Minuten Hörzeit
ein ruhiger und entspannter Ort zum Zuhören
Stereo-Kopfhörer, da jedes Ohr die Klänge in einer anderen Frequenz hört.
Geduld
Die Therapeutin und Lebensberaterin Deb Smith empfiehlt, dass die Menschen die Therapie für 15-30 Minuten täglich für 30 bis 45 Tage praktizieren sollten, um die volle und maximale Wirkung der binauralen Beattherapie zu erzielen.

Smith empfiehlt, dass eine Person, sobald sie diese Ersttherapie abgeschlossen hat, diese weiterhin regelmäßig als Teil einer Pflegepraxis wie Meditation und Yoga verwenden sollte.

Gibt es Forschung zur Unterstützung der binauralen Beat-Therapie?
Schallwellen auf dem Bildschirm.
Studien haben gezeigt, dass die binaurale Beat-Therapie helfen kann, Angst zu reduzieren.
Eine kleine Studie mit 19 Teilnehmern, die von Dr. Vincent Giampapa durchgeführt wurde, ergab, dass die Verwendung der binauralen Beat-Therapie im Alpha-, Theta- und Deltamuster positive Auswirkungen auf den menschlichen Körper hatte. Dr. Giampapa fand heraus, dass diese binauralen Beats die Produktion der Hormone Cortisol, DHEA und Melatonin verbessert haben.

Seine Forschungen zur binauralen Beattherapie wurden gefunden:

Auswirkungen auf DHEA: Das Hormon DHEA beeinflusst, wie eine Person altert und Krankheiten widersteht; höhere DHEA-Werte sind mit einer verbesserten Gesundheit verbunden. In dieser Studie stellte Dr. Giampapa fest, dass 68 Prozent der Teilnehmer den DHEA-Spiegel erhöht hatten, während sie eine binaurale Beat-Therapie verwendeten.
Auswirkungen auf das Cortisol: Das Hormon Cortisol ist häufig mit Stress verbunden, und wenn der Spiegel höher als üblich ist, kann es einen negativen Einfluss auf den Körper haben. Ein hoher Cortisolspiegel kann zu einer Reihe von Erkrankungen führen, darunter Cushing-Syndrom, Menstruationszyklus und Veränderungen der weiblichen Libido, Angst und Depression. Dr. Giampapa stellte bei mehreren Studienteilnehmern eine Reduktion des Cortisols um bis zu 70-80 Prozent fest.
Wirkung auf Melatonin: Das Hormon Melatonin spielt eine Rolle im erholsamen Schlaf. Diese Studie ergab einen durchschnittlichen Anstieg des Melatonins um 97,77 Prozent.
Eine weitere Studie, die von Forschern des National College of Natural Medicine in Oregon durchgeführt wurde, bewertete acht Studienteilnehmer, die 60 Tage lang täglich eine binaurale Beat-Therapie mit Deltawellen hörten.

Die Ergebnisse zeigten einen Rückgang der Angst, des insulinähnlichen Wachstumsfaktors und des Dopamins. Auch die Teilnehmer erlebten eine Steigerung der Lebensqualität. Forscher kamen zu dem Schluss, dass, obwohl weitere Studien in diesem Bereich erforderlich sind, binaurale Beats die selbstberichtete Angst verbessern könnten.

Eine umfangreichere Studie mit über 100 Teilnehmern, die sich für einen Tag in Vollnarkose befanden, berichtete von einem Rückgang der präoperativen Angst. Die Teilnehmer dieser Studie hörten 30 Minuten binaurale Beats vor der Operation, aber die Forscher stellten fest, dass Menschen, die ein hohes Maß an präoperativer Angst hatten, binaurale Beats bis zu einer Stunde vor der Anästhesie hören konnten, um das Ausmaß der Angst zu reduzieren.

Obwohl es wenig Hinweise auf unerwünschte Nebenwirkungen der binauralen Beat-Therapie gibt, hat eine Literaturrecherche einiger aktueller Studien einige widersprüchliche Daten identifiziert, so dass weitere Untersuchungen erforderlich sind.

Mitnahme
Wie bei jeder Art von Selbsthilfe-Tool ist es wichtig, dass eine Person mit einem Arzt oder einem anderen qualifizierten Fachmann spricht, um zu sehen, ob die binaurale Beat-Therapie für sie geeignet ist.

Zu welcher Musik kann man am besten einschlafen?

Einige Menschen schlafen gerne in absoluter Stille. Andere Leute schwören, indem sie in der Nähe einer weißen Geräuschmaschine schlafen. Und dann gibt es noch eine Gruppe von Menschen, die gerne zu Musik einschlafen.

Obwohl das Einschlafen zu Musik für viele Menschen wie eine schlechte Idee klingen mag, ist es das nicht. Tatsächlich, wenn Sie zu der richtigen Musik einschlafen, können Sie Ihre Ruhe stark verbessern, die Dauer Ihres Schlafes erhöhen oder alle Symptome der Schlaflosigkeit verringern, die Sie haben können.

Musik hören kann Schlaflosigkeit helfen Schlaflosigkeit Betroffene schlafen
Obwohl das Einschlafen zur Musik jeder Person helfen kann, mit Leichtigkeit ins Traumland zu driften, haben mehrere Studien ergeben, dass Menschen, die an Schlaflosigkeit oder Schlaflosigkeitssymptomen leiden, sehr davon profitieren, Musik vor dem Schlafengehen zu hören.

Eine Studie aus dem Jahr 2015 kam zu dem Schluss, dass Musik die subjektive Schlafqualität bei Erwachsenen mit Schlaflosigkeitssymptomen verbessern könnte. Die Forschung bestand aus sechs Studien und untersuchte 314 Teilnehmer insgesamt. Jede Studie untersuchte die Wirkung, wenn man täglich 25 bis 60 Minuten lang voraufgezeichnete Musik hört. Die Teilnehmer hörten drei Tage lang und bis zu fünf Wochen lang Musik.

Eine Studie aus dem Jahr 2014 ergab auch, dass die Musiktherapie die Schlafqualität von Erwachsenen mit akuten und chronischen Schlafstörungen verbessern kann. Die Studie analysierte 10 Studien, die untersuchten, wie die Schlafqualität der Menschen durch Musik verbessert werden konnte.

Und eine ältere Studie aus dem Jahr 2008, die im Journal of Advanced Nursing veröffentlicht wurde, entdeckte, dass ruhige, klassische Musik den Menschen hilft, besser zu schlafen und auch depressive Symptome vermindert. Die Studie untersuchte 2006 drei Gruppen von Studienteilnehmern. Die Gruppen bestanden aus 94 Schülern im Alter von 19 bis 28 Jahren. Alle Schüler hatten Schlafstörungen. Gruppe 1 hörte 3 Wochen lang 45 Minuten lang entspannende Musik pro Nacht, Gruppe 2 3 Wochen lang 45 Minuten lang ein Hörbuch pro Nacht, und Gruppe 3 war die Kontrolle. Die Ergebnisse der Studie führten zu dem Schluss, dass die Entspannung der klassischen Musik helfen könnte, Schlafprobleme zu reduzieren und eine gute Behandlung wäre, die Krankenschwestern nutzen könnten, um Patienten mit Schlaflosigkeit zu behandeln.

Hören Sie entspannende, ruhige, klassische, beruhigende Musik vor dem Schlafengehen.
Jede Studie, die wir fanden, behauptete, dass “beruhigende”, “klassische”, “entspannende” oder “beruhigende” Musik die beste Musik sei, die man vor dem Schlafengehen hören könne.

So entdeckte beispielsweise eine Studie aus dem Jahr 2012, dass “Entspannungsmusik” traumatisierten Flüchtlingen mit Schlafstörungen zu einem besseren Schlaf verhilft. Nach der Methode der Studie nahmen 15 traumatisierte Flüchtlinge mit Schlafproblemen an der Studie teil. Eine Gruppe, die Interventionsgruppe, hörte entspannende Musik, die nachts durch einen Musikplayer in einem ergonomischen Kissen gespielt wurde. Die Kontrollgruppe erhielt nur das ergonomische Kissen. Forscher fanden heraus, dass die Musikgruppe eine deutlich bessere Schlafqualität hatte.

Und eine Studie aus dem Jahr 2004 ergab, dass auch ältere Erwachsene beim Hören von “beruhigender” Musik besser schlafen. Die Studie untersuchte 60 Personen im Alter von 60 bis 83 Jahren. Jeder Studienteilnehmer hatte Schlafprobleme. Die Teilnehmer listeten sechs, 45-minütige “beruhigende Musik”-Bänder nach ihrer Wahl vor dem Schlafengehen ab 3 Wochen auf. Die Studie ergab, dass das Hören von Musik den Studienteilnehmern zu einer deutlich besseren Schlafqualität verhalf. Die Teilnehmer hatten auch eine bessere wahrgenommene Schlafqualität, einen längeren Schlaf, weniger Schlafstörungen und weniger Probleme am Tag. Die Studie ergab auch, dass sich der Schlaf der Teilnehmer jede Woche verbessert. Die Musik hatte also eine “kumulative Dosiswirkung”.

Tito Capobianco, 87, bahnbrechender Direktor während des Heyday der New York City Opera, ist gestorben.

TITO CAPOBIANCO, einer der einflussreichsten Opernregisseure der 1960er und 1970er Jahre, ist gestorben. Capobianco soll am Samstag in seinem Haus in Lauderdale-By-The-Sea, Fla.

Der in Argentinien geborene Capobianco absolvierte zunächst eine Baritonausbildung und gab sein professionelles Debüt als Sänger bei einer Aufführung von Aida 1953 am Teatro Colon in Buenos Aires. In den frühen 60er Jahren war Capobianco künstlerischer Leiter des Cincinnati Opera Festival und der Cincinnati Opera, und er gab sein amerikanisches Regiedebüt mit einer Inszenierung von Carmen 1964 an der Philadelphia Grand Opera Company. Als Regisseur brachte Capobianco in der Blütezeit des Unternehmens eine unvergleichliche Cogency in unzählige Inszenierungen der New York City Opera ein – viele davon mit Beverly Sills. Zu seinen bekanntesten Werken auf der Bühne gehören legendäre Produktionen von Giulio Cesare, Donizettis Tudor-Trilogie, Mefistofele (mit Norman Treigle), Alberto Ginasteras Don Rodrigo (mit Plácido Domingo) und ein aus Cincinnati nach New York importierter Hoffmann. Capobianco debütierte 1978 an der Metropolitan Opera mit einer Thaïs-Produktion mit Beverly Sills und Sherrill Milnes. 1984 inszenierte Capobianco eine Met-Produktion von Simon Boccanegra mit Milnes in der Titelrolle.

Im Laufe seiner Karriere arbeitete Capobianco weiterhin in Filmen und Theaterstücken, im direkten Sprechtheater, im Ballett und in der Bühnenkunst. Später war er dann Generaldirektor der Opern von San Diego und Pittsburgh.

Metropolitan Opera und Gewerkschaften einigen sich auf die Präsentation von Sunday Matinee

Die METROPOLITAN OPERA gab heute bekannt, dass sie ab Herbst 2019 erstmals in der Unternehmensgeschichte eine Sonntagsmatinee präsentieren wird.

Die Verschiebung des Auftrittsplans erfolgte, nachdem die Met eine wegweisende Einigung mit den Gewerkschaften der Musiker und des Chores des Unternehmens erzielt hatte. Der Vertrag, der heute nach einem Sommer der Verhandlungen ratifiziert wurde, besteht zwischen der Geschäftsleitung der Met und Vertretern zweier ihrer größten Gewerkschaften, den Associated Musicians of Greater New York, Local 802 – die das Orchester, das Musikpersonal und die Bibliothekare des Unternehmens vertreten – und der American Guild of Musical Artists, die Chor, Sänger, Tänzer, Bühnenpersonal und Personalausführende vertritt. Das Abkommen steht noch unter dem Vorbehalt der Ratifizierung durch den AGMA-Gouverneursrat nächste Woche.

Wie in der New York Times berichtet, plant die Met, bis zu siebzehn Sonntagsmatineen während ihrer Saison 2019-2020 und bis zu siebenundzwanzig Sonntagsmatineen in der folgenden Saison zu planen. In den Wochen, in denen die Met am Sonntag Auftritte präsentiert, werden die Montagabende dunkel sein.

Zusätzlich zur Präsentation der Sonntagsvorstellungen kündigte die Met an, dass es ab ihrer Saison 2020-21 eine weitere Umstrukturierung des Leistungsplans geben werde, um eine Mittwinterpause zu ermöglichen. Das Unternehmen wird die Aufführungen von Februar, einer Zeit, in der traditionell weniger Menschen die Oper besuchen, auf später im Frühjahr verlagern, so dass die Met-Saison Mitte Juni statt im Mai enden würde. Nach Angaben der New York Times wird das American Ballet Theater die Dauer seines Aufenthalts an der Met von derzeit acht auf fünf Wochen reduzieren, um die Schicht zu ermöglichen.

“Das war ein erfolgreicher Abschluss für alle Beteiligten”, sagte Met-Geschäftsführer Peter Gelb in einer heute von den Unternehmen veröffentlichten Erklärung. “Sonntagsmatineen und die zukünftige Neuausrichtung der Saison werden den anhaltenden Erfolg der Met sicherstellen. Wir sind unseren Firmenmitgliedern dankbar, dass sie diese wichtigen Veränderungen erkannt und akzeptiert haben.”

Die neue vertragliche Vereinbarung zwischen dem Unternehmen und seinen beiden größten Gewerkschaften sieht auch eine Lohnerhöhung von 3% und bescheidene Rentenleistungen vor. Darüber hinaus wurde vereinbart, dass die Mitarbeiter von Met beginnen, sich an den Kosten für das Krankenversicherungs-Leistungsprogramm von Met zu beteiligen.

Die Unternehmensleitung der Met führt weiterhin Verhandlungen mit Vertretern anderer Gewerkschaftsgruppen, deren Kontakte Ende Juli ausgelaufen sind.

Oberto Devereux

Es ist fast vierzig Jahre her, seit die Oper in San Francisco Roberto Devereux als Vehikel für die Diva Montserrat Caballé produzierte, die nur eine einzige Vorstellung des BFS sang, bevor sie wegen Krankheit abgesagt wurde. Die Rückkehr des Ensembles zu Donizettis Tudor-Drama im Herbst dieses Jahres war ein Triumph, denn die Sopranistin Sondra Radvanovsky spielte als Elisabetta in der lokalen Premiere von Stephen Lawless’ Produktion. Mit einer überschwänglichen Begleitmusik und einer meisterhaften Musikrichtung des Dirigenten Riccardo Frizza zog die Eröffnungsnacht am 8. September einen starken Zauber aus. Radvanovsky verzichtete auf den konventionellen Diva-Glamor und entschied sich, die ältere Dame in kühnen dramatischen Strichen zu verkörpern. Ihre Elisabetta erschien königlich vor ihrem Hof, wurde aber privat als gebrechliche, zitternde und rachsüchtige Frau enthüllt; Ingeborg Bernerths ausgezeichnete Kostümdesigns schilderten die Verschiebung zwischen diesen Sphären. Radvanovskys große, durchdringende Sopranistin ist treffend majestätisch, und sie sang Elisabetta mit einer hinreißenden Mischung aus stahlharter Beherrschung und ergreifender Faszination; nach ein paar Momenten verschmutzter Passagenarbeit in ihrer ersten Szene waren ihr großzügiger Ton und ihre unerschütterliche Musikalität einfach spannend zu hören. Ihre Annahme baute sich im Laufe des Abends in Intensität auf; sie schien ihre Wut allmählich wachsen zu lassen und enthüllte neue Tiefen der Emotionen, bis ihr fesselndes Arie-Finale “Vivi, undankbar” von einer atemberaubend treibenden Cabaletta bedeckt wurde.

Radvanovsky befand sich in ausgezeichneter Gesellschaft. In der Titelrolle hinterließ Tenor Russell Thomas einen unauslöschlichen Eindruck. Sein robuster Körperbau und sein klarer, ungezwungener Tenor ergaben ein leidenschaftliches Act I Duett mit Sarah, und er sang mit eleganter Linie in seiner Tower of London Arie “Come uno spirito angelico”. Als Sarah entfaltete Jamie Barton ihr samtiges, farbenfrohes Mezzo mit Schönheit und Dringlichkeit, um den Wunsch und die Qualen der Figur zu lindern. Andrew Manea’s dunkel gefärbter Bariton wurde mit Macht als Herzog von Nottingham registriert. Die gesetzlose Produktion, die erstmals 2014 an der Canadian Opera Company zu sehen war, zeigt szenische Entwürfe des verstorbenen Benoît Dugardyn, die die Handlung in eine Einheit versetzen, die dem Shakespeare’s Globe Theatre nachempfunden ist. Während der Ouvertüre bietet die Inszenierung eine Art stürmische Hintergrundgeschichte: Vitrinen zeigten die Figuren der jungen Elisabeth, flankiert von Heinrich VIII. und Anne Boleyn, und Elisabeth schickte Essex inmitten von Karten und Pappschiffen in den Kampf. Das Schema des Direktors beinhaltete eine klaustrophobische Kammer für Sarah und Nottingham und ein metallisches Gehäuse für die Turm-Szene. Lawless erwies sich auch als effektiv, wenn es darum ging, den öffentlichen Charakter der Ereignisse der Oper hervorzurufen; Ian Robertsons Chor sang durchweg mit Begeisterung und diente als Beobachter des Regimes, während die Höflinge Cecil (Amitai Pati) und Raleigh (Christian Pursell) grinsten und schleichen und wachsame Positionen einnahmen.

Frizza dirigierte eine Performance im idealen Tempo, trieb die Aktion voran und beleuchtete die wechselnden Loyalitäten, Emotionen und die schiere Brillanz von Donizettis Partitur in jeder neuen Episode. Georgia Rowe.

Ricciardo und Zoraide, Adina, Il Barbiere di Siviglia.

SINCE ERNESTO PALACIO wurde künstlerischer Leiter, und in jüngster Zeit haben sich die Produktionswerte des Rossini Opera Festivals deutlicher an die musikalische Dramaturgie von Partituren gehalten, die normalerweise unbeschnitten in sorgfältig vorbereiteten kritischen Ausgaben aufgeführt werden. Die nubischen Kulissen, die der Szenograf Gerard Gauci für die diesjährige Premiere von Ricciardo e Zoraide entworfen hat, spiegelten die nicht unerheblichen musikalischen Schönheiten der Partitur in einem Maße wider, das heutzutage selten erreicht wird. Dieses Dramma-Serio mit Happy End, das vor zweihundert Jahren für das Teatro San Carlo in Neapel komponiert wurde, erwies sich als eine anregende Wahl für ein Festival zum Gedenken an den 150. Todestag von Rossini. Das Werk wird selten wiederbelebt (es war zuletzt 1996 in Pesaro zu sehen), zum einen wegen der vokalen Herausforderungen von Hauptrollen, die für Sänger legendärer Geschicklichkeit konzipiert wurden, und zum anderen, weil das Libretto von Francesco Berio di Salsa, das neugierig aus einem vorgetäuschten heroischen Gedicht stammt, weder klar noch psychologisch ist. Der Regisseur Marshall Pynkoski unternahm keinen Versuch, diese Einschränkungen zu korrigieren, indem er eine eigene Dramaturgie überlagerte, sondern versuchte, der Aktion durch die Einführung von Ballettsequenzen (choreographiert von Jeannette Lajeunesse Zingg und aufgeführt von elf Tänzern), die nie weniger als stilvoll waren und während des bewaffneten Kampfes im Zweiten Akt für zusätzliche Spannung sorgten, bescheidener zu wirken.

Die Figur, die am 20. August am stimmigsten auftauchte, war die eifersüchtige Königin Zomira, die von ihrem Mann Agorante vernachlässigt wurde, der sich in Zoraide verliebt hat. Der russische Mezzo Victoria Yarovaya ließ jede Geste und jeden Stimmfall erkennen, obwohl die Wirkung des Textes durch eine künstliche Verdunkelung ihres unteren Registers leicht abgestumpft wurde. Gesanglich war Juan Diego Flórez seinem Besten als Ricciardo (seine elfte Rossini-Rolle) nahe, obwohl er seine Hand in der Besetzung hatte, was auf eine Verletzung hinter der Bühne einige Tage zuvor zurückzuführen war. Er lieferte die floristische Musik ohne seine frühere Unbekümmertheit, aber ohne Abstriche bei der Präzision oder musikalischen Einsicht, und obwohl ihm der passende Körperbau für die Figur fehlt – ein mutiger Kreuzritter -, freute er sich sowohl über den chaplinesken Sinn für Humor, der unerwartet auftauchte, als auch über die sinnliche Hingabe, mit der er seine Stimme mit Pretty Yende’s verflechtete. Die südafrikanische Sopranistin passte die Colbran-Rolle von Zoraide mit viel Geschick an ihre höher gelegene Stimme an, und obwohl es ihr nicht gelang, diesen eher zurückhaltenden Charakter vollständig zum Leben zu erwecken, sang sie jede Phrase der Partie mit klarer Diktion, klarem Ton und exquisiter Musikalität. Auch die Phrasierung des Basses Nicola Ulivieri als Vater von Zoraide, Ircano, machte viel Freude (obwohl er hätte älter aussehen sollen), ebenso wie die Beiträge der unterstützenden Sänger und der Chor von Ascoli Picenos Teatro Ventidio Basso. Sergej Romanowskij als Agorante vermittelte den Eigensinn des Monarchen effektiv genug und schickte die Koloratur ohne Peinlichkeit, aber seine Tonabstrahlung war zu anstrengend, um viel musikalisches Vergnügen zu bereiten. In der Ouvertüre des Orchesters Sinfonica Nazionale della RAI gab es einige schöne Solospiele, aber der Dirigent Giacomo Sagripanti ließ den Instrumentalisten nicht immer genügend Freiraum, um ausdrucksstark zu formulieren. Im Rest der Oper waren seine Begleitmusik jedoch flexibel und fertig, was den Erfindungsreichtum von Rossinis Orchestrierung unterstreicht.

Die ONE-ACT COMIC OPERA Adina hat eine Handlung, die der von Ricciardo e Zoraide ähnelt und ebenfalls 1818 komponiert wurde. Erst acht Jahre später fand die Uraufführung des Werkes im Teatro São Carlos in Lissabon statt. Die neue Produktion im Teatro Rossini wird vor allem für das lokale Debüt in der anspruchsvollen Titelrolle von Lisette Oropesa in Erinnerung bleiben. Die amerikanische Sopranistin kombiniert ein individuelles Timbre mit einer beeindruckenden Technik (ihre Triller sind ein Genuss) und einer Phrasierung von außergewöhnlicher emotionaler Wirkung. Da sie auch eine Schauspielerin mit viel Charme ist, scheint sie für Großes bestimmt zu sein und erweist sich auf ihre Weise als ebenso beeindruckend (sie bevorzugt natürlich eine höhere Tessitura für melodische Varianten) wie Joyce DiDonato, die bereits 2003 ihr Pesaro-Debüt in der gleichen Rolle gab. In dieser intimen Umgebung erwies sich Vito Priantes leichter Bass als ideal für den aufstrebenden Ehemann der Califo-Adina, der sich als ihr lang verlorener Vater entpuppte. Seine aristokratische Präsenz wurde sehr geschätzt, ebenso wie seine makellose stilistische Formulierung. Der südafrikanische Tenor Levy Sekgapane hat eine ansprechende Persönlichkeit und eine sehr schnelle Stimme, die sich mühelos über Top C erhebt.

David DiChiera, 83, Gründer und Generaldirektor des Michigan Opera Theatre, hat Died

“Eine OPERA-FIRMA sollte nicht nur Oper machen – sie sollte Teil einer Gemeinschaft sein”, sagte David DiChiera 2010, als er von der National Endowment for the Arts einen Preis für sein Lebenswerk erhielt. Die Erklärung artikuliert das Leitmotiv des Michigan Opera Theatre, der 1971 gegründeten und mehr als vier Jahrzehnte lang geführten Kompanie “Dr. D.”. Unter der Ägide von DiChiera hat sich MOT nicht nur durch die Montage von Spitzenproduktionen einen Namen gemacht, sondern auch durch die dauerhafte Bindung an die Stadt Detroit und ihre vielfältigen Bewohner.

DiChiera, Komponist und Musikwissenschaftler sowie Impresario, wurde am 8. April 1935 in McKeesport, Pennsylvania, außerhalb von Pittsburgh, als Kind italienischer Einwanderer geboren; mit zehn Jahren zog die Familie nach Los Angeles. Er besuchte die UCLA mit dem Ziel, Konzertpianist zu werden, wechselte aber bald zur Komposition und studierte bei Lukas Foss. Nach dem College erhielt er ein Fulbright-Stipendium nach Italien, dann kehrte er an die UCLA zurück, um in Musikwissenschaft zu promovieren.

1962 zog DiChiera in das Gebiet von Detroit, um der Fakultät der Oakland University beizutreten, und er übernahm bald das Ruder der Ouvertüre zur Oper, einer Gruppe, die Stadtschulen bereiste und Opernszenen aufführte, die mit dem jährlichen einwöchigen Detroiter Auftritt der Metropolitan Opera verbunden sind. Die Ouvertüre zur Oper wuchs bald über ihren metazentrischen Ursprung hinaus und begann, eine ungewöhnliche Reihe von Einakter-Opern zu inszenieren. 1970 errichtete sie ihre erste abendfüllende Oper (The Barber of Sevilla, mit der 19-jährigen Maria Ewing in ihrem Operndebüt); im folgenden Jahr gründete sie einen Vorstand, wechselte in das Music Hall Theatre und änderte ihren Namen in Michigan Opera Theatre, mit DiChiera als Generaldirektor.

Als Präsident von Opera America von 1979 bis 1983 war DiChiera Teil des Teams, das “Opera for the 80s and Beyond” ins Leben rief – eine Förderinitiative, die in einer Zeit, in der amerikanische Opernhäuser in der Regel nur europäische Werke der Vergangenheit präsentierten, die Uraufführungen neuer amerikanischer Opern unterstützte. 1981 wurde er zum künstlerischen Leiter der Dayton Opera ernannt, und 1986 wurde er Generaldirektor der Opera Pacific, was zu einer Zeit führte, in der er seine Zeit zwischen MOT und seinen beiden anderen Kompanien teilte. Das Arrangement brachte eine Reihe von Koproduktionen hervor, darunter 1989 eine Opera Pacific-MOT Norma, die Joan Sutherlands Abschied von der Titelrolle markierte.

Mitte der 90er Jahre trat DiChiera von seinen anderen Ämtern zurück, um sich auf die MOT zu konzentrieren und sich auf sein bisher ehrgeizigstes Vorhaben zu konzentrieren: die Umwandlung eines verfallenen Filmpalastes in ein dauerhaftes Zuhause für das Unternehmen. Das Projekt stellte die Opulenz der öffentlichen Bereiche des Theaters zu Beginn des 20. Jahrhunderts wieder her und schuf modernste Bühnen- und Backstage-Einrichtungen. Als die Detroiter Oper 1996 mit einem Galaprogramm unter der Leitung von Luciano Pavarotti eröffnet wurde, wurde MOT zu einer der wenigen amerikanischen Kompanien, die über einen eigenen Veranstaltungsort verfügte, so dass sie zum prominentesten Moderator von Ballett, Modern Dance und Oper in der Stadt wurde. Die Eröffnung von zwei nahegelegenen Sportstadien der großen Liga hat das Parking Center des Unternehmens, das ursprünglich für Operngäste entwickelt wurde, zu einer wichtigen Einnahmequelle gemacht, die Opernbesucher und Sportfans gleichermaßen bedient und einen Jahresumsatz von 1 Million Dollar generiert.

Einer der großen Momente in DiChieras Karriere kam 2007, als MOT die Uraufführung seiner eigenen Oper Cyrano feierte. Er blieb Generaldirektor bis 2014, als Wayne Brown zum CEO ernannt wurde, der für die Geschäftsverantwortung des Unternehmens verantwortlich war, während DiChiera weiterhin als künstlerischer Leiter tätig war. Als er sich im Frühjahr 2017 von diesem Posten zurückzog, feierte das Unternehmen den Anlass mit einer Wiederbelebung von Cyrano im großen Stil.

Während seiner fast halbjährigen Amtszeit hat DiChiera dem gesellschaftlichen Engagement höchste Priorität eingeräumt. MOT’s Produktionen von Moniuszko’s Spukschloss und Szymanowski’s König Roger richteten sich an die große polnische Bevölkerung der Stadt; seine Montage von Tigranian’s Anoush engagierte die armenische Gemeinschaft; und seine Produktion von Robert Xavier Rodriguez’s Frida tourte durch Latino-Viertel im gesamten Stadtgebiet.

Vor allem hat DiChiera starke und dauerhafte Verbindungen zur afroamerikanischen Gemeinschaft der Stadt aufgebaut. Er programmierte nicht nur regelmäßig Repertoire wie Porgy and Bess und Treemonisha; seine farbenblinde Gusspolitik gab Generationen afroamerikanischer Künstler Auftrittsmöglichkeiten. Der Höhepunkt seiner Bemühungen war die Uraufführung von Margaret Garner 2005 mit Musik von Richard Danielpour und Libretto von Nobelpreisträger Toni Morrison. Ich hatte das Glück, bei diesem Anlass dabei zu sein, als das glitzernde multirassische Publikum, das an einer international gefeierten Veranstaltung in seinem eigenen prächtigen Theater teilnahm, einen Bürgerstolz ausstrahlte, wie ich ihn bei keiner anderen Opernveranstaltung erlebt habe. “Dr. D.” war nicht nur ein Impresario, sondern eine Community.